Tipuri și genuri de pictură în istorie. Arta reprezentării artistice a realității. Tipuri de pictură

În secolul al XVII-lea, a fost introdusă o împărțire a genurilor de pictură în „înalt” și „jos”. Primul a inclus genuri istorice, de luptă și mitologice. Al doilea includea genuri mondene de pictură din Viata de zi cu zi, De exemplu, gen de zi cu zi, natura statica, pictura cu animale, portret, nud, peisaj.

Genul istoric

Genul istoric în pictură nu înfățișează un anumit obiect sau persoană, ci un anumit moment sau eveniment care a avut loc în istoria erelor trecute. Este inclus în principal genuri de picturăîn art. Portretul, bătălia, genurile cotidiene și mitologice sunt adesea strâns împletite cu istoricul.

„Cucerirea Siberiei de către Ermak” (1891-1895)
Vasili Surikov

Artiștii Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovici Kustodiev și mulți alții și-au pictat picturile în genul istoric.

Gen mitologic

Povești, legende și mituri antice, folclor- reprezentarea acestor subiecte, eroi și evenimente și-a găsit locul în genul mitologic al picturii. Poate că se poate distinge în picturile oricărui popor, deoarece istoria fiecărui grup etnic este plină de legende și tradiții. De exemplu, un astfel de complot din mitologia greacă precum romantismul secret al zeului războiului Ares și zeița frumuseții Afrodita este descris în pictura „Parnassus” artist italian pe nume Andrea Mantegna.

„Parnasul” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia în pictură s-a format în cele din urmă în timpul Renașterii. Reprezentanții acestui gen, pe lângă Andrea Mantegna, sunt Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovici Vasnetsov și alții.

Gen de luptă

Pictura de luptă descrie scene din viața militară. Cel mai adesea sunt ilustrate diverse campanii militare, precum și bătălii pe mare și pe uscat. Și din moment ce aceste bătălii sunt adesea preluate din istoria reală, bătălia și genurile istorice își găsesc aici punctul de intersecție.

Fragment din panoramă „Bătălia de la Borodino” (1912)
Franz Roubaud

Pictura de luptă a luat formă în timpul Renașterii italiene în lucrările artiștilor Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, apoi Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov și mulți alți pictori.

Genul de zi cu zi

Scene din viața de zi cu zi, publică sau privată oameni normali, fie el urban sau viata taraneasca, descrie un gen de zi cu zi în pictură. Ca mulți alții genuri de pictură, picturile de zi cu zi se găsesc rar în propria lor formă, devenind parte a genului portret sau peisaj.

„Vânzător de instrumente muzicale” (1652)
Karel Fabricius

Origine pictura de uz casnic s-a întâmplat în secolul al X-lea în Est și s-a mutat în Europa și Rusia doar în secolele XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabricius și Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov și Ivan Alekseevich Ermenev sunt cei mai cunoscuți artiști ai picturii de zi cu zi din acea perioadă.

Genul animalistic

Principalele obiecte ale genului animalistic sunt animalele și păsările, atât sălbatice, cât și domestice, și în general toți reprezentanții lumii animale. Inițial, pictura cu animale a făcut parte din genurile picturii chineze, de când a apărut pentru prima dată în China în secolul al VIII-lea. În Europa, pictura cu animale s-a format doar în timpul Renașterii - animalele la acea vreme erau descrise ca întruchiparea viciilor și virtuților umane.

„Caii în luncă” (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp sunt principalii reprezentanți ai picturii animale în artele plastice.

Natură moartă

Genul natură moartă descrie obiecte care înconjoară o persoană în viață. Acestea sunt obiecte neînsuflețite combinate într-un singur grup. Astfel de obiecte pot aparține aceluiași gen (de exemplu, numai fructele sunt reprezentate în imagine) sau pot fi diferite (fructe, ustensile, instrumente muzicale, flori etc.).

„Flori într-un coș, fluture și libelulă” (1614)
Ambrosius Bosshart cel Bătrân

Natura moartă ca gen independent a luat forma în secolul al XVII-lea. Școlile flamandă și olandeză de natură moartă sunt deosebit de distinse. Reprezentanții unei game largi de stiluri și-au pictat picturile în acest gen, de la realism la cubism. Unele dintre cele mai multe faimoase naturi moarte pictat de pictorii Ambrosius Bosschaert cel Bătrân, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portretul este un gen de pictură, care este unul dintre cele mai comune în artele plastice. Scopul unui portret în pictură este de a înfățișa o persoană, dar nu doar aspectul ei, ci și de a transmite sentimentele interioare și starea de spirit a persoanei care este portretizată.

Portretele pot fi singure, pereche, de grup, precum și un autoportret, care se distinge uneori un gen separat. Și majoritatea portret celebru Din toate timpurile, poate, este tabloul lui Leonardo da Vinci intitulat „Portretul doamnei Lisa del Giocondo”, cunoscut de toată lumea ca „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Primele portrete au apărut cu mii de ani în urmă în Egiptul antic- acestea erau imagini ale faraonilor. De atunci, majoritatea artiștilor din toate timpurile s-au încercat în acest gen într-un fel sau altul. Portretul și genurile istorice ale picturii se pot suprapune și ele: imaginea unui mare personaj istoric va fi considerată o lucrare genul istoric, deși în același timp va transmite aspectul și caracterul acestei persoane ca portret.

Nud

Scopul genului nud este de a descrie corpul uman gol. Perioada Renașterii este considerată momentul apariției și dezvoltării acestui tip de pictură, iar obiectul principal al picturii a devenit apoi cel mai adesea corpul feminin, care întruchipa frumusețea epocii.

„Concert rural” (1510)
Titian

Titian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso sunt cei mai mulți artiști celebri care a pictat tablouri nud.

Decor

Tema principală a genului peisajului este natura, mediu inconjurator- oraș, zonă rurală sau sălbăticie. Primele peisaje au apărut în antichitate când pictau palate și temple, creând miniaturi și icoane. Peisajul a început să apară ca gen independent în secolul al XVI-lea și de atunci a devenit unul dintre cele mai populare genuri. genuri de pictură.

Este prezentă în lucrările multor pictori, începând cu Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet, continuând cu Isaac Ilici Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque și terminând cu mulți artiști contemporani ai secolului XXI.

« Toamna de aur„(1895)
Isaac Levitan

Printre picturile de peisaj, se pot distinge genuri precum peisajele maritime și urbane.

Veduta

Veduta este un peisaj, al cărui scop este să înfățișeze aspectul unei zone urbane și să transmită frumusețea și savoarea acesteia. Mai târziu, odată cu dezvoltarea industriei, peisajul urban se transformă într-un peisaj industrial.

„Piața Sf. Marcu” (1730)
Canaletto

Puteți aprecia peisajele orașului făcând cunoștință cu lucrările lui Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Marina

Un peisaj marin, sau portul de agrement, descrie natura elementului marin, măreția sa. Cel mai faimos pictor marin din lume este poate Ivan Konstantinovich Aivazovsky, a cărui pictură „Al nouălea val” poate fi numită o capodopera a picturii ruse. Perioada de glorie a portului de agrement a avut loc concomitent cu dezvoltarea peisajului ca atare.

„Barca cu pânze într-o furtună” (1886)
James Buttersworth

cu ale lor peisaje marine mai cunoscuți sunt Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio și Rafael Monleon Torres.

Dacă doriți să aflați și mai multe despre cum au apărut și s-au dezvoltat genurile de pictură în artă, urmăriți următorul videoclip:

Ia-o pentru tine și spune-le prietenilor tăi!

Citiți și pe site-ul nostru:

Afișați mai multe

Numărul de stiluri și tendințe este imens, dacă nu infinit. Stilurile în artă nu au granițe clare, ele se transformă fără probleme unele în altele și sunt în continuă dezvoltare, amestecare și opoziție. În cadrul unui stil artistic istoric, se naște întotdeauna unul nou, care, la rândul său, trece în următorul. Multe stiluri coexistă în același timp și, prin urmare, nu există „stiluri pure” deloc.

Abstracţionism (din latină abstractio - îndepărtare, distragere) - o direcție artistică în artă care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate.

Avangardă, avangardă (din avangarda franceză - avangarda) - denumirea generală a mișcărilor artistice din arta secolului XX, care se caracterizează prin căutarea de noi forme și mijloace de afișare artistică, subestimarea sau negarea completă a tradițiilor și absolutizarea inovaţie.

Academism (din franceză academisme) - direcție către pictura europeană secolele XVI-XIX. Pe baza aderenței dogmatice forme exterioare arta clasica. Adepții au caracterizat acest stil ca o reflecție asupra formei de artă a anticului lumea anticași Renașterea. Academicismul a completat tradițiile artei antice, în care imaginea naturii era idealizată, compensând în același timp norma frumuseții. Annibale, Agostino și Lodovico Carracci au scris în acest stil.

Actionism (din engleză action art - arta acțiunii) - happening, performance, event, process art, demonstration art și o serie de alte forme care au apărut în arta avangardă a anilor 1960. În conformitate cu ideologia acționismului, artistul trebuie să organizeze evenimente și procese. Acționismul încearcă să estompeze granița dintre artă și realitate.

Stilul imperiu (din imperiu francez - imperiu) - stil în arhitectură și arte decorative a apărut în Franța la începutul secolului al XIX-lea, în timpul Primului Imperiu al lui Napoleon Bonaparte. Stilul Empire este finalul dezvoltării clasicismului. Pentru a întruchipa măreția, rafinamentul, luxul, puterea și forța militară, stilul Imperiului se caracterizează printr-un apel la arta antică: forme decorative egiptene antice (trofee militare, sfinxuri înaripate...), vaze etrusce, pictură pompeiană, decor grecesc și roman , fresce și ornamente renascentiste. Principalul reprezentant al acestui stil a fost J.L. David (tablouri „Jurământul Horaților” (1784), „Brutus” (1789))

Subteran (din engleză underground - underground, dungeon) - o serie de tendințe artistice în artă contemporană opunându-se culturii de masă și mainstreamului. Underground-ul respinge și încalcă orientările și tipurile de comportament politice, morale și etice acceptate social, introducând comportament antisocial în viața de zi cu zi. ÎN perioada sovietică Din cauza stricteții regimului, aproape totul este neoficial, adică. nerecunoscută de autorități, arta s-a dovedit a fi subterană.

Art Nouveau (din franceză art nouveau, literalmente - artă nouă) este numele stilului Art Nouveau comun în multe țări (Belgia, Franța, Anglia, SUA etc.). Cel mai cunoscut artist al acestui stil de pictură: Alphonse Mucha.

Art Deco (din art deco francez, prescurtat de la decoratif) - o direcție în artă la mijlocul secolului XX, care a marcat sinteza avangardismului și neoclasicismului, a înlocuit constructivismul. Caracteristici această direcție: oboseală, linii geometrice, lux, șic, materiale scumpe (fildeș, piele de crocodil). Cea mai cunoscută artistă a acestei mișcări este Tamara de Lempicka (1898-1980).

Baroc (din barocco italian - ciudat, bizar sau din port perola barroca - perla formă neregulată, există și alte presupuneri despre originea acestui cuvânt) - un stil artistic în arta Renașterii târzii. Caracteristici distinctive ale acestui stil: dimensiuni exagerate, linii întrerupte, abundență de detalii decorative, greutate și colosalitate.

Renașterea sau Renașterea (din renașterea franceză, italiană rinascimento) este o epocă din istoria culturii europene, care a înlocuit cultura Evului Mediu și a precedat cultura timpurilor moderne. Aproximativ cadru cronologic epoca - secolele XIV-XVI. Trăsătură distinctivă Renaștere - natura seculară a culturii și antropocentrismul acesteia (adică interesul, în primul rând, pentru om și activitățile sale). Există un interes pentru cultura antica, există, parcă, „renașterea” sa - așa a apărut termenul. În timp ce pictau tablouri cu teme religioase tradiționale, artiștii au început să folosească noi tehnici artistice: construirea unei compoziții tridimensionale, folosind un peisaj în fundal, ceea ce le-a permis să facă imaginile mai realiste și mai animate. Acest lucru a distins clar opera lor de tradiția iconografică anterioară, plină de convenții în imagine. Cel mai artiști celebri această perioadă: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) , Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528).

Woodland (din engleză - forest land) - un stil în artă care își are originea în simbolism picturi rupestre, mituri și legende ale indienilor din America de Nord.

Goticul (din italian gotico - neobișnuit, barbar) este o perioadă în dezvoltarea artei medievale, care acoperă aproape toate domeniile culturii și se dezvoltă în Europa de Vest, Centrală și parțial de Est din secolele al XII-lea până în secolele al XV-lea. Goticul a completat dezvoltarea artei medievale europene, apărută pe baza realizărilor culturii romanice, iar în timpul Renașterii, arta medievală a fost considerată „barbară”. Arta gotică avea un scop cultic și o temă religioasă. S-a adresat celor mai înalte puteri divine, eternitate, viziune creștină asupra lumii. Goticul în dezvoltarea sa este împărțit în Gotic timpuriu, Epocă, Gotic târziu.

Impresionismul (din franceză impresie - impresie) este o direcție în pictura europeană care își are originea în Franța în mijlocul anului 19 secolului, al cărui scop principal a fost de a transmite impresii trecătoare, schimbătoare.

Kitsch, kitsch (din germană kitsch - prost gust) - un termen care denotă unul dintre cele mai odioase fenomene cultura populara, sinonim pentru pseudo-artă, în care atenția principală este acordată extravaganței aspectului și zgomotului elementelor sale. În esență, kitsch-ul este un tip de postmodernism. Kitsch-ul este artă de masă pentru elită. O lucrare care aparține kitsch-ului trebuie realizată la un nivel artistic înalt, trebuie să aibă o intriga fascinantă, dar aceasta nu este o adevărată operă de artă în sensul înalt, ci un fals iscusit al acesteia. Kitsch-ul poate conține conflicte psihologice profunde, dar nu există descoperiri și revelații artistice autentice.

Clasicismul (din latinescul classicus - exemplar) este un stil artistic în artă, a cărui bază a fost apelul, ca standard estetic ideal, la imaginile și formele artei antice și ale Renașterii, necesitând respectarea strictă a unei serii de reguli. si canoane.

Cosmismul (din greacă kosmos - lume organizată, kosma - decor) este o viziune artistică și filosofică asupra lumii bazată pe cunoașterea Cosmosului și a ideii unei persoane ca cetățean al Lumii, precum și a unui microcosmos asemănător Macrocosmosului. . Cosmismul este asociat cu cunoștințele astronomice despre Univers.

Cubismul (din francezul cub - cub) este o mișcare modernistă în artă care înfățișa obiecte ale realității descompuse în forme geometrice simple.

Letrismul (din limba engleză litera - scrisoare, mesaj) este o tendință în modernism bazată pe utilizarea imaginilor asemănătoare fontului, a textului ilizibil, precum și a compozițiilor bazate pe litere și text.

Metarealismul, realismul metafizic (din grecescul meta - între și gealis - material, real) este o direcție în artă, a cărei idee principală este de a exprima supraconștiința, natura superfizică a lucrurilor.

Minimalismul (derivat din limba engleză minimal art - minimal art) este o mișcare artistică bazată pe transformarea minimă a materialelor utilizate în procesul de creație, simplitatea și uniformitatea formelor, monocromul și autoconstrângerea creativă a artistului. Minimalismul se caracterizează printr-o respingere a subiectivității, a reprezentării și a iluzionismului. Respingând tehnicile clasice și tradiționale materiale de artă, minimalistii folosesc materiale industriale și naturale de simplu forme geometriceși culori neutre (negru, gri), volume mici, în serie, metode transportoare de producție industrială.

Art Nouveau (derivat din francezul moderne - cel mai nou, modern) este un stil artistic în care trăsăturile artei din diferite epoci sunt reinterpretate și stilizate folosind tehnici artistice bazate pe principiile asimetriei și decorativității.

Neoplasticismul este una dintre soiurile timpurii ale artei abstracte. Creat în 1917 de pictorul olandez P. Mondrian și alți artiști care erau membri ai asociației „Style”. Neoplasticismul se caracterizează, potrivit creatorilor săi, prin dorința de „armonie universală”, exprimată în combinații strict echilibrate de figuri dreptunghiulare mari, clar separate linii perpendiculare negru și vopsit în culorile locale ale spectrului principal (cu adăugarea de tonuri de alb și gri).

Primitivism, arta naiva, naiv - un stil de pictură în care tabloul este simplificat în mod deliberat, formele sale sunt făcute primitive, precum arta populară, opera unui copil sau a unui om primitiv.

Op art (din limba engleză optical art - optical art) este o direcție neoavangardică în arta plastică, în care efectele mișcării spațiale, îmbinării și „plutirii” formelor sunt realizate prin introducerea de contraste ascuțite de culoare și tonuri, ritmice. repetiții, intersecția configurațiilor în spirală și a rețelei, linii care se zvârcesc.

Orientalismul (din latină oriens - est) este o mișcare în arta europeană care folosește teme, simboluri și motive ale Orientului și Indochinei

Orfismul (din francezul orphisme, din Orp?ee - Orpheus) este o mișcare în pictura franceză din anii 1910. Nume dat în 1912 poet francez Pictura Apollinaire de artistul Robert Delaunay. Orfismul este asociat cu cubismul, futurismul și expresionismul. Principalele trăsături ale picturii în acest stil sunt estetismul, plasticitatea, ritmul, grația siluetelor și a liniilor.
Maeștri ai orfismului: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossinet, Fernand Léger, Morgan Russell.

Pop art (din limba engleză pop - sunet abrupt, bumbac ușor) este o mișcare neo-avangardă în arta plastică, în care realitatea este obiecte tipice vieții moderne urbanizate, exemple de cultură de masă și toate inconjura o persoana mediu material artificial

Postmodernismul (din franceză postmodernism - după modernism) este un nou stil artistic care se deosebește de modernism printr-o întoarcere la frumusețea realității secundare, a narațiunii, a apelului la intriga, a melodiei, a armoniei formelor secundare. Postmodernismul se caracterizează prin combinarea într-o singură lucrare de stiluri, motive figurative și tehnici artistice, împrumutat de la diferite epoci, regiuni și subculturi.

Realismul (din latinescul gealis - material, real) este o direcție în artă caracterizată prin reprezentarea unor fenomene sociale, psihologice și de altă natură cât mai apropiate de realitate.

Rococo (derivat din francezul rococo, rocaille) este un stil în artă și arhitectură care a apărut în Franța la începutul secolului al XVIII-lea. S-a remarcat prin grația, lejeritatea și caracterul intim și cochet. După ce a înlocuit puternicul baroc, rococo a fost atât rezultatul logic al dezvoltării sale, cât și antipodul său artistic. Rococo este unit cu stilul baroc prin dorința de completitudine a formelor, totuși, dacă barocul gravitează spre solemnitatea monumentală, atunci rococo preferă grația și lejeritatea.

Simbolismul (din franceză symbolisme - semn, semn de identificare) este o mișcare artistică în artă bazată pe întruchiparea ideilor principale ale unei opere prin estetica asociativă polisemantică și multifațetă a simbolurilor.

Realismul socialist, realismul socialist este o mișcare artistică în artă, care este o expresie estetică a unui concept socialist-conștient despre lume și om, determinat de epoca societății socialiste.

Hiperrealism, superrealism, fotorealism (din engleză hyperrealism - super realism) - o direcție în artă bazată pe o reproducere fotografică exactă a realității.

Suprarealismul (din francezul suprarealism - peste + realism) este una dintre direcțiile modernismului, a cărui idee principală este de a exprima subconștientul (de a combina visul și realitatea).

Transavantgarde (din latină trans - through, through și franceză avantgarde - avantgarde) este una dintre tendințele moderne ale postmodernismului, care a apărut ca reacție la conceptualism și arta pop. Transavangarda îmbrățișează amestecarea și transformarea stilurilor născute în avangardă, precum cubismul, fauvismul, futurismul, expresionismul etc.

Expresionismul (derivat din expresia franceză - expresivitate) este o mișcare modernistă în artă care examinează imaginea lumea de afara doar ca mijloc de exprimare a stărilor subiective ale autorului.

Pictura - vedere Arte vizuale care constă în realizarea de tablouri, tablouri, cel mai deplin și mai real reflectând realitatea.

O operă de artă realizată cu vopsele (ulei, tempera, acuarelă, guașă etc.) aplicate pe orice suprafață tare se numește pictură. Principalul mijloc expresiv al picturii este culoarea, capacitatea sa de a evoca sentimente diferite, asocieri, sporește emotivitatea imaginii. Artistul desenează de obicei culoarea necesară pictării pe o paletă, apoi transformă vopseaua în culoare pe planul de pictură, creând o ordine de culori - colorare. În funcție de natura combinațiilor de culori, poate fi cald și rece, vesel și trist, calm și tensionat, deschis și întunecat.

Imaginile din tablou sunt foarte vizuale și convingătoare. Pictura este capabilă să transmită volum și spațiu, natură și revelație lume complexă sentimente umaneși personaje, întruchipează idei umane universale, evenimente din trecutul istoric, imagini mitologiceși un zbor de fantezie.

Spre deosebire de pictură tip independentîn arta plastică, abordarea (metoda) picturală poate fi folosită și în celelalte tipuri ale sale: în desen, grafică și chiar în sculptură. Esența abordării picturale constă în înfățișarea unui obiect în relație cu mediul spațial lumină-aer înconjurător, într-o gradație subtilă a tranzițiilor tonale.

Varietatea de obiecte și evenimente din lumea înconjurătoare, aproape

interesul artiștilor față de ele a dus la apariția în secolul al XVII-lea -

secolele XX genuri de pictură: portret, natură moartă, peisaj, animalistic, cotidian (pictură de gen), mitologic, istoric, genuri de luptă. În operele de artă poate exista o combinație de genuri sau elemente ale acestora. De exemplu, o natură moartă sau un peisaj pot completa cu succes o imagine portret.

De metode tehnice iar materialele folosite, pictura poate fi împărțită în următoarele tipuri: ulei, tempera, ceară (encaustică), email, lipici, vopsele de apă pe tencuială udă (freșcă), etc. În unele cazuri, este dificil să se separe pictura de grafică. . Lucrările realizate în acuarelă, guașă și pastel se pot referi atât la pictură, cât și la grafică.

Vopsirea poate fi într-un singur strat, realizată imediat, sau în mai multe straturi, inclusiv subvopseaua și glazura, straturi transparente și translucide de vopsea aplicate pe stratul de vopsea uscat. Se obțin cele mai fine nuanțe și nuanțe de culoare.

Mijloacele importante de expresivitate artistică în pictură sunt, pe lângă culoare (culoare), pata și caracterul loviturii, tratarea suprafeței (textura) vopselei, valorile care prezintă modificări subtile de ton în funcție de iluminare, reflexe care apar din interacțiunea culorilor adiacente.

Construcția volumului și a spațiului în pictură este asociată cu perspectiva liniară și aeriană, proprietățile spațiale ale culorilor calde și reci, modelarea formei luminii și umbrelor și transferul generalului. nuanta de culoare pânze Pentru a crea o imagine, pe lângă culoare, aveți nevoie bun desenși compoziție expresivă. Artistul, de regulă, începe să lucreze pe pânză căutând cea mai de succes soluție în schițe. Apoi, în numeroase schițe pitorești din viață, el

elaborează elementele necesare compoziției. Lucrarea la un tablou poate începe cu desenarea compoziției cu o pensulă, vopsirea și

pictând direct pânza cu unul sau altul mijloc pictural. În plus, chiar și schițele și schițele pregătitoare au uneori o semnificație artistică independentă, mai ales dacă aparțin pensulei. pictor celebru. Pictura este foarte arta antica, care a evoluat de-a lungul multor secole de la picturile rupestre paleolitice la ultimele tendințe pictura secolului al XX-lea Pictura are o gamă largă de posibilități de realizare a ideilor de la realism la abstractionism. În cursul dezvoltării sale s-au acumulat comori spirituale enorme. În cele mai vechi timpuri, dorința de a se reproduce lumea reala felul în care o persoană o vede. Acest lucru a determinat apariția principiilor clarobscurului, elementelor de perspectivă și apariția imaginilor picturale volumetrico-spațiale. S-au deschis noi posibilități tematice de înfățișare a realității prin mijloace picturale. Pictura a servit la decorarea templelor, locuințelor, mormintelor și a altor structuri și era în unitate artistică cu arhitectura și sculptura.

Pictura medievală avea un conținut predominant religios. S-a remarcat prin expresia culorilor sonore, în principal locale, și expresivitatea contururilor.

Fundalul frescelor și picturilor, de regulă, era convențional, abstract sau auriu, întruchipând ideea divină în pâlpâirea ei misterioasă. Simbolismul culorilor a jucat un rol semnificativ.

În timpul Renașterii, un sentiment al armoniei universului, antropocentrismul (omul este în centrul universului) s-au reflectat în compoziții picturale despre religie și teme mitologice, în portrete, gospodărie și scene istorice. Rolul picturii a crescut, dezvoltând un sistem bazat științific de liniară și perspectiva aeriana, clarobscur.

Apare pictura abstracta, care a marcat respingerea figurativității și expresia activă a atitudinii personale a artistului față de lume, emoționalitatea și convenționalitatea culorii, exagerarea și geometrizarea

formele, decorativitatea și asociativitatea soluțiilor compoziționale.

În secolul al XX-lea Continuă căutarea de noi culori și mijloace tehnice de realizare a picturilor, ceea ce va duce, fără îndoială, la apariția unor noi stiluri în pictură, dar pictura in ulei rămâne încă una dintre cele mai preferate tehnici ale artiștilor.

Pictura este unul dintre tipurile de artă plastică. Pictura este împărțită în următoarele tipuri:

• monumental;
• şevalet;
• teatrale și decorative;
• decorativ;
• miniatură.

Spre deosebire de alte tipuri, în pictură semnificația expresivă principală este culoarea, datorită căreia aceasta joacă un rol estetic, educațional, ideologic și documentar.

Pictura este transferul unei imagini cu vopsele lichide, spre deosebire de grafică. Acționează ca vopsele Vopsea cu ulei, tempera, guașă, email, acuarelă etc.

Stilul de pictură este o direcție cu idei generale, tehnică de execuție, tehnici de imagine caracteristică. Formarea stilurilor a fost influențată de politică și economie, ideologie și religie. Prin urmare, fiecare stil poate fi considerat ca un reprezentant al timpului său.

Direcțiile și stilurile de pictură nu sunt mai puțin diverse decât mijloacele de reprezentare a acesteia. Uneori nu există o divizare clară a stilurilor. Când amestecați mai multe stiluri, obțineți unul nou. Dar, în ciuda diversității, există mai multe direcții principale:

gotic

Acest stil european a fost comun în secolele IX-XIV. Povești biblice, lipsa de perspectiva, emotivitatea si pretentiozitatea sunt principalele trasaturi ale acestui stil. Reprezentanți: Giotto, Traini.

Renaştere

Secolul XIV-XVI marchează o întoarcere la antichitate, celebrarea frumuseții corpul uman, umanism. Principalii reprezentanți sunt Michelangelo Buonarotti, Leonardo da Vinci.

Manierism

Direcția în pictură a secolului al XVI-lea. Stilul este opusul Renașterii. Numele provine de la cuvântul „maniera”. Reprezentanții acestei direcții sunt Vasari și Duve.

Stil baroc

Pompos, stil de lux pictura secolelor XVI-XVIII în Europa. Se distinge prin strălucirea culorilor, atenția la detalii și decor.

Rococo

al 16-lea secol. O continuare mai rafinată, rafinată și intimă a stilului baroc. Reprezentanți: Boucher, Watteau.

Clasicism

Stilul inerent cultura europeana secolele XVII-XIX. Din punct de vedere al clasicismului, un tablou trebuie construit pe canoane stricte. Stilul clasicismului este moștenitorul antichității și al Renașterii. Principalii reprezentanți ai acestui stil sunt Raphael și Poussin.

Stilul imperiu

stilul secolului al XIX-lea. Numele stilului provine de la cuvântul „imperiu”. Este o continuare a dezvoltării clasicismului în măreția, luxul și rafinamentul său. Reprezentantul principal este J. L. David.

Romantism

Stilul secolului al XIX-lea, precedat de clasicism. Emoționalitatea, individualitatea, expresivitatea imaginilor. S-a remarcat prin portretizarea emoțiilor, cum ar fi groaza și venerația. Promovează tradițiile populare, legendele, istoria nationala. Reprezentanți: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Primitivismul

Stilul de pictură al secolului al XIX-lea. O imagine stilizată, simplificată, care are ca rezultat forme primitive care amintesc de desenele primitive. Un reprezentant proeminent este Pirosmani.

Realism

Stil secolele 19-20. Practic reflectă cu adevărat realitatea obiectivă, fără emoționalitate excesivă. Oamenii erau adesea reprezentați la serviciu. Artiști: Repin, Shișkin, Savrasov, Manet.

Abstracţionism

Stil secolele 19-20. Armonios combinație de culori forme geometrice menite să realizeze o varietate de asocieri. Reprezentanți: Picasso, Kandinsky.

Impresionism

Stil secolele 19-20. Stil de pictură în aer liber, în aer liber. Realizat într-o manieră caracteristică, jocul luminii, tehnica loviturilor mici, mișcarea transmisă de maestru. Numele stilului a fost dat de pictura lui Monet „Impresiune”. Principalii reprezentanți ai acestui stil sunt Renoir, Monet, Degas.

Expresionism

stilul secolului al XX-lea. Prezentarea exagerată a emoțiilor pentru un efect mai mare asupra privitorului. Printre reprezentanții acestui stil se numără Modigliani și Munch.

Cubism

Stilul avangardist al secolului al XX-lea. Se caracterizează prin linii întrerupte (cubice), o anumită combinație de obiecte privite simultan din mai multe puncte de vedere. Picasso este considerat fondatorul acestui stil.

Modernism

Stil secolele 19-20. Este antipodul imaginilor conservatoare ale realismului. Stilul șocant, plastic al picturii prezintă picturi originale care reflectă lumea interioara artist. Reprezentanți: Picasso, Matisse.

Arta pop

stilul secolului al XX-lea. O descriere ironică a obiectelor banale, adesea vulgare. Folosit de obicei în marketing și publicitate. Reprezentant strălucitor Această regie este Andy Warhol.

Simbolism

Direcția secolelor XIX-XX. Spiritualitate, vise, mituri și legende. Simbolurile, adesea ambigue, caracterizează acest stil. Este predecesorul expresionismului și suprarealismului. Reprezentanți: Vrubel, Vasnețov, Nesterov.

Suprarealism

stilul secolului al XX-lea. Aluzii, amestecarea spațiilor de realitate și vise, colaje neobișnuite. Face impresie subconștientului. Dali și Magritte au adus o mare contribuție la acest stil.

Subteran

O tendință experimentală în arta contemporană care reflectă comportamentul antisocial, încălcând principiile morale și etice general acceptate. Reprezentantul stilului este Shemyakin.

Ce este stilul?

Ce se înțelege exact prin stil în artă? Acesta este un fel de unitate ideologică și artistică, datorită căreia artiștii acordă preferință anumitor teme și speciale medii vizuale. Ei rămân individuali, dar privind cutare sau cutare pictură, se poate determina aproape inconfundabil epoca și stilul.

Europa a luat forma în Evul Mediu. Și pictura s-a dezvoltat din pictura cu icoane. Pe pământul rus a existat chiar și un gen de tranziție - parsuna. Aceasta nu mai este o icoană, dar nu este încă un portret. Și numai atunci când arta este eliberată treptat de puterea bisericii, devine mai lumească și mai laică, pictura ca formă de artă își dobândește toate drepturile.

Stil după stil

Primul stil paneuropean în pictură poate fi considerat nu romanic și gotic (există predominant arhitectură), ci baroc.

Acesta este un stil de indicii, omisiuni, alegorii, un stil de alegorii și metafore. Rembrandt și Rubens sunt reprezentanții săi tipici. Rococo este un fel de baroc degenerat. Stilul nu este atât în ​​pictură cât în Arte Aplicate. F. Boucher și A. Watteau au lăsat cele mai izbitoare exemple de pictură rococo. Acest tablou în sine este sofisticat, cu un strop de erotism, conceput în culori pastelate, plin de motive mitologice. Secolul al XVIII-lea devine secolul dominației clasicismului. Aceasta este deja pictură eroică, în care conducătorii și generalii sunt glorificați. Există o predilecție în rândul artiștilor pentru subiectele mitologice și istorice. Proporții stricte, unitate de conținut și formă, împărțirea personajelor în pozitive și negative, în principale și secundare - acestea sunt doar câteva dintre trăsăturile clasicismului. Apoi urmează epoca scurtă, dar strălucită a sentimentalismului. Pe lângă pictură, sfera sa de influență include și poezia. Sentimentaliştii aprofundează conţinutul artei, umplându-l de tensiune psihologică. Ei transformă pictura în nevoi și cereri oameni normali. Arta se democratizează. Pânzele înfățișează acum nu zei și eroi, ci bucătari, spălători și muncitori. Pentru cea mai inestetica munca. Romantismul înlocuiește sentimentalismul. Cu pasiunile sale furtunoase, personajele neobișnuite, extraordinare, cultul inspirației. Este suficient să comparăm portretele lui Pușkin de Kiprensky și Tropinin pentru a simți diferența fundamentală dintre ele. Romanticul Kiprensky are un Pușkin romantic, pe fundalul lirei. Realistul Tropinin îl pictează pe poet ca pe un bărbat, cu gulerul cămășii deschis lejer, deși cu un pix în mâini.

Realism - serios și mult timp Arta realistă a început să-și croiască drum tocmai din anii treizeci ai secolului al XIX-lea. Și foarte curând începe să determine și să modeleze gusturile artistice ale unui număr semnificativ de public. Realismul se bazează pe dorința unei reflectări veridice și cuprinzătoare a realității înconjurătoare, o atitudine critică față de valorile burgheze și o puternică orientare socială. În Rusia, pictura realistă este, în primul rând, realizată de artiștii itineranți. La începutul secolului, realismul trecea printr-o anumită criză temporară. Dar se dovedește a fi suficient pentru ca modernismul să apară. Acest termen este de obicei folosit pentru a desemna o colecție pestriță a acelor mișcări și școli artistice care au căutat să scuture de cătușele arta traditionala, rupe de realism și de reprezentarea sa substanțială.

Strălucire alternativă sau falsă?

Modernismul este impresionism, fauvism, simbolism și futurism. Publicul vede din ce în ce mai puțini oameni, natură și animale pe pânze. În schimb, există proporții distorsionate și tonuri neclare. Totul este colorat de emoțiile și dispozițiile de moment ale unuia sau altuia autor. După cum se spune, urmează mai multe. După modernism – abstractionism. Acestea sunt pete de culoare, linii curbe, o combinație bizară de corpuri geometrice. Cubism, raionism, suprarealism. Doar talentul m-a salvat. Este vorba despre Picasso sau Dali. Mediocritățile au fost înghițite de Lethe. Destinul lor este uitarea în istorie. În sfârșit, postmodernismul, a cărui viață a fost nerezonabil de lungă. Nu mai există reguli sau canoane aici. Fără mărturisire sau predică. Totul este acceptabil. Eclectism complet, adică un amestec de stiluri și elemente eterogene. Mizați pe succesul comercial.

La ce ai ajuns? Dezvoltarea stilurilor de pictură, din păcate, confirmă presupunerea filozofului spaniol J. Ortega y Gaseta despre apariția secolului „dezumanizării artei”. Nimeni nu neagă nevoia de auto-exprimare și nimeni nu limitează artistul în alegerea mijloacelor pentru aceasta. Singurul lucru trist este că mulți oameni tind să creadă, la fel ca bătrâna Shapoklyak din desene animate, „nu poți deveni faimos pentru fapte bune”. Cu cât este mai scandalos, cu atât succesul prezis mai tare. Iar astfel de „artişti” habar n-au că timpul va îndepărta totuşi toată zgura şi coaja, dar adevărata artă va rămâne. Nicio murdărie nu se va lipi de el.

gotic(din italian gotico - neobișnuit, barbar) - o perioadă în dezvoltarea artei medievale, care acoperă aproape toate domeniile culturii și care se dezvoltă în vestul, centrul și parțial estul Europei din secolele al XII-lea până în secolele al XV-lea. Goticul a completat dezvoltarea artei medievale europene, apărută pe baza realizărilor culturii romanice, iar în timpul Renașterii, arta medievală a fost considerată „barbară”. Arta gotică avea un scop cultic și o temă religioasă. S-a adresat celor mai înalte puteri divine, eternității și viziunii creștine asupra lumii. Goticul în dezvoltarea sa este împărțit în Gotic timpuriu, Epocă, Gotic târziu.

Celebrele catedrale europene, care sunt atât de populare pentru a fi fotografiate, au devenit capodopere ale stilului gotic. cele mai mici detalii turiştilor. În designul interior al catedralelor gotice rol important dedicat soluțiilor de culoare. Decorul exterior și interior a fost dominat de o abundență de aurire, luminozitatea interiorului, ajuratarea pereților și disecția cristalină a spațiului. Materia era lipsită de greutate și de impenetrabilitate, era, parcă, spiritualizată.

Suprafețele uriașe ale ferestrelor erau umplute cu vitralii cu compoziții care reproduceau evenimente istorice, basme apocrife, subiecte literare și religioase, imagini cu scene cotidiene din viața simplilor țărani și artizani, care au oferit o enciclopedie unică a modului de viață din Evul Mediu. Kona erau umplute de sus în jos cu compoziții figurate, care erau închise în medalioane. Combinația de lumină și culoare în pictură folosind tehnica vitraliului a conferit o emotivitate sporită compozițiilor artistice. S-au folosit o varietate de pahare: stacojiu adânc, aprins, roșu, granat, verde, galben, albastru închis, albastru, ultramarin, tăiate de-a lungul conturului desenului... Ferestrele s-au încălzit ca niște pietre prețioase, pătrunse de lumină exterioară. - au transformat întregul interior al templului și au pus vizitatorii săi într-o dispoziție ridicată.

Datorita sticlei colorate gotice, noua valorile estetice, iar culorile au dobândit cea mai mare sonoritate de culoare radiantă. Culoarea pură a creat o atmosferă de aer, pictată în diferite tonuri datorită jocului de lumină pe coloane, podele și vitralii. Culoarea a devenit o sursă de lumină care a adâncit perspectiva. Paharele groase, adesea inegale, erau umplute cu bule nu în totalitate transparente, sporind efectul artistic al vitraliului. Lumina, trecând prin grosimea neuniformă a paharului, s-a fragmentat și a început să se joace.

Cele mai bune exemple de vitralii gotice autentice sunt văzute în catedralele din Chartres, Bourges și Paris (de exemplu, „Fecioara cu copilul”). Plin cu nu mai puțin splendoare, precum și „Roțile de foc” și „Aruncarea fulgerului” în Catedrala din Chartres.

De la mijlocul secolului I, culorile complexe obtinute prin duplicarea sticlei au inceput sa fie introduse in gama colorata. Astfel de vitralii extraordinare în stil gotic s-au păstrat în Sainte-Chapelle (1250). Contururile au fost aplicate pe sticlă folosind vopsea de email maro, iar formele au fost plane în natură.

Epoca gotică a devenit perioada de glorie a artei carte in miniatura, precum și miniaturi artistice. Întărirea tendințelor seculare în cultură nu a făcut decât să intensifice dezvoltarea acestora. Ilustrațiile cu compoziții cu mai multe figuri pe teme religioase au inclus diverse detalii realiste: imagini cu păsări, animale, fluturi, ornamente cu motive vegetale și scene cotidiene. Lucrările miniaturistului francez Jean Pussel sunt pline de un farmec poetic aparte.

În dezvoltarea miniaturii gotice franceze din secolele al XIII-lea și al XIV-lea loc de frunte a fost ocupat de o școală pariziană. Psaltirea Sfântului Ludovic este plină de compoziții cu mai multe figuri încadrate de un singur motiv de arhitectură gotică, care conferă narațiunii o armonie extraordinară (Luvru, Paris, 1270). Figurile doamnelor și cavalerilor sunt grațioase, formele lor se disting prin linii curgătoare, ceea ce creează iluzia mișcării. Bogăția și grosimea culorilor, precum și arhitectura decorativa desenele transformă aceste miniaturi în opere de artă unice și decorațiuni prețioase pentru pagini.

Stilul cărții gotice se distinge prin forme ascuțite, ritm unghiular, neliniște, modele ajurate în filigran și linii sinuoase superficiale. Este de remarcat faptul că în secolele al XIV-lea și al XV-lea au fost ilustrate și manuscrise laice. Cărți de ore, tratate științifice, colecții de cântece de dragoste și cronici sunt pline de miniaturi magnifice. Miniatura, ilustrând opere de literatură curtenească, întruchipa idealul iubirii cavalerești, precum și scene din viața obișnuită din jurul nostru. O creație similară este manuscrisul Manes (1320).

De-a lungul timpului, goticul a devenit mai povestit. „Marele Cronici franceze” din secolul al XIV-lea demonstrează clar dorința artistului de a pătrunde în sensul evenimentului pe care îl descrie. Odată cu aceasta, cărților li s-a conferit o eleganță decorativă prin utilizarea de vignete rafinate și rame în formă de fantezie.

Miniatura gotică redată influență mare la pictură şi a adus un curent viu în arta Evului Mediu. Goticul a devenit nu doar un stil, ci o verigă importantă în dezvoltarea culturală generală a societății. Maeștrii stilului au reușit să reproducă cu o acuratețe incredibilă imaginea contemporanului lor în materie și mediul natural. Lucrările gotice maiestuoase și spirituale sunt înconjurate de o aură de farmec estetic unic. Goticul a dat naștere unei noi înțelegeri a sintezei artelor, iar realizările sale realiste au pregătit terenul pentru tranziția la arta Renașterii.