هنر ویولن اتریشی خلاقیت مجلسی – ساز آهنگسازان مکتب کلاسیک وین. موسیقی مجلسی ژانرهای موسیقی مجلسی دستگاهی

در آغاز قرن هفدهم، وین به یکی از بزرگترین مراکز موسیقی در اروپا تبدیل شد. روابط با فرهنگ های ایتالیایی، چک، لهستانی، آلمانی و سپس روسی، به موسیقی اتریشی و اجرای هنر تارهای آرشه ای رنگ و بوی خاصی بخشید. ظهور مکتب کلاسیک وین در نیمه دوم قرن هفدهم به یک جهت پیشرفته تبدیل شد. هنر اروپاییبطور کلی. سنت های عامیانه برای توسعه خود دامنه کافی دریافت کردند. حوزه موسیقی یک اجرای تئاتری با موسیقی و رقص، راهپیمایی ها - کارناوال ها، سرناها در خیابان ها، نمایش های باشکوه دادگاه در میادین، در تئاتر است. «اپراهای مدرسه ای» محبوبیت زیادی پیدا می کنند، صومعه ها و کلیساها در تولید اپراهای اسرارآمیز و مذهبی با هم رقابت می کنند. چنین توزیع فراگیر و گسترده موسیقی در اقشار مختلف جامعه در هیچ کشور دیگری توسعه مشابهی نداشته است.

از میان سازهای زهی، ویولن و ویولا از همه پرطرفدارتر بودند. اولین مراکز حرفه ای آموزش موسیقیدانشگاه ها، دادگاه ها و کلیساهای کلیسا در اتریش تبدیل شدند. یکی از بهترین کلیساهای اروپا، کلیسای کوچک دربار هابسبورگ در وین بود (موسیقیدان ایتالیایی آنتونیو سالیری یکی از رهبران این کلیسای کوچک است). در شهرهای دیگر نمازخانه وجود دارد. نام لئوپولد و ولفگانگ آمادئوس موتسارت با کلیسای کوچک سالزبورگ مرتبط است.

ژانرهای اصلی در موسیقی دستگاهی اتریشی قرن هفدهم عبارتند از سوئیت ابزاری, کنسرتو گروسو, ژانر سه سونات.

یوهان هاینریش اشملزر (1623 - 1680)ویولن و آهنگساز اتریشی. نام او با ظهور نوع جدیدی از ویولونیست - یک نوازنده فاضل همراه است. او یکی از اولین کسانی بود که سنت های ایتالیایی سونات سه گانه را در اتریش توسعه داد. مهمترین اثر اشملزر مجموعه ای از شش سونات است که در آن از نت های دوگانه و تکنیک های پیچیده نوازندگی چند صدایی استفاده می کند.

هاینریش بیبر (1644 - 1704)- ویولن و آهنگساز اتریشی، شاگرد و پیرو اشملزر. بزرگترین استاد هنر ویولن قرن هفدهم. در میان آثار فراوان، باارزش ترین چرخه 15 سونات ویولن (از جمله سونات های برنامه) است که در آن از اسکورداتورا، نت های دوگانه و سایر تکنیک های ویولن ویرتوز استفاده شده است. بیبر به اثرات آنوماتوپئیک تقلید از آواز بلبل، فاخته، خروس، بلدرچین و همچنین گریه های قورباغه، مرغ، گربه ادای احترام می کند. Passacaglia برای تکنوازی ویولن دانشنامه ای از تکنیک ویولن قرن هفدهم است.

کارل دیترزدورف (1739 - 1799)- یکی از ویولن نوازان و آهنگسازان برجسته اتریشی قرن هجدهم. سطح هنرهای نمایشی او به طور غیرعادی بالا بود. او چهارده کنسرتو ویولن، دوازده آهنگ متفاوت برای دو ویولن و ویولن سل، سمفونی‌های متعدد، موسیقی مجلسی و اپرا خلق کرد. او به همراه جی. هایدن خالق ژانر کوارتت کلاسیک با ویولن سولو شد.

فرهنگ موسیقی وین پیش نیازهای ظهور سبک کلاسیک را در آثار جی. هایدن و دبلیو آ. موتسارت ایجاد کرد.

جوزف هایدن (1732 - 1809)- یکی از آن آهنگسازانی که ویولن در آثارش به شیوه ای جدید صدا می کرد. ویولن برای هایدن یکی از سازهای مورد علاقه اوست. هایدن موسیقی را در انواع مختلفی از ژانرها و فرم ها نوشت، اما اهمیت اصلی هایدن در توسعه موسیقی دستگاهی (سمفونیک و مجلسی) نهفته است. او تعداد زیادی تصنیف نوشت، از جمله نه کنسرتو ویولن (چهار نفر باقی مانده)، دوازده سونات ویولن، شش دونوازی برای ویولن و ویولا، بیش از هشتاد کوارتت زهی، تریو، دیورتیس و دیگر آثار مجلسی. در سمفونی های او نقش اصلی را اولین ویولن ها ایفا می کنند که تقریباً تمام مطالب موضوعی به آنها سپرده شده است.

سونات‌ها، کوارتت‌ها و کنسرتوهای اولیه او نمونه‌های برجسته‌ای از سبک و تکنیک شجاعانه هستند. عناصر روکوکو به وضوح در مینوئت های هایدن متجلی می شوند که در آثار موتزارت نیز قابل ذکر است.

کوارتت هاهایدن در ژانر موسیقی کوارتت همان نقشی را ایفا می کرد که در موسیقی سمفونیک وجود داشت، یعنی یکی از پایه گذاران این سبک بود. هایدن در طول زندگی حرفه ای خود رباعی نوشت، اما بهترین آنها متعلق به دهه های 80 و 90 است.

کوارتت های هایدن از موسیقی داخلی که در آن نوازندگی کوارتت بسیار رایج بود، رشد کردند. با این حال، کوارتت های هایدن به دلیل عمق و درخشندگی محتوای موسیقایی و همچنین کمال فرم، از چارچوب تنگ زندگی موسیقایی داخلی فراتر رفته و نقش بسزایی در زندگی کنسرت.

آنها دیگر تزئینات بیرونی به اصطلاح سبک "گالانت"، شکوه تزئینی موسیقی سالن را ندارند. سادگی ملودی های رقص محلی و ترانه های محلی با تسلط چشمگیر بر پیچیدگی صداها و کمال فرم ترکیب شده است. سرگرمی درخشان، شور و شوق و طنز عامیانه بسیاری از کوارتت ها حتی باعث نگرش منفی منتقدان محافظه کار شد که در کوارتت های هایدن "توهین به حیثیت

موسیقی»، «ناز کشیدن». اما نه تنها شور و شوق شاد از ویژگی های موسیقی مجلسی هایدن است. در رباعی های او، درجه بندی حالات و احساسات متفاوت است - از اشعار سبک تا احساسات غم انگیز و حتی غم انگیز.

در کوارتت ها، نوآوری هایدن گاهی حتی جسورتر از سمفونی هاست. علی رغم ارزش پیشروویولن اول به عنوان صدای بالایی، در بافت کلی گروه، هر چهار ساز نقش نسبتاً مستقلی دارند. در تعدادی از آثار، در اجرای ثانویه مضامین و توسعه آنها، هر چهار ساز معرفی شده است که نقش نسبتاً فعالی دارند. این به بافت کوارتت یک چند صدایی خاص بر اساس همفونیک- هارمونیک می دهد و کل پارچه موسیقی را متحرک می کند. هایدن در رباعیات خود با کمال میل و به طور خاص استفاده می کند فرم های چند صدایی. بنابراین، فوگ ها گاهی به چهارتایی ختم می شوند. باور عمومی بر این است که بتهوون اولین کسی بود که در آخرین آثار خود فوگ را وارد ژانر کوارتت کرد. اما ظاهراً هایدن این کار را قبل از بتهوون انجام داده است!

در برخی از رباعی‌های او، قسمت‌های میانی بازآرایی شده‌اند، یعنی مینوئت دوم است (و نه سومین قسمت، طبق معمول) و قسمت آهسته در جایگاه سوم، قبل از پایان است. چنین تغییری در ترتیب قسمت‌های میانی به دلیل ماهیت قسمت‌های شدید چرخه و ملاحظات سازنده مربوط به اصل کنتراست در شکل چرخه‌ای است. در ژانر سمفونی، بازآرایی دو موومان میانی ابتدا در سمفونی نهم بتهوون انجام شد.

علاوه بر این، در رباعی‌های «روسی» (این رباعی‌ها به دوک بزرگ روسیه، پل، وارث تاج و تخت) در سال 1781، هایدن به جای مینوئت، یک اسکرو و یک شرزندو را معرفی می‌کند که در برخی از آنها دومی است. بخشی از چرخه این عقیده عموماً پذیرفته شده که بتهوون برای اولین بار اسکرو را به جای مینوئت وارد چرخه سونات-سمفونی کرد، تنها در رابطه با سمفونی ها و سونات ها صادق است، اما نه در مورد کوارتت ها.

کوارتت‌های متعدد، سه‌گانه‌ها و دیگر گروه‌های هایدن، بخش مهم، مهم و ارزشمندی از میراث کلاسیک در زمینه موسیقی دستگاهی مجلسی را نشان می‌دهند.

در کار هایدن، شکل گیری سونات کلاسیک ویولن و کنسرتو ویولن رخ می دهد.

هایدن توانست حرفه ای و سنت های عامیانه، لحن ها و ریتم های محلی را وارد موسیقی خود کرد.

هایدن به عنوان یکی از بزرگترین نمایندگان مکتب کلاسیک وین، به طور گسترده از اتریشی استفاده و ترجمه ارگانیک کرد. فولکلور موسیقیبا تمام کاملی و تنوع آن، در ترکیبی از عناصر مختلف ملی: آلمان جنوبی، مجارستان، اسلاو. در میان مضامین عامیانه منشأ اسلاویهایدن از مضامین عامیانه کرواسی استفاده زیادی کرد. او اغلب به ملودی‌های فولکلور اصیل روی می‌آورد، اما اغلب ملودی‌های خود را با روحیه خلق می‌کرد. آهنگ های محلیو می رقصد

فولکلور اتریشی چنان عمیق وارد آثار هایدن شد که به «طبیعت دوم» او تبدیل شد. بسیاری از ملودی های ساخته شده توسط خودش

هایدن، محبوب شد و حتی توسط کسانی که نام خالق خود را نمی دانستند، خوانده شدند.

در موسیقی دستگاهی هایدن (انفرادی، مجلسی و سمفونیک)، چرخه سونات-سمفونی تجسم کلاسیک کامل و بی نقصی دریافت کرد. هر چهار بخش اثر، با ادغام در یک مفهوم هنری واحد، جنبه های مختلف زندگی را بیان می کنند. معمولاً قسمت اول (سوناتا الگرو) دراماتیک ترین و تکانشی ترین قسمت است. بخش دوم (آهسته) اغلب حوزه تجارب غنایی، مراقبه آرام است. موومان سوم (minuet) شما را به فضای رقص می برد و چرخه سونات-سمفونی را با مجموعه رقص قرن 17-18 پیوند می دهد. موومان چهارم (پایانی) شامل یک آغاز ژانر-داخلی است و به ویژه به آهنگ و موسیقی رقص محلی نزدیک است. موسیقی آثار هایدن در مجموع (به استثنای برخی موارد) خصلت ژانر-داخلی دارد، نه تنها موسیقی قسمت های سوم و چهارم چرخه، بلکه دو قسمت اول نیز با رقص و آواز آغشته است. اما در عین حال، هر بخش عملکرد اصلی نمایشی خود را دارد و در استقرار تدریجی، افشای ایده کل کار شرکت می کند.

W. A. ​​Mozart (1756 - 1791) در خانواده ویولونیست و آهنگساز مشهور لئوپولد موتزارت متولد شد. توانایی موسیقاییموتزارت خیلی ظاهر شد سن پایینزمانی که او در مورد سه سال. پدرش لئوپولد یکی از رهبران اروپایی بود اساتید موسیقی. کتاب او "تجربه یک مدرسه ویولن جامد" در سال 1756 منتشر شد - سالی که موتزارت متولد شد، نسخه های بسیاری را پشت سر گذاشت و به بسیاری از زبان ها از جمله روسی ترجمه شد. پدر اصول نواختن هارپسیکورد، ویولن و ارگ را به ولفگانگ آموخت.

اولین اطلاعات در مورد نواختن ویولن موتسارت به سن 4 سالگی اشاره دارد. اولین ساخته های ویولن - 16 سونات برای ویولن و کلاویر. او 6-7 کنسرتو برای ویولن، یک کنسرتو سمفونی برای ویولن و ویولا، یک کنسرتون برای دو ویولن، دو کنسرتو روندو، آداجیو و آندانته، 35 سونات ویولن، دو دوئت برای ویولن و ویولا، یک دوئت برای دو ویولن، سه‌گانه خلق کرد. ، کوارتت ها، تنوع ها و سایر کارهای مجلسی.

صحت کنسرتو Es-dur هنوز در تردید است. آخرین کنسرتو تکنوازی ویولن کنسرتو D-dur بود که با شماره 7 شناخته می شود. او آن را برای روز نام خواهرش ساخت و برای اولین بار خودش آن را اجرا کرد. این یکی از آخرین حضورهای عمومی موتزارت به عنوان نوازنده ویولن بود. تاریخچه کنسرت غیرعادی است. برای تقریبا 130 سال، این اثر ناشناخته باقی ماند. در سال 1835، یک کپی از یک خودکار برای Baio ساخته شد. نسخه اصلی ناپدید شد و تنها نسخه دیگری در کتابخانه برلین یافت شد. هر دو نسخه تقریباً یکسان بودند و کنسرتو برای اولین بار در سال 1907 توسط چندین نوازنده منتشر و اجرا شد.

ویژگی بارز کار موتزارت ترکیبی شگفت انگیز از فرم های سخت و واضح با احساسات عمیق است. منحصر به فرد بودن آثار او در این است که او نه تنها در تمام اشکال و ژانرهای موجود در عصر خود نوشت، بلکه در هر یک از آنها آثاری ماندگار از خود به جای گذاشت. موسیقی موتزارت ارتباطات بسیاری را با افراد مختلف نشان می دهد فرهنگ های ملی(به ویژه ایتالیایی)، با این وجود، به خاک ملی وین تعلق دارد و مهر شخصیت خلاق آهنگساز بزرگ را بر خود دارد.

موتزارت یکی از بزرگترین ملودیست هاست. ملودی آن ترکیبی از ویژگی های ترانه های محلی اتریشی و آلمانی با ملودی بودن کنتیلنا ​​ایتالیایی است. علیرغم این واقعیت که آثار او با شعر و ظرافت لطیف متمایز می شوند، اغلب حاوی ملودی هایی با طبیعت شجاعانه، با ترحم دراماتیک عالی و عناصر متضاد هستند.

ارزش خلاقیت ویولن W. A. ​​Mozart را نمی توان دست بالا گرفت. نه تنها آهنگسازان را تحت تأثیر قرار داد مدرسه وینبلکه کشورهای دیگر آثار او به عنوان نمونه ای از تفسیر ویولن، نمونه ای از استفاده از امکانات بیانی آن است. از موتزارت خط سمفونی سازی کنسرتو ویولن، استفاده هنرمندانه و هنری از ویولن به عنوان یک ساز کنسرت می آید.

در زمینه موسیقی دستگاهی نیمه دوم قرن هجدهم، موتزارت که نه تنها از بهترین دستاوردهای نسل قدیم استادان مانهایم و وینی، بلکه از تجربیات خلاق هایدن نیز استفاده و خلاصه کرد، به بالاترین ارتفاعات رسید. هر دو آهنگساز بزرگ متعلق به نسل‌های مختلف بودند و طبیعی است که موتزارت در روند رشد مهارت‌های خود، روی آثار هایدن مطالعه می‌کرد که بسیار از آن استقبال می‌کرد. اما تکامل خلاقانه موتزارت بسیار سریعتر از تکامل هایدن بود که بهترین آثارش (سمفونی های لندن، کوارتت های آخر، اواتوریوها) پس از مرگ موتزارت نوشته شد. با این وجود، سه سمفونی آخر موتزارت (1788)، و برخی از سمفونی‌های قبلی و آثار مجلسی او، از نظر تاریخی، مرحله‌ای بالغ‌تر از سازگرایی اروپایی را حتی از آخرین آثار هایدن نشان می‌دهند.

لودویگ ون بتهوون (1770 - 1827)موارد زیر مربوط به کار لودویگ ون بتهوون است نقطه عطفتکامل سبکی گروه موسیقی مجلسی - ساز روشنگری. در سال 1787 هنگام اقامت در وین از موتزارت دیدن کرد و او را مجذوب هنر خود کرد. پس از انتقال نهایی به وین، بتهوون به عنوان آهنگساز با جی. هایدن پیشرفت کرد. کنسرت های بتهوون جوان در وین، پراگ، برلین، درسدن و بودا با موفقیت زیادی برگزار شد. بتهوون به عنوان یک نوازنده و آهنگساز به رسمیت شناخته می شود. در آغاز قرن هجدهم، او نویسنده بسیاری از آثار، برای پیانوفورت و آهنگ های مختلف مجلسی-ساز بود.

نماینده مکتب کلاسیک وین. این آهنگساز در تمام ژانرهایی که در زمان خود وجود داشت، از جمله اپرا، باله، موسیقی برای اجراهای دراماتیک، ساخته های کرال نوشت. اما مهمترین آثار او در میراث او عبارتند از: سونات های پیانو، ویولن و ویولن سل، کنسرتوهای پیانو، کنسرتوهای ویولن، کوارتت ها، اورتور، سمفونی ها.

بتهوون به پیروی از هایدن و موتسارت، فرم های موسیقی کلاسیک را توسعه داد و در تفسیر قسمت های اصلی و جانبی، اصل تضاد را به عنوان بیان وحدت اضداد مطرح کرد. بتهوون صاحب ویولن و ویولا بود. یکی از ساخته‌های اولیه او، تغییرات ویولن در ازدواج فیگارو، یک نوکتور برای ویولا و پیانو است. کنسرتو ویولن اثر ال. بتهوون اوج کنسرتو ویولن در فرهنگ موسیقی جهان است. برای تارهای آرشه ای، بتهوون یک کنسرتو سه گانه برای ویولن، ویولن سل و پیانو با ارکستر، دو رمان عاشقانه برای ویولن، ده سونات ویولن (پنجم - "بهار"، نهم - "کروتزر")، پنج سونات برای ویولن سل و پیانو، واریاسیون برای ویولن سل خلق کرد. و پیانو (با مضامین هندل و موتزارت)، شانزده کوارتت، مجموعه ای از تریو برای ویولن، ویولن سل و پیانو. غیرممکن است که موسیقی سمفونیک ال. بتهوون را به یاد نیاوریم: نه سمفونی، اورتور سمفونیک "کوریولانوس" و "اگمونت" که محکم وارد رپرتوار موسیقی ارکستر شده اند.

کار دستگاهی و بالاتر از همه سمفونیک لودویگ ون بتهوون دارای شخصیت برنامه ای برجسته است. محتوای اصلی آثار قهرمانانه بتهوون را می توان اینگونه بیان کرد: «از طریق مبارزه تا پیروزی». مبارزه دیالکتیکی تضادهای زندگی در بتهوون هنری درخشان می یابد

تجسم، به ویژه در آثار فرم سونات - سمفونی، اورتور، سونات، کوارتت و غیره. لودویگ ون بتهوون اصل سونات را به طور گسترده بر اساس مخالفت و توسعه مضامین متضاد و همچنین عناصر متضاد درون مضامین فردی توسعه داد. در مقایسه با آثار پیشینیان بلافصل بتهوون در مکتب کلاسیک وین - W. A. ​​Mozart و J. Haydn - سمفونی های بتهوونو سونات ها با مقیاس بزرگ ساخت متمایز می شوند ، مواد موضوعی اصلی در معرض توسعه گسترده گسترده قرار می گیرد ، ارتباط بین بخش های فرم عمیق تر می شود ، تضاد بین قسمت های متضاد و مضامین تشدید می شود. بتهوون از ترکیب ارکستری مورد تایید هایدن استفاده کرد و فقط کمی آن را گسترش داد، اما در همان زمان به قدرت عظیم صدای ارکستر، تضادهای روشن دست یافت. لودویگ ون بتهوون مینوئت قدیمی را که بخشی از سمفونی ها و سونات ها بود، به یک اسکرزو تبدیل کرد و به این "لطیفه" گستره بیانی گسترده ای داد - از سرگرمی درخشان درخشان (در سمفونی سوم) تا بیان اضطراب و اضطراب (در سمفونی پنجم). نقش ویژه ای به فینال ها در سمفونی ها و کدها (نتیجه گیری) در اورتور، سمفونی و سونات اختصاص داده شده است. آنها برای بیان احساسات پیروزمندانه هستند.

آثار بتهوون یکی از قله های تاریخ هنر جهان است. تمام زندگی و کار او از شخصیت غول پیکر آهنگساز صحبت می کند که نبوغ را ترکیب می کند استعداد موسیقیبا خلق و خوی سرکش و سرکش، دارای اراده ای خم نشدنی و توانایی تمرکز درونی عالی. ایدئولوژی بالا، مبتنی بر آگاهی از وظیفه عمومی، مشخصه بتهوون بود - یک شهروند موسیقیدان. بتهوون که معاصر انقلاب فرانسه بود، جنبش‌های بزرگ مردمی این دوره، مترقی‌ترین ایده‌های آن را در آثار خود منعکس کرد. دوران انقلاب تعیین کننده محتوا و جهت نوآورانهموسیقی از بتهوون قهرمانی انقلابی در یکی از تصاویر هنری اصلی بتهوون - یک شخصیت قهرمان مبارز، رنج کشیده و در نهایت پیروز منعکس شد.

او که یک مبتکر واقعی، یک مبارز سرسخت بود، مفاهیم ایدئولوژیک جسورانه را در موسیقی شگفت‌انگیز ساده و واضح، تجسم بخشید. حلقه های گستردهشنوندگان دوره ها و نسل ها تغییر می کنند، اما موسیقی جاودانه بتهوون هنوز هم قلب مردم را هیجان زده و خوشحال می کند.

"درس های موسیقی" شماره 16. موتزارت. خلاقیت مجلسی-ابزاری.

سلام. ما دوباره شماره بعدی برنامه درس موسیقی را به کار ولفگانگ آمادئوس موتزارت، نماینده مکتب کلاسیک وین قرن 18 اختصاص می دهیم که بالاترین بیان خود را در چهره او یافت. عصر روشنگری المپ خود را پیدا کرد توسعه موسیقیدر خلاقیت کلاسیک وینی- هایدن، موتزارت، گلوک. موسیقی کلاسیک های وینی با ویژگی های زیبایی شناختی و اخلاقی مشترک با هنر باستان مرتبط است: عمق و سرزندگی ایده ها، تعالی و تعادل تصاویر، هماهنگی و وضوح فرم، طبیعی بودن و سادگی بیان. ایدئولوگ های عصر روشنگری، هماهنگی و زیبایی هنر هلاس را می دیدند نمایش هنریدنیای آزاد و هماهنگ انسانی موتزارت - دایره المعارف موسیقیروشنگری، که در تطبیق پذیری آن قابل توجه است. برای من زندگی کوتاه(36 سال ناقص) بیش از 600 اثر خلق کرد.

کاتالوگ موضوعی آثار موتزارت که توسط کوچل گردآوری شده است (در سال 1862 در لایپزیک منتشر شد) در 550 صفحه است. موتزارت بر اساس محاسبات کوچل، 68 اثر معنوی (توده‌ها، اواتوریوها، سرودها و غیره)، 23 اثر برای تئاتر، 22 سونات برای هارپسیکورد، 45 سونات و تغییرات برای ویولن و هارپسیکورد، 32 کوارتت زهی، حدود 50 سیمپ نوشت. کنسرتو و غیره، در مجموع 626 اثر.

پوشکین کار موتزارت را در تراژدی کوچک «موتسارت و سالیری» به اختصار و دقیق توصیف کرد: «چه عمقی! چه شجاعت و چه هماهنگی!

امروز ما بیشتر به کارهای مجلسی و دستگاهی آهنگساز خواهیم پرداخت و بخش موسیقی ما از برنامه با قطعه ای از محبوب ترین "سرناد شب کوچولو" با اجرای پنج نفره Arabesque آغاز می شود.

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxh

زمان زندگی موتسارت مصادف بود با بیداری در اروپا که علاقه زیادی به آموزه های معنوی و عرفانی داشت. در دوره نسبتاً آرام اواسط قرن هجدهم، همراه با میل به روشنگری، جستجوی نظم فکری و اجتماعی-آموزشی (روشنگری فرانسوی، دایره المعارفان)، علاقه به آموزه های باطنی دوران باستان وجود داشت.

در 14 دسامبر 1784، موتزارت وارد نظم ماسونی شد و تا سال 1785 او قبلاً به درجه استاد میسون راه یافت. همین اتفاق در آینده در مورد جوزف هایدن و لئوپولد موتسارت (پدر آهنگساز) رخ داد که در 16 روز از تاریخ ورود به لژ به درجه استادی رسید.

چندین نسخه از پیوستن موتزارت به برادری ماسونی وجود دارد. به گفته یکی از آنها، امانوئل شیکاندر، دوست و خواننده آینده او فلوت جادویی، ضامن پذیرش در لژ وین به نام "به نام خیریه" بود. بعداً به توصیه خود موتزارت، پدر ولفگانگ، لئوپولد موتزارت، در همان لژ (در سال 1787) پذیرفته شد.

موتزارت پس از تبدیل شدن به یک استاد میسون، در مدت کوتاهی آهنگ های زیادی را که مستقیماً برای کار در جعبه طراحی شده بود، ساخت. همانطور که آلبرت انیشتین اشاره می کند:

موتزارت یک فراماسون پرشور و متقاعد بود، اصلا شبیه هایدن نبود، که با وجود اینکه در لیست او قرار گرفت، اما از لحظه ای که به عضویت برادری «ماسون های آزاد» پذیرفته شد، هرگز در فعالیت های لژ شرکت نکرد و شرکت نکرد. یک اثر ماسونی بنویس موتزارت نه تنها تعدادی آثار مهم را برای ما به جا گذاشت که به طور خاص برای مراسم و جشن های ماسونی نوشته شده است - تفکر فراماسونری در آثار او نفوذ می کند.

موسیقی شناسان به ویژگی های بارز این آثار اشاره می کنند: "یک انبار ساده، تا حدودی سرود، سه صدای وتر، شخصیت کلی تا حدودی بلاغی."

در میان آنها آثاری مانند: "موسیقی ماسونی تشییع جنازه"، آداجیو برای گروهی از سازهای بادی (که برای همراهی مراسم آیینی ماسونی استفاده می شود) وجود دارد. Adagio برای 2 کلارینت و 3 شاخ (برای ورود به برادران لژ)؛ Adagio و Rondo برای فلوت، ابوا، ویولن سل و سلستا و دیگران.

اپرای فلوت جادویی (1791)، لیبرتو که توسط فراماسونر امانوئل شیکاندر نوشته شده است، بیش از همه از دیدگاه ها، ایده ها و نمادهای فراماسونری اشباع شده است.

در نمادگرایی اپرا، بیانیه ای از اصول اساسی ماسونی به وضوح دنبال می شود. در هر دو قسمت اول و دوم اپرا پژواک های واضحی با نمادهای ماسونی وجود دارد که نشان دهنده زندگی و مرگ، فکر و عمل است. صحنه های دسته جمعی در طرح بافته شده است که به معنای واقعی کلمه تشریفات ماسونی را نشان می دهد.

به گفته موسیقی شناس تامار نیکولائونا لیوانوا، دکترای تاریخ هنر، استاد کنسرواتوار مسکو و موسسه گنسین،

موتزارت حتی اپیزودهای مرتبط با تصویر ساراسترو را به آن نزدیکتر کرد سبک موسیقیآهنگ ها و گروه های کر ماسونی آنها. در تمام فانتزی فلوت جادویی ندیدن، اول از همه، موعظه ماسونی به معنای عدم درک تنوع هنر موتزارت، صداقت مستقیم آن، شوخ طبعی آن است که با هر تعلیم و تربیتی بیگانه است.

کلید اصلی اورتور ارکستر، کلید ماژور E-flat است. سه تخت در کلید نماد فضیلت، اشراف و صلح است. این تنالیته اغلب توسط موتزارت در آهنگ‌های ماسونی و در سمفونی‌های بعدی و در موسیقی مجلسی که امروز در مورد آن صحبت می‌کنیم استفاده می‌شد.

اما، انصافا، توجه می کنیم که دیدگاه های دیگری نیز در مورد رابطه بین موتزارت و فراماسونری وجود دارد. در سال 1861 کتابی توسط شاعر آلمانی G. F. Daumer که از طرفداران تئوری توطئه ماسونی بود منتشر شد که معتقد بود تصویر ماسون ها در فلوت جادویی"به سادگی یک کاریکاتور است.

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxh

لئونارد برنشتاین، پیانیست و رهبر ارکستر آمریکایی، نیازی به معرفی ندارد. (به هر حال، والدین او بومی شهر رونو اوکراین هستند.) برنشتاین تنها رهبر ارکستری است که دو بار یک چرخه کامل از سمفونی‌های گوستاو مالر، یک چرخه کامل از سمفونی‌های چایکوفسکی، ضبط‌های هایدن و موتزارت او بسیار ارزشمند است. . کنسرتو پیانو شماره 17 در صداهای G ماژور، سولیست و رهبر ارکستر - لئونارد برنشتاین.

×××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××

پرو موتزارت دارای تعداد زیادی اثر در تمام ژانرهای موسیقی دستگاهی است. سمفونی ها، سرنادها، دیورتیسم ها، دوئت های زهی، سه گانه، کوارتت ها، کوئنتت ها، تریوهای پیانو، گروه هایی با سازهای بادی، سونات های ویولن و پیانو، فانتزی ها، واریاسیون ها، روندوها، آثار برای پیانو در 4 دست و دو پیانو، کنسرتو با همراهی ارکستر برای سازهای مختلف (پیانو، ویولن، فلوت، کلارینت، هورن، فلوت و چنگ).

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxh

قطعه ای از یکی از این کنسرت ها توسط پاتریک گالویس نوازنده فلوت و پیر فابریس نوازنده چنگ اجرا می شود. رهبر ارکستر سر نویل مارینر، ویولن و رهبر ارکستر انگلیسی. سرنوشت شگفت انگیز این نوازنده 88 ساله. او با لندن اجرا کرد ارکستر فیلارمونیک، کار با توسکانینی، کاراجان، رهبری ارکسترهای لس آنجلس، مینه سوتا، رادیو استودگار، در سال 1985 به عنوان شوالیه شناخته شد. و چند کلمه در مورد ارکستر - Oquestrdella Sviceria Italiano (ارکستر ایتالیایی سوئیس). این تیم در سال 1933 در شهر لوگانو سوئیس تاسیس شد. پیترو ماسکانی، آرتور اونگر، پل هیندمیت، ریچارد اشتراوس، ایگور استراوینسکی و بسیاری دیگر از نوازندگان برجسته به عنوان رهبر ارکستر با او اجرا کردند. بنابراین، صدای موتسارت، کنسرتو برای فلوت و چنگ.

×××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××

و اکنون ما به واتیکان منتقل خواهیم شد ، به سالن "Aula Paolo-6th" که در فاصله ای نه چندان دور از St. پیتر، برای جشن هشتادمین سالگرد تولد پاپ بندیکت شانزدهم. اما ابتدا شما را با سولیست آشنا می کنم. این هیلاری هان است که می گویند به ندرت می توان چنین ویولن نوازی دقیق و تایید شده ریاضی را شنید. بازی آغشته به احساسات مهار شده که ساز را کاملاً تحت سلطه خود در می آورد. این بزرگترین مهارت در شکل خالص! این یک استعداد نادر است! هیلاری که در سال 1979 در ویرجینیا به دنیا آمد، یک ماه قبل از چهارمین سالگرد تولدش، نواختن ویولن را آغاز کرد. او در فیلادلفیا نزد خود یاشا برادسکی تحصیل کرد. در سن 12 سالگی، اولین حضور خود را با ارکستر بالتیمور انجام داد. برنده دو بار جایزه گرمی. هیلاری هان با ارکستر سمفونیک رادیو اشتوتگارت می نوازد. گوستاوو آدولفو دودامل رامیرز، رهبر ارکستر ونزوئلا در جایگاه رهبر ارکستر. او در سال 1981 متولد شد و حرفه ای سرگیجه آور انجام داد.

××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××××

کنسرتو ویولن شماره 17 در صداهای G ماژور، ضبط در 16 آوریل 2007 در واتیکان انجام شد.

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxh

تورگنیف گفت: «آهنگ موتزارت برای من کاملاً طبیعی جریان دارد، مانند یک جویبار یا چشمه زیبا».

یکی دیگر از نویسندگان مشهور جهان، استاندال، در پروژه سنگ نگاره خود، درخواست کرد که این عبارت روی سنگ قبر او قرار گیرد: "این روح موتزارت، سیماروسا و شکسپیر را می پرستید."

به این ترتیب شماره بعدی «درس های موسیقی» به پایان می رسد دنده بعدیدیدار مجدد موسیقی دلرباموتزارت به زودی میبینمت!

بیایید نگاهی به ویژگی ها بیندازیم کارهای فردی. برای وضوح، این 24 ترکیب را با توجه به ترکیباتی که در آنها استفاده شده است، در نظر خواهیم گرفت. همانطور که اشاره شد، پیانو در شانزده نقش دارد. اما اول، در مورد گروه های زهی.
در مجموع هفت نفر از آنها وجود دارد - سه رباعی، دو پنجگانه، دو سکست \ این تصنیف ها، از نظر امکانات رنگارنگ متفاوت، آهنگساز را در دوره های مختلف خلاقیت به خود جذب کردند: در سال های 1859-1865 سکست ها نوشته شدند، در 1873-1875 - کوارتت ها، در 1882-1890 - پنج نفر. محتوای ساخته‌های اولیه و متأخر - سکست‌ها و پنج‌تایی‌ها - ساده‌تر است، به تنوع‌های قدیمی قرن هجدهم یا سرنادهای ارکستری خود برامس نزدیک‌تر است، در حالی که موسیقی کوارتت‌ها عمیق‌تر و ذهنی‌تر است.
Sextets (برای دو ویولن، دو ویولا، دو ویولن سل) B-dur، op. 18 and G-dur, op. 36 ملودیک، واضح و ساده در ترکیب هستند. این‌ها نمونه‌های اولیه موسیقی برامس از نوع محبوب هستند (علاوه بر سرنادهای فوق الذکر، Waltzes op. 39، رقص‌های مجارستانی و غیره را ببینید). مطالعه آثار کلاسیک وینی - هایدن، بتهوون، شوبرت - بر کار اول تأثیر گذاشت. دومی تا حدودی با کار ضد و نقیض وزن دارد. اما هر دوی آنها پذیرفتن شاد و روشن زندگی را تأیید می کنند.
سایر جنبه های واقعیت در کوارتت های زهی نمایش داده می شوند.
برامس یک بار در گفتگویی اعتراف کرد که قبل از آغاز دهه 70 حدود بیست اثر برای کوارتت زهی نوشت، اما آنها را منتشر نکرد و دست نوشته ها را از بین برد. از دو مورد بازمانده - c-moll و a-moll - به صورت اصلاح شده تحت عنوان op. 51 در 1873; سه سال بعد کوارتت سوم در B-dur، op. 67.
ایده اولین مورد از این ترکیبات به اواسط دهه 50، به دوره بی ثباتی معنوی، تجارب طوفانی برامس برمی گردد. رقت بار، خلق و خوی ناآرام در تمام قسمت های کوارتت نفوذ کرد - بسیار جمع آوری شده، به طور خلاصه بیان شد. رنگ های تیره در اینجا غالب است. این موسیقی مربوط به سمفونی موتزارت در جی مول است. همچنین تصویر ورتر گوته با درام یک رویای شکسته را به یاد می‌آورم. رنگ‌آمیزی مالیخولیایی نیز مشخصه کوارتت دوم است، اما تن‌های آن روشن‌تر است. در فینال و قبل از آن در تعدادی از قسمت های دیگر، احساسات شادی فوران می کند. رباعی سوم از نظر هنری ضعیف تر از رباعی های قبلی است، اما شامل اپیزودهای بیانی زیادی به خصوص در قسمت های میانی است.
دو پنج نفر - F-dur، op. 88 and G-dur, op. 111 - نوشته شده برای یک ترکیب همگن - دو ویولن، دو ویولا و یک ویولن سل. برتری صدای آلتوتنور غنی به بیان احساسات گرم و صمیمانه، و متمایز بودن و مختصر بودن ارائه - به دسترسی عمومی آنها کمک می کند. یک شخصیت آهنگین و شجاع در کوئینتت اول ذاتی است. سهولت شادی بخش در روح I. Strauss - به دوم. موسیقی موومان اول آن و سه نفر در موومان سوم نور درخشانی می تاباند، در حالی که در دومی لحظاتی از نوحه پرشور است. با تمام فوریت بیشتر، شادی وحشیانه پایان شکوفا می شود، به خصوص در جایی که آهنگ ها و ریتم های czardas مجارستانی به صدا در می آیند.
پنج گانه دوم متعلق به بهترین ساخته های مجلسی برامس است.
سونات ها دارای محتوای متنوعی هستند - دو تا برای ویولن سل (1865 و 1886) و سه سونات برای ویولن و پیانو (1879، 1886 و 1888).
از مرثیه پرشور موومان اول تا غم‌انگیز، وینی در نوبت موومان دوم و فینال فوگ با انرژی قاطعانه‌اش - دایره‌ای از تصاویر اولین سوناتای ویولنسل، اوپ. 38. سونات دوم در F-dur، op. 99; همه اینها با کشمکش های حاد، انگیزه های روحی آشفته آغشته است. و اگر این اثر از نظر یکپارچگی کمتر از اثر قبلی باشد، باز هم در عمق احساسات و درام از آن پیشی می‌گیرد.
سونات های ویولن می توانند به عنوان شواهدی زنده از تخیل خلاقانه پایان ناپذیر برامس خدمت کنند - هر یک از آنها منحصر به فرد هستند.
اولین سونات در G-dur، op. 78 با شعر و حرکت گسترده و روان و روان جذب می کند; همچنین لحظات منظره ای مانند خورشید بهاری دارد که از میان ابرهای بارانی غم انگیز می شکند. سونات دوم A-dur, op. 100، سرود، شاد، موجز و جمع آوری شده. به طور غیرمنتظره ای تاثیر گریگ در قسمت دوم آشکار می شود. به طور کلی، یک "شخصیت" خاص - عدم پیشرفت عالی، درام - آن را از سایر آثار مجلسی برامس متمایز می کند. تفاوت‌ها با سومین سونات در d-moll، op. 108. این یکی از دراماتیک ترین و متضادترین آثار آهنگساز است که در آن تصاویر سرکش-عاشقانه سونات سلوی دوم با کمال بسیار عالی توسعه یافته است.
بخش اول در این زمینه بیانگر است. با وجود تضاد محتوا، بخش‌های اصلی و فرعی آن به هم نزدیک هستند. مضمون دوم، انگیزه های اصلی اولی را معکوس می کند، اما در نسبت های مختلف مدت زمان.

هر دو مضمون به طور عصبی هیجان زده هستند، که بیشتر منجر به یک توسعه شدید دراماتیک می شود، به ویژه در قسمت یک نقطه اندام پایدار طولانی در ناحیه غالب (46 معیار). تنش با یک تکرار کاذب (انحراف در fis-moll، سپس D-dur) تقویت می شود. تنها پس از انفجار شدید احساسات، ظاهر اصلی حزب اصلی ظاهر می شود. یک سکته بیانی در کودا یک پاکسازی عمده بعد از نقطه اندام نهایی روی تونیک (22 بار) است.
اگر موسیقی قسمت دوم، جایی که تم اصلی، که در سخاوت آهنگینش شگفت انگیز است، با تمی دیگر پرشورتر تکمیل می شود، سرشار از گرما و انسانیت است، در قسمت بعدی تصاویری از چشم اندازهای وحشتناک غالب می شود. مانند یک فکر غم انگیز، مانند یادآوری نوعی کابوس، انگیزه کوتاه غالب به نظر می رسد.
در پایان، شروع اعتراضی خشونت آمیز با همان قدرت از بین می رود. در حرکت موزون تارانتلا، تصاویری از یک ادعای غرور آفرین یا یک سقوط بی بند و بار به وجود می آید - اینگونه است که یک فضای مؤثر مبارزه ایجاد می شود. این پایان را می توان در زمره بهترین صفحات قهرمانانه-دراماتیک موسیقی برامس قرار داد (مقایسه کنید با سمفونی سوم).
محتوای سه تریو پیانو کمتر یکنواخت است.
سه نفر اول H-dur، op. 8 توسط یک نویسنده 20 ساله نوشته شده است. با طراوت جوانی اختراع، هیجان عاشقانه اسیر می شود. اما، همانطور که در مراحل اولیه کار برامس بود، مقایسه‌های مجازی همیشه متناسب نیستند. آهنگساز در نسخه بعدی (1890) که حدود یک سوم موسیقی قطع شد، نتوانست این نقص را به طور کامل برطرف کند. سه گانه دوم C-dur, op. 87 (1880-1882) فاقد این بی‌واسطگی عاطفی است، اگرچه از نظر شکل کامل‌تر است. اما سه نفر سوم در c-moll، op. 101 (1886) در سطح بهترین آثار مجلسی برامس است. قدرت مردانه، شادابی و خونسردی موسیقی این سه نفر تأثیری فراموش نشدنی بر جای می گذارد. موومان اول با قدرت حماسی آغشته شده است، جایی که سرعت یکنواخت موضوع قسمت اصلی با ملودی سرود الهام گرفته از طرف تکمیل می شود.
دانه اولیه آهنگ های آنها منطبق است. این گردش مالی به توسعه بیشتر نفوذ می کند. تصاویر اسکرزو، کل انبار عجیب و غریب آن، در تضاد با موومان سوم است، که در آن ملودی ساده و هیجان انگیزی غالب است. روح عامیانه. فینال چرخه را با عزت کامل می کند و اراده خلاق انسان و بهره برداری های جسورانه او را تجلیل می کند.
برامس در طرحی متفاوت و غیر پیچیده، شادی زندگی را در Tr and o Es-dur، op. 40، که از یک ترکیب غیر معمول استفاده می کند - یک بوق طبیعی (می تواند با یک ویولن سل جایگزین شود)، ویولن و پیانو. این اثر که در اواسط دهه 60 خلق شده است، با این حال، با برداشتی جوان و تازه و احساسی باز از زندگی مجذوب می شود. موسیقی آزادانه و به راحتی توسعه می یابد. کسالت مالیخولیایی و سرمستی پرشور طبیعت در آن شنیده می شود. همچنین تصاویر شادی از شکار جنگل وجود دارد. شاید در هیچ اثر دیگری روح پاک و پرشور رمانتیسیسم برامس تا این حد آشکار نشده باشد!
سه کوارتت پیانو که در اواخر دهه 1950 و 1960 شکل گرفت، مربوط به دوره ای حتی زودتر است. دو مورد اول g مینور هستند، op. 25 and A-dur, op. 26 در همان زمان تکمیل شد. در این آثار دو راه حل فیگوراتیو متفاوت ارائه شده است. کوارتت اول، مانند سه گانه اول، با فراوانی سخاوتمندانه مضامین، تغییر عاشقانه تصاویر، و دامنه وسیع متمایز می شود. سایه های مختلف حالات روانی: ترسناک، بدون تراژدی، احساس اضطراب مبهم یا شادی آرام - با استفاده از نقوش مجارستانی-کولی. کوارتت دوم، که تأثیر شدیدی از کلاسیک‌های وینی دارد، از نظر محتوا تضاد کمتری دارد - رنگ روشن و شاد در آن حاکم است. کوارتت سوم در c-moll، op. 60 (در همان زمان تصور شد، تنها در سال 1874 تکمیل شد)، اما ساختار آن متفاوت است، نزدیک به کوارتت زهی اول. دوباره، همانطور که در آنجا، تصویر ورتر غم انگیز بدبخت، که خود را محکوم به مرگ کرد، یادآوری می شود. اما انگیزه های ناامیدی در اینجا با شور و شوق بیشتری منتقل می شود.
بیان کامل دوره Sturm und Drang در بیوگرافی خلاقانهبرامس کوئینتت پیانو را به صورت فا مینور، op. 34. این اثر نه تنها در این دوره، بلکه شاید در کل میراث مجلسی-ساز آهنگساز بهترین است. V. Stasov به درستی این پنج نفر را "واقعاً درخشان" نامید * با توجه به "قدرت غم انگیز و عصبی" موومان اول و "قدرت بی نظیر" ، "عظمت" اسکرو.
برامس در سال 1861 به این آهنگ روی آورد و آن را برای یک آهنگسازی زهی تصور کرد. اما قدرت و کنتراست تصاویر، امکان تارها را مسدود کرد. سپس نسخه ای برای دو پیانو نوشته شد، اما آهنگساز را راضی نکرد. فقط در سال 1864 فرم لازم پیدا شد، جایی که کوارتت زهی توسط پیانو K پشتیبانی می شد.
موسیقی این پنج نفر به یک تراژدی واقعی می رسد. هر بخش مملو از تصاویری از کنش، انگیزه های مزاحم و اضطراب پرشور، مردانگی و اراده تسلیم ناپذیر است. یک درام معنوی مهیج با قدرت زیادی در بخش اول منتقل می شود، که مضامین مختلف آن با کارهای ظریف متضاد و متنوع، پیوندهای انگیزشی انعطاف پذیری که انتقال از یک حالت به حالت دیگر را آماده می کند، متحد می شود (نگاه کنید به مثال های 39a - e).

بخش دوم با دایره ای از آن تصاویر مشخص می شود که احساساتی از درد معنوی پنهان، امید ترسو، معمولی برامس را بیان می کند. ریتم نوسانی لالایی با عناصر زمینی ترکیب می شود. لحظات ترسیم شده تعمیم ژانر در اسکرزو تقویت شده است که به شیوه بتهوون تضادها را تشدید می کند. این سه نفر بر ماهیت راهپیمایی تأکید می کند، که صدایی حماسی به دست می آورد - ایده راهپیمایی های عامیانه متولد می شود (ر.ک. با پایان سمفونی اول). بخش چهارم عمل را به یک موقعیت درگیری جدید منتقل می کند، اما نتیجه آن را نشان نمی دهد. پژواک های موضوعی هم با موومان اول و هم با مضمون «گریزانه» اسکرزو وجود دارد. فینال این پنج نفر از مبارزه ای بی پایان برای خوشبختی، پر از درام و تضادهای شدید صحبت می کند.
تا پایان عمر، برامس به همان موضوع بازگشت و هر بار آن را به گونه‌ای متفاوت حل می‌کرد، در سومین سونات ویولن و در سومین پیانو تریو. اما در چهار ترکیب مجلسی آخر (1891-1894) مضامین و تصاویر دیگری مجسم شده است.

این قطعات مربوط به کلارینت است!. نه تنها آشنایی با یک نوازنده فوق‌العاده در این ساز (Muhlfeld از ارکستر Meyingen)، بلکه همان تن صدای کلارینت - لحن پلاستیکی، پرصدا و در عین حال روح‌انگیز آن - برامس را به خود جلب کرد.
تریو برای کلارینت، ویولن و پیانو a-moll کمتر موفق است. 114. با وجود برخی صفحات گویا، عقلانیت ترکیب در آن بر الهام غلبه دارد. این دو عامل در اثر زیر با هم تناسب کامل دارند - کوئنتت برای کلارینت و کوارتت زهی در h-moll، op. 115 \ مضمون آن وداع با زندگی است، اما در عین حال لذت وجود، مهار شده درد دل. مضامین مشابه برامس را هم در کوارتت زهی اول و هم در کوارتت سوم پیانو برانگیخت. اما در آنجا قطعنامه آنها یک لحن شدید عصبی و فشرده به خود گرفت. در اینجا، در تمام نقاط چرخه، با خلق و خوی یکنواخت، نوری یکنواخت ماتم زده می ریزد، گویی از غروب ملایم خورشید تابش می کند. وحدت خلق و خوی نیز با بازگشت مداوم انگیزه اصلی تعدیل شده کار پشتیبانی می شود.در کل، موسیقی او در سادگی عاقلانه خود قابل توجه است: آهنگساز با ابزارهای خسیس به حداکثر رسا می رسد.
دو سونات برای کلارینت و پیانو - f-moll و Es-dur - op. 120 برامس با ژانر مجلسی- ساز خداحافظی کرد. اولی دراماتیک است، با ویژگی های وسعت حماسی، دومی غنایی تر است، در ماهیت مرثیه ای پرشور. دو سال پس از پایان این سونات ها، در سال 1896، برامس دو اثر دیگر، آخرین اثر خود، اما در ژانرهای دیگر را خلق کرد: "چهار ملودی سخت" برای باس و پیانو و "11 پیش درآمد کرال برای ارگ" (منتشر شده پس از مرگ).

MBU DO "مدرسه هنر کودکان منطقه سیمفروپل"

شعبه کلچوگینو

گزارش

با موضوع: "ژانر موسیقی دستگاهی مجلسی در آثار آهنگسازان کلاسیک»

اجرا توسط: همراه

فیرسوا ناتالیا الکساندرونا

2015

ژانر موسیقی مجلسی – دستگاهی در آثار آهنگسازان کلاسیک

موسیقی دستگاهی مجلسی همواره موضوعی ظریف بوده است که با حساسیت به همه پدیده‌های دوران معاصر خود پاسخ می‌دهد: انقلاب‌ها (اجتماعی و فرهنگی)، رویدادهای سیاسی اجتماعی جهانی، پیشرفت‌های علمی و فناوری، ظهور گرایش‌ها و گرایش‌های جدید در زمینه‌های مختلف هنر قرن بیست و یکم نیز از این قاعده مستثنی نبود. در این مرحله، یکی از گرایش های اصلی در موسیقی دستگاهی مجلسی مدرن سنتز است، به معنای وسیع کلمه: سنتز هنرها، سنتز ژانرها و جهت های مختلف موسیقی - یعنی سنتز به معنای دیالوگ گرایی و انعطاف پذیری موزیکال

فضا.

با توجه به خاص بودن آن به عنوان یک ژانر موسیقی، که قبل از هر چیز برای دنیای درونی شنونده و آهنگساز جذاب است، این حوزه ژانری بود که توانست تقریباً گسترده ترین طیف مفاهیم فلسفی و زیبایی شناختی گذشته و گذشته را در خود جای دهد. دوران جدید و مدرن، و این امکان را به وجود آورد که پیوند هنر موسیقی با روانشناسی را با همه پیچیدگی ها، تنوع ها و در برخی موارد ابهام آن عمیق تر کند و شنونده، خبره، اجراکننده آن را بیابد.

ریشه موسیقی مجلسی به قرون وسطی باز می گردد. اصطلاح "موسیقی مجلسی" مورد تایید استشانزدهم- XVIIقرن ها، و برای اولین بار این اصطلاح در سال 1635 در مجموعه آهنگساز ایتالیایی Gio Arrigoni ظاهر شد. تمایز بین موسیقی کلیسا و مجلسی در آن مشخص شد ژانرهای آوازیدر اواسط قرن شانزدهم. اولین نمونه های شناخته شده موسیقی مجلسی "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555)، در ونیز، G. Arrigoni آواز Concertidacamera را منتشر کرد. قرن هفدهم، نام "موسیقی مجلسی" به موسیقی دستگاهی تعمیم داده شد. در ابتدا، موسیقی کلیسایی و دستگاهی مجلسی از نظر سبک تفاوتی نداشتند: تفاوت های سبکی بین آنها تنها در قرن 18 آشکار شد. I. I. Kvanz در سال 1752 نوشت که موسیقی مجلسی نیازمند " تجدید حیات و آزادی فکر بیشتر از سبک کلیسا است." بالاترین فرم ساز، سونات چرخه ای (سوناتاداکامرا) بود که بر اساس مجموعه رقص شکل گرفت. رایج ترین آن در قرن هفدهم سونات سه گانه با انواع آن بود - کلیسا و سونات های مجلسی، تا حدودی کوچکتر - سونات انفرادی (بدون همراه یا با همراهی bassocontinuo). طرح های کلاسیکسونات‌های سه‌گانه و سونات‌های سولو (با bassocontinuo) توسط A. Corelli ساخته شده‌اند. در آستانه قرن XVII-XVIII. ژانر کنسرتوگرسو در ابتدا به انواع کلیسا و مجلسی تقسیم شد. به عنوان مثال، در A. Corelli، این تقسیم بندی بسیار واضح انجام شده است - از 12 کنسرتیگروسی (op. 7) که او ایجاد کرد، 6 به سبک کلیسا و 6 به سبک مجلسی نوشته شده است. آنها از نظر محتوا شبیه به سونات داچیسا و داکامرا هستند. تا اواسط قرن هجدهم. تقسیم بندی به ژانرهای کلیسایی و مجلسی به تدریج اهمیت خود را از دست می دهد، اما تفاوت بین موسیقی مجلسی و کنسرت (ارکسترال و کر) بیشتر و بیشتر آشکار می شود.

در اواسط قرن هجدهم. در آثار جی. هایدن، کی. دیترزدورف، ال. بوکرینی، دبلیو. آ. موتسارت شکل گرفت. نماهای کلاسیکگروه ساز - سونات، سه گانه، کوارتت و غیره.

گروه سازها (به ویژه کوارتت کمان) با داشتن امکانات بیانی غنی ، توجه تقریباً همه آهنگسازان را به خود جلب کرد و به نوعی "شاخه مجلسی" ژانر سمفونیک تبدیل شد. بنابراین ، این گروه منعکس کننده تمام جهت های اصلی هنر موسیقی قرن 17-20 بود. - از کلاسیسم (J. Haydn، L. Boccherini، W. A. ​​Mozart، L. van Beethoven) و رمانتیسیسم (F. Schubert، F. Mendelssohn، R. Schumann، و غیره) تا جنبش‌های انتزاعی فرامدرنیستی. در نیمه دوم قرن نوزدهم. نمونه های برجستهموسیقی مجلسی دستگاهی توسط I. Brahms، A. Dvorak، B. Smetana، E. Grieg، S. Frank در قرن بیستم ایجاد شد. - K. Debussy، M. Ravel، M. Reger، P. Hindemith، L. Janacek، B. Bartok، B. Britten و دیگران.

آهنگسازان روسی سهم بزرگی در موسیقی مجلسی و دستگاهی داشتند. در روسیه، گسترش موسیقی مجلسی در دهه 70 آغاز شد. قرن 19 اولین گروه های ساز توسط D.S. Bortnyansky نوشته شد. موسیقی مجلسی توسط A. A. Alyabyev، M. I. Glinka بیشتر توسعه یافت و به بالاترین هنر رسید. سطح در کار P.I. Tchaikovsky و A. P. Borodin: ترکیبات اتاق آنها با محتوای برجسته ملی، روانشناسی مشخص می شود. توجه بزرگ A. K. Glazunov و S. V. Rakhmaninov گروه اتاق را دادند و برای S. I. Taneyev این نوع اصلی خلاقیت شد. میراث سازهای مجلسی آهنگسازان شوروی فوق العاده غنی و متنوع است: خطوط اصلی آن عبارتند از غنایی-دراماتیک (N. Ya. Myaskovsky)، تراژیک (D. D. Shostakovich)، غنایی-حماسی (S. S. Prokofiev)، A. I. Khachaturian و ژانر عامیانه.

یادآوری این نکته بی‌ارزش نیست که موسیقی دستگاهی مجلسی مدرن سه دوره شکل‌گیری را پشت سر گذاشته است:

دوره اول از 1450 تا 1650، که با توسعه تکنیک نواختن ویول و سازهای خانواده های دیگر، جدایی تدریجی موسیقی صرفاً دستگاهی مشخص می شود، در حالی که سبک آزاد همچنان غالب است. از جمله آثار این دوره که به طور خاص برای آهنگسازی های بدون صدا به ما رسیده است، فانتزی ها و کانزون های اورلاندو گیبون (1610)، سونات های جیووانی گابریلی (1615) است.

دوره دوم از 1650 تا 1750 با گسترش ژانر سونات های سه گانه (معمولاً برای دو ویولن و یک ویولن سل با یک کلاویه که پایه هارمونیک را فراهم می کند ساخته می شود) و سایر گروه ها، اعم از ساز و صدا، که لزوما همراهی می کردند مشخص شده است. توسط به اصطلاح باس دیجیتال (آکورد) یک ساز کیبورد. از جمله استادان سه گانه - سونات های این دوره - Arcangelo Corelli، Henry Purcell، G. Handel.

دوره سوم از سال 1750 تا به امروز، تحت سلطه یک کوارتت زهی متشکل از دو ویولن، یک ویولا و یک ویولن سل.

امروزه معمولاً موسیقی مجلسی - دستگاهی توسط گروه های مجلسی با ترکیب زیر اجرا می شود:

ساز تکنواز (زه یا بادی) و پیانو؛

دوئت پیانو (دو پیانو یا پیانو چهار دست)؛

سه زهی (ویولن، ویولا و ویولن سل)؛ تریو پیانو (ویولن، ویولن سل و پیانو)؛

کوارتت زهی (دو ویولن، ویولا و ویولن سل)؛

کوارتت پیانو (ویولن، ویولا، ویولن سل و پیانو)؛

کوئنتت زهی (کوارتت زهی به علاوه ویولا و یا ویولن سل)؛

کوئنتت پیانو (کوارتت پیانو به علاوه زه) و دیگران.

در سراسر قرن هجدهم. توسعه سریعی وجود داشتفرهنگ اجرای ابزاری. توسعه موسیقی دستگاهی مجلسی در نیمه اول قرن با اجرای نوازندگان خارجی دعوت شده همراه بود که به اشراف روسی آموزش می دادند. بنابراین، ابزارگرایی در محیط نخبگان گسترش یافت. در دهه 80 - 90. اولین نمونه های موسیقی دستگاهی مجلسی روسی ظاهر می شود: نوازندگان روسی ژانرهای سونات سولو، تغییرات، گروه مجلسی را توسعه می دهند. در حوزه دستگاهی است که محتوای فکری موسیقی خود را نشان می دهد.در عصر پتر کبیر، موسیقی دستگاهی در روسیه شروع به احیاء می کند، اما در حال حاضر تحت تأثیر شدید غرب است.

ژانرهای مدرن موسیقی دستگاهی مجلسی سرانجام در آثار کلاسیک وین - جی. هایدن، دبلیو. ا. موتسارت، ال. ون بتهوون - شکل گرفت. اینها عبارتند از سونات، سه، کوارتت، کوئنتت، گروه هایی که در آنها جایگاه بزرگی به سازهای زهی داده می شود.

موسیقی دستگاهی مجلسی ویژگی های سبکی انواع دیگر را جذب کرد خلاقیت موسیقی. قبلاً ال. ون بتهوون تا حد زیادی رباعیات خود را سمفونی کرده بود و آنها را هم از نظر فرم و هم از نظر محتوا بلندپروازتر کرد. و "سونات کروتزر" معروف او برای ویولن و پیانو یک اثر واقعا سمفونیک در شدت عاطفی و به یاد ماندنی اش است. تصاویر موزیکال. در آثار آهنگسازان رمانتیک، F. Schubert، F. Mendelssohn، R. Schumann، I. Brahms، آغاز غنایی (به ویژه در ژانر مینیاتور) به شدت متجلی شد (آوازهای بدون کلام از F. Mendelssohn).

در آثار آهنگسازان روسی، ژانرهای موسیقی دستگاهی مجلسی به شیوه ای بسیار عجیب و غریب و عمیقاً ملی تفسیر می شد. عناصر آواز عامیانه روسیچند صداییبه طور ارگانیک و طبیعی در کوارتت های A. P. Borodin و A. K. Glazunov، در سه گانه و کوارتت P. I. Tchaikovsky تحقق یافت. P.I. Tchaikovsky تعداد نسبتاً کمی کار برای گروه های ساز خلق کرد: سه کوارتت زهی (بدون احتساب یکی اولیه که در طول سالهای تحصیل در هنرستان نوشته شده و شماره سریال دریافت نکرده است) که توسط نویسنده در مدت یک پنج سال ایجاد شده است. (1871-1875)، پیانو سه گانه و زهی. کوارتت دوم، که اتفاقاً از آثار مورد علاقه خود نویسنده بود، همچنین ترکیبی از ژانر عامیانه و اصول غزل شخصی است.

در دوره 1900-1917 در روسیه، موسیقی دستگاهی مورد توجه آهنگسازان روسی قرار گرفت. می توان گفت که تا به حال او چنین جایگاه قابل توجهی در کار آنها نداشته است. A. Glazunov، S. Taneyev، S. Rachmaninov، A. Skryabin، A. Lyadov، A. Arensky، S. Lyapunov، N. Medtner، ابتدا S. Prokofiev تعداد زیادی از آثار دستگاهی، محتوای چشمگیر، سبکی و تنوع ژانر. اول از همه، باید به توسعه ژانر کنسرت اشاره کرد، که برای برخی از آهنگسازان حتی شروع به "فشار دادن" سمفونی کرد ( کنسرتوهای پیانو S. Rachmaninov، S. Prokofiev). در آن زمان کنسرتوهای ویولن چندان زیاد نبود.

از نظر زمانی، فهرست آنها با کنسرت A. S. Arensky (1901) باز می شود که در این اثر سنت های P. I. Tchaikovsky را ادامه می دهد. پس از آن کنسرت های A. K. Glazunov (1904) و S. M. Lyapunov (1915) برگزار می شود. تأثیر M. A. Balakirev و A. K. Glazunov بر کار دومی تأثیر گذاشت.

از نظر زمانی، توسعه کنسرتو ویولن روسی در این دوره با اولین کنسرتو برای ویولن و ارکستر توسط S. Prokofiev (1915-1917) به پایان می رسد. کار عمدهطرح کنسرت - سوئیت برای ویولن و ارکستر (1909) - توسط S. I. Taneev نوشته شده است. با این تعداد کم در میان آهنگ های نام برده شده، شاهکارهای واقعی وجود دارد - کنسرتو A. Glazunov، اولین کنسرتو S. Prokofiev، که در صندوق طلایی کلاسیک های ویولن جهان گنجانده شده است. دهه های اول قرن بیستم اوج سونات روسی بود، اما عمدتاً برای پیانو.

سونات های زیادی برای ویولن و پیانو نیز نوشته شد، اگرچه در بین آنها پدیده های چشمگیری مانند سونات های پیانو A. Scriabin یا S. Prokofiev وجود نداشت. اکثریت قریب به اتفاق سونات های ویولن این دوره ماهیت نوآورانه ای ندارند و به طور منفعلانه سنت های کلاسیک روسی را ادامه می دهند، علاوه بر این، در شرایط اپیگون-آکادمیک. چنین است سونات C. A. Cui (1911) که در آن زمان هیچ پاسخی را برانگیخت. از جمله سونات های "بلایوی ها" - V. I. Malishevsky، A. A. Winkler، که در آنها صفحات جذاب فردی نقض نمی شود. تصویر کلیرفاه "آکادمیک" و نرمی سبک.

اینها ترکیبات خوش صدا، اما نه چندان اصیل هستند، که در آنها مضامینی که از نظر ویژگی های ملی و سبکی خنثی هستند، غالب است، اگرچه لحن های روسی نیز از بین می روند. سونات ویولن A. F. Gedike به طور قابل توجهی با کار Belyaevit ها با شروع "باخ" متفاوت است. محبوبیت نسبتاً زیادی در میان نوازندگان ویولن (حفظ شده در زمان شوروی) یک سونات ملودیکی دلپذیر توسط L. V. Nikolaev دریافت کرد.

در میان آثار ویولن این ژانر باید به دو سونات از G. V. Catoire، هنرمندی ظریف و ظریف اشاره کرد. ریشه خلاقیت G. Catoire در موسیقی P. Tchaikovsky، S. Taneev، A. Glazunov در ترکیبی عجیب با عناصر سبک امپرسیونیست ها و A. Scriabin است. سونات بزرگ برای ویولن و پیانو، op. 15 اثر جی. کاتوارا، با قسمت اول شاعرانه هیجان‌انگیز، کنتیلنا ​​«بارکارول» و پایان امپرسیونیستی (آپ‌های خارق‌العاده) را باید به‌عنوان یکی از اوج‌های توسعه ژانر سونات ویولن روسی آن دوران ارزیابی کرد.

سونات M. F. Gnesin که در آن آهنگ‌های آهنگ‌های فولکلور یهودی در قاب هارمونی‌های رنگی نفیس ارائه شده است، رنگ و بویی سوبژکتیویستی غم‌انگیز دارد. یکی از بهترین سونات های ویولن روسی - Sonata op. 21 h-moll (1909-1910) توسط N. K. Medtner. توسعه بسیار زیادی به فرم های کوچک داده شده است، اما در آنها، از نظر ژانر و تنوع سبکادبیات ویولن به طور قابل توجهی پایین تر از ادبیات پیانو است. جایگاه غالب در آن را غزلیات و نمایشنامه های ژانر- عاشقانه ها، مرثیه ها، "بازتاب ها"، "رویاها"، مازورکاها و والس ها، گاهی اوقات با لمس اشعار صمیمی و سالونیسم.

از نظر غنایی و ژانر، با تمایل به ملودی عاشقانه، نمایشنامه های A. S. Arensky "Presdelaier"، 6 طرح برای ویولن و پیانو، A. T. Grechaninov "Lullaby"، "Reflection"، "Regrets" - op. 9، 1895، اف. آکیمنکو "لالایی"، 1902، جی. ویتولا "دو قطعه"، "عاشقانه"، سوئیت اس. بارموتین "پیش درآمد"، "شعر کوچک"، "لالایی"، "شرزاندو"، "اکلوگ"، "مازورکا"، "مرثیه"، "تصویر شرقی"، "والس کوچک". مهم ترین قطعات ویولن از نظر هنری در فرم های کوچک متعلق به A.K. Glazunov است، اینها "مراقبه" و "Mazur-oberek" هستند که توسط خود نویسنده و برای ویولن و ارکستر تنظیم شده اند. "مدیتیشن" به یک قطعه رپرتوار تبدیل شد که در کنسرت های ویولن اجرا شد.

چندین قطعه ویولن توسط N.K. Medtner نوشته شده است: 3 شبانه (op. 16, 1907), 2 canzones (op. 43, 1924).

اکثر آهنگسازان اصلی روسی در اوایل قرن بیستم به ژانرهای گروه مجلسی ادای احترام کردند و برای برخی موسیقی مجلسی شکل اصلی خلاقیت شد (S.I. Taneev). در عین حال، لازم به ذکر است که در زمینه گروه ساز بود که سنت های کلاسیک روسی قرن نوزدهم به ویژه پایدار بود و شاید گرایش های آکادمیک با قدرت خاصی تجلی پیدا کرد. .

به استثنای A. Glazunov ، تمام آثار آهنگسازان حلقه Belyaev بسیار آکادمیک بود. این حوزه از موسیقی توسط جریان های جدید تسخیر نشده باقی ماند. تقریباً استثناء سه قطعه کوارتت زهی اثر I. F. Stravinsky (1914) بود. ژانرهای مجلسی-گروهی برای بسیاری از آهنگسازان حلقه Belyaev بسیار جذاب بود. ادبیات مجلسی این دوره تأثیرات قوی پی چایکوفسکی را نشان داد. آنها در AS Arensky در 2 کوارتت و 2 تریو پیانو بسیار قابل توجه هستند. به خصوص اولین تریو پیانو (1894) محبوب بود که با ملودی های رمانتیک و حال و هوای مرثیه خود مجذوب خود شد.

تا به حال یکی از متداول ترین آثاری که به طور گسترده در اجرا استفاده می شود، «Elegiac Trio» شماره 2 (d-moll) اثر S. V. Rachmaninov است. اختصاص به حافظه P. I. Tchaikovsky (1893) راخمانینوف به آن فرمی بسیار نزدیک به سه پیانوی چایکوفسکی داد. موسیقی دستگاهی مجلسی مدرن از نظر اهمیت ایدئولوژیک و هنری خود کاملاً متناسب با موسیقی سمفونیک شده است. سمفونی اغلب نزدیک به آن است ژانرهای مجلسی، به عنوان مثال، سمفونی 14 و 15 D. D. Shostakovich.

موسیقی مجلسی - دستگاهی برای گروه کوچکی از نوازندگان در نظر گرفته شده است. این با توجه به دنیای درونی یک فرد به عنوان یک شخص مشخص می شود، در مقابل بیان تعمیم یافته آرزوهای بسیاری از افراد در ژانر سمفونیک. به یاد ماندنی بودن سمفونی، فضیلت بسیار تماشایی کنسرت سازدر اصل برای موسیقی مجلسی غیر معمول است. در عوض، برعکس، با صرفه جویی در وسایل بیانی با استقلال زیاد احزاب فردی و فعالیت خلاقانه هر یک از اعضای گروه متمایز می شود. موسیقی مجلسی در ابتدا برای دایره باریکشنوندگان و اغلب در خانه اجرا می شد، بعدا در ویژه کوچک سالن های کنسرت.

موسیقی مجلسی کارکرد غالب سازها را پیش‌فرض می‌گیرد، نسبت معینی از فضیلت، به همین دلیل درجه‌بندی‌های درون‌سبکی ژانرها گاهی اوقات فقط یک جهت سفارشی در رابطه با پارامترهای کمی اصلی پیدا می‌کنند.

موسیقی مجلسی-ساز مدرن در اهمیت ایدئولوژیک و هنری خود کاملاً متناسب با موسیقی سمفونیک شده است. سمفونی اغلب نزدیک به ژانرهای مجلسی است که در آثار M. Khalitova به وضوح قابل مشاهده است.

در موسیقی اروپای شرقی و امروزه می توان موسیقی تاتار کریمه را به آن نسبت داد و همچنین در ارتباط با شکل گیری مکاتب آهنگسازی ملی، اقتباس ژانرهای مجلسی در خاک ملی از اواسط قرن گذشته تا به امروز به شکل فعال تری تجلی یافته است. حاضر. بنابراین، ژانرهای سنتی موسیقی مجلسی در اینجا مدت طولانی تری حفظ می شود، و در نتیجه، علاقه به آهنگسازی کلاسیک مجلسی، به عنوان مثال، در آثار M. Khalitova: کنسرتو Ashik-name، کنسرتو برای ترومپت و ارکستر. در پای Demerdzhi، "Epitaph برای ویولن سل و ارکستر" و دیگران.

احتمالاً هر فردی نسبت به موسیقی بی تفاوت نیست. این بشریت را به طور جدانشدنی همراهی می کند، نمی توان دقیقاً تعیین کرد که چه زمانی فرد یاد گرفته است که آن را درک کند. به احتمال زیاد، این اتفاق زمانی افتاد که جد ما در تلاش برای بیان احساسات خود بود، از آن زمان، انسان و موسیقی به طور جدایی ناپذیری پیوند خورده اند، امروزه بسیاری از ژانرها، سبک ها و روندهای آن وجود دارد. این موسیقی فولکلور، معنوی و در نهایت، ساز کلاسیک - سمفونیک و موسیقی مجلسی است. تقریباً همه می دانند که چنین جهتی، چگونه موسیقی مجلسی وجود دارد، اما کمتر کسی می داند که تفاوت ها و ویژگی های آن چیست. بیایید سعی کنیم این را در ادامه مقاله بفهمیم.

تاریخچه موسیقی مجلسی

تاریخچه موسیقی مجلسی به قرون وسطی باز می گردد. در قرن شانزدهم، موسیقی شروع به فراتر رفتن از کلیساهای کلیسا کرد. برخی از نویسندگان شروع به نوشتن آثاری کردند که در خارج از دیوارهای کلیسا برای حلقه کوچکی از خبره ها اجرا می شد. لازم به ذکر است که در ابتدا فقط بخش های آوازی بود و موسیقی مجلسی-دستگاهی بسیار دیرتر ظاهر شد. اما اول از همه.

موسیقی مجلسی دلربا. این نام از کلمه ایتالیایی دوربین ("اتاق") گرفته شده است ، احتمالاً همه به یاد دارند. برخلاف موسیقی کلیسا و تئاتر، موسیقی مجلسی در ابتدا قرار بود توسط یک گروه کوچک برای حلقه محدودی از شنوندگان در داخل خانه اجرا شود. به عنوان یک قاعده، اجرا در خانه، و بعدا - در سالن های کنسرت کوچک برگزار می شود. موسیقی مجلسی-دستگاهی در قرن 18-19 به اوج محبوبیت خود رسید، زمانی که کنسرت های مشابه در تمام اتاق های نشیمن خانه های مرفه برگزار می شد. بعدها، اشراف حتی موقعیت های تمام وقت را به عنوان نوازنده معرفی کردند.

تصاویر موسیقی مجلسی

در ابتدا قرار بود موسیقی مجلسی در مقابل حلقه کوچکی از مردم که خبره و خبره آن بودند اجرا شود. و وسعت اتاقی که کنسرت در آن برگزار می شد به نوازندگان و شنوندگان اجازه می داد تا از نزدیک با یکدیگر تماس بگیرند. همه اینها فضای بی نظیری از تعلق ایجاد کرد. شاید به همین دلیل است که چنین هنری با توانایی بالایی در آشکار کردن احساسات غنایی و تفاوت های ظریف مختلف تجربیات انسانی مشخص می شود.

ژانرهای موسیقی مجلسی دقیقاً طراحی شده اند تا با کمک ابزارهای مختصر و در عین حال دقیق منتقل شوند. برخلاف جایی که میهمانی ها توسط گروهی از سازها اجرا می شود، در این گونه آثار هر ساز برای خود مهمانی دارد و عملاً همه آنها با هم برابرند.

انواع گروه ساز مجلسی

با پیشرفت تاریخ، موسیقی مجلسی نیز توسعه یافت. اینکه چنین جهتی باید ویژگی هایی در رابطه با مجری ها داشته باشد، نیازی به اثبات ندارد. گروه های ساز مدرن عبارتند از:

• دوئت (دو مجری)؛
• سه نفر (سه عضو)؛
• کوارتت (چهار)؛
• پنج نفره (پنج)؛
• سکست (شش)؛
• سپتیت (هفت)؛
• اکتت (هشت)؛
• nonets (نه)؛
• دسی متر (ده).

در عین حال، ترکیب ساز می تواند بسیار متنوع باشد. می تواند شامل هر دو سیم باشد و فقط تار یا فقط سازهای بادی را می توان در یک گروه قرار داد. و ممکن است گروه های مجلسی مختلط وجود داشته باشد - به خصوص اغلب پیانو در آنها گنجانده می شود. به طور کلی، ترکیب آنها فقط به یک چیز محدود می شود - تخیل آهنگساز، و اغلب نامحدود است. علاوه بر این، ارکسترهای مجلسی نیز وجود دارد - گروه هایی که شامل بیش از 25 نوازنده نمی شود.

ژانرهای موسیقی مجلسی دستگاهی

ژانرهای مدرن موسیقی مجلسی تحت تأثیر آهنگسازان بزرگی مانند W. A. ​​Mozart، L. Beethoven، J. Haydn شکل گرفت. این استادان بودند که آثاری را خلق کردند که از نظر پیچیدگی محتوا و عمق احساسی اثر بی‌نظیر است. سونات‌ها، دوئت‌ها، سه‌گانه‌ها، کوارتت‌ها و پنج‌نفره‌ها زمانی توسط مشهورترین رمانتیک‌های قرن نوزدهم ادای احترام می‌شد: F. Mendelssohn، R. Schumann، F. Schubert، F. Chopin. علاوه بر این، ژانر مینیاتورهای ابزاری (نوتورن، اینترمتزو) در آن زمان محبوبیت زیادی پیدا کرد.

کنسرت های مجلسی، سوئیت ها، فوگ ها، کانتات ها نیز وجود دارد. در قرن هجدهم، ژانرهای موسیقی مجلسی بسیار متنوع بودند. علاوه بر این، آنها ویژگی های سبکی سایر گرایش ها و سبک ها را جذب کردند. به عنوان مثال، تمایل ال. بتهوون برای جابجایی مرزهای پدیده ای مانند موسیقی مجلسی به قدری واضح است که اثری از او مانند سونات کرویتزر، از نظر یادگاری و شدت احساسی، به هیچ وجه کمتر از آفرینش های سمفونیک نیست.

ژانرهای موسیقی مجلسی آوازی

در قرن نوزدهم، موسیقی مجلسی آوازی محبوبیت زیادی پیدا کرد. ژانرهای نوظهور آهنگ هنری و عاشقانه توسط R. Schumann، F. Schubert، I. Brahms مورد تقدیر قرار گرفت. آهنگسازان روسی سهم ارزشمندی در مجموعه جهانی موسیقی مجلسی داشتند. عاشقانه های باشکوه M. I. Glinka، P. I. Tchaikovsky، M. P. Mussorgsky، M. A. Rimsky-Korsakov امروز هیچ کس را بی تفاوت نمی گذارد. جدا از کارهای کوچکژانر اپرای مجلسی نیز وجود دارد. دلالت بر حضور تعداد کمی از اجراکنندگان دارد و نیازی به اتاق بزرگی برای صحنه سازی ندارد.

موسیقی مجلسی امروز

البته امروزه عملاً چنین خانه هایی وجود ندارد که مانند قرن های گذشته، گروه های مجلسی در محاصره یک حلقه محدود از مردم بازی کنند. با این حال، بر خلاف کلیشه های موجود، این جهت همچنان بسیار محبوب است. سالن های ارگ و موسیقی مجلسی در سراسر جهان میلیون ها نفر از طرفداران هر دو آثار آهنگسازان کلاسیک و نویسندگان معاصر. جشنواره ها به طور منظم برگزار می شود، که در آن هنرمندان مشهور و نوظهور هنر خود را به اشتراک می گذارند.