آموزش موسیقی در رنسانس. گزارش: موسیقی رنسانس هنر موسیقی رنسانس ایتالیا

رنسانس، یا رنسانس(فر. رنسانس)، - نقطه عطفی در تاریخ فرهنگ مردم اروپا. در ایتالیا، روندهای جدید در اواخر قرن 13-14، در سایر کشورهای اروپایی - در قرن 15-16 ظاهر شد. چهره های رنسانس یک فرد را - خیر او و حق رشد آزادانه شخصیت - را به عنوان بالاترین ارزش می شناختند. این جهان بینی "اومانیسم" نامیده شد (از لاتین humanus - "انسان"، "انسان"). اومانیست ها در دوران باستان به دنبال ایده آل یک فرد هماهنگ بودند و هنر یونان و روم باستان الگویی برای آنها بود. خلاقیت هنری. میل به "احیای" فرهنگ باستانینامی به یک دوره کامل داد - رنسانس، دوره بین قرون وسطی و عصر جدید (از اواسط قرن هفدهم تا امروز).

جهان بینی رنسانس به طور کامل هنر، از جمله موسیقی را منعکس می کند. در این دوره، و همچنین در قرون وسطی، جایگاه پیشرو متعلق به موسیقی آواز کلیسایی بود. توسعه چند صدایی منجر به ظهور چند صدایی شد (از یونانی "polis" - "تعدد" و "پس زمینه" - "صدا"، "صدا"). با این نوع پلیفونی، همه صداها در اثر برابر هستند. چند صدایی نه تنها کار را پیچیده کرد، بلکه به نویسنده اجازه داد تا درک شخصی از متن را بیان کند و به موسیقی احساسات بیشتری بخشید. یک ترکیب چند صدایی بر اساس قوانین سختگیرانه و پیچیده ایجاد شد که مستلزم دانش عمیق و مهارت استادانه از آهنگساز بود. در چارچوب چند صدایی، ژانرهای کلیسایی و سکولار توسعه یافتند.

مدرسه پلی فونیک هلند. هلند منطقه ای تاریخی در شمال غربی اروپا است که شامل قلمروهای بلژیک امروزی، هلند، لوکزامبورگ و شمال شرقی فرانسه است. تا قرن 15 هلند به سطح اقتصادی و فرهنگی بالایی رسید و به یک کشور اروپایی مرفه تبدیل شد.

در اینجا بود که مدرسه پلی فونیک هلند - یکی از بزرگترین پدیده های موسیقی رنسانس - شکل گرفت. برای توسعه هنر قرن پانزدهم، ارتباط موسیقیدانان از کشورهای مختلف، تأثیر متقابل مدارس خلاق مهم بود. مکتب هلندی سنت های ایتالیا، فرانسه، انگلستان و خود هلند را جذب کرد.

نمایندگان برجسته آن: گیوم دوفای (1400-1474) (دوفای) (حدود 1400 - 11/27/1474، کامبری)، آهنگساز فرانسوی-فلاندری، یکی از بنیانگذاران مکتب هلندی. پایه های سنت چند صدایی در موسیقی هلندی توسط گیوم دوفای (حدود 1400 - 1474) گذاشته شد. او در شهر کامبری در فلاندر (استانی در جنوب هلند) به دنیا آمد و از کودکی در گروه کر کلیسا می خواند. به موازات آن، نوازنده آینده دروس خصوصی آهنگسازی را گذراند. دوفای در جوانی به ایتالیا رفت و در آنجا اولین ساخته های خود را نوشت - تصنیف ها و موته ها. در 1428-1437. او به عنوان خواننده در کلیسای پاپ در رم خدمت کرد. در این سالها به ایتالیا و فرانسه سفر کرد. در سال 1437 آهنگساز پذیرفت روحانیت. در دربار دوک ساووی (1437-1439)، او موسیقی برای تشریفات رسمیو تعطیلات دوفای توسط مردم نجیب بسیار مورد احترام بود - به عنوان مثال، زوج مدیچی (حکام شهر فلورانس ایتالیا) در میان تحسین کنندگان او بودند. [در ایتالیا و فرانسه کار کرد. در سالهای 1428-1437 در کلیساهای پاپ در روم و جاهای دیگر خواننده بود. شهرهای ایتالیا، در 1437-1444 نزد دوک ساووی خدمت کرد. از 1445 قانون و رهبر فعالیت موسیقیکلیسای جامع در کامبری. استاد ژانرهای معنوی (3، 4 صدایی، موتت)، و همچنین سکولار (شانسون های فرانسوی 3، 4 صدایی، آهنگ های ایتالیایی، تصنیف، روندو) مرتبط با چند صدایی عامیانه و فرهنگ اومانیستی رنسانس. هنر د. که دستاوردهای هنر موسیقی اروپا را جذب کرد، داشت نفوذ بزرگبر پیشرفتهای بعدیموسیقی چندصدایی اروپایی او همچنین یک اصلاح‌کننده نویسندگی موسیقی بود (د. را به معرفی نت‌هایی با سرهای سفید نسبت می‌دهند). آثار کامل D. منتشر شده در رم (6 جلد، 1951-1966).] دوفای اولین نفر در میان آهنگسازانی بود که شروع به ساختن Mass به عنوان یک ترکیب موسیقی یکپارچه کرد. برای ایجاد موسیقی کلیسا، استعداد خارق‌العاده‌ای لازم است: توانایی بیان مفاهیم انتزاعی و ناملموس با ابزارهای عینی و مادی. دشواری در این است که چنین ترکیبی از یک سو شنونده را بی تفاوت نمی کند و از سوی دیگر حواس را از عبادت منحرف نمی کند و به تمرکز بیشتر بر نماز کمک می کند. بسیاری از توده‌های دوفای الهام گرفته‌اند، سرشار از زندگی درونی. به نظر می رسد کمک می کنند تا برای لحظه ای پرده وحی الهی برداشته شود.

اغلب، هنگام ایجاد یک توده، دوفای ملودی شناخته شده ای را می گرفت که ملودی خود را به آن اضافه می کرد. چنین قرض هایی از ویژگی های رنسانس است. بسیار مهم تلقی می شد که توده بر اساس یک ملودی آشنا باشد که نمازگزاران حتی در آن به راحتی تشخیص دهند کار چندصدایی. قطعه ای از سرود گریگوری اغلب استفاده می شد. کارهای سکولار مستثنی نبودند.

دوفای علاوه بر موسیقی کلیسایی، موت‌هایی برای متون سکولار. او همچنین در آنها از تکنیک پیچیده چند صدایی استفاده کرد.

Josquin Despres (1440-1521). نماینده مکتب پلی فونیک هلندی نیمه دوم قرن پانزدهم. Josquin Despres (حدود 1440-1521 یا 1524) بود که تأثیر زیادی بر کار آهنگسازان داشت. نسل بعدی. در جوانی به عنوان یک گروه کر کلیسا در کامبری خدمت می کرد. از Okegyom درس موسیقی گرفت. در سن بیست سالگی، این نوازنده جوان به ایتالیا آمد، در میلان با دوک های اسفورزا (که بعدها هنرمند بزرگ ایتالیایی لئوناردو داوینچی در اینجا خدمت کرد) و در کلیسای پاپ در رم آواز خواند. در ایتالیا، دسپرس احتمالا شروع به آهنگسازی کرد. در همان آغاز قرن شانزدهم. او به پاریس نقل مکان کرد. در آن زمان، دسپرس قبلاً شناخته شده بود و توسط پادشاه فرانسه لوئیس دوازدهم به سمت موسیقیدان دربار دعوت شد. از سال 1503، دسپرس دوباره در ایتالیا، در شهر فرارا، در دربار دوک دی استه مستقر شد. دایره های گسترده: او را هم اشراف و هم مردم عادی دوست داشتند. این آهنگساز نه تنها آثار کلیسا، بلکه آثار سکولار را نیز خلق کرد. به طور خاص، او به ژانر آهنگ فولکلور ایتالیایی تبدیل شد - frottola (it. frottola، از frotta - "جمعیت")، که با ریتم رقص و سرعت سریع مشخص می شود. دسپرس ویژگی های آثار سکولار را به موسیقی کلیسا آورد: لحن تازه و پر جنب و جوش، جدایی سخت را شکست و احساس شادی و پر بودن وجود را برانگیخت. با این حال، حس تناسب هرگز به آهنگساز خیانت نکرد. تکنیک پلی فونیک دسپرس با پیچیدگی متمایز نیست. آثار او با ظرافت ساده هستند، اما عقل قدرتمند نویسنده در آنها احساس می شود. این راز محبوبیت خلاقیت های اوست.

یوهانس اوکگم (1430-1495)، یاکوب اوبرشت (1450-1505). معاصران جوانتر گیوم دوفای یوهانس (ژان) اوکگم (حدود 1425-1497) و ژاکوب اوبرشت بودند. اوکگم مانند دوفای اهل فلاندر بود. تمام عمرش سخت کار کرد. او علاوه بر آهنگسازی، به عنوان سرپرست نمازخانه نیز فعالیت می کرد. این آهنگساز پانزده توده، سیزده موت، بیش از بیست آواز خلق کرد. مشخصه آثار اوکیوم سختگیری، تمرکز، و باز شدن طولانی خطوط ملودیک صاف است. توجه بزرگاو به تکنیک چند صدایی توجه کرد، تلاش کرد تا همه بخش های توده به عنوان یک کل واحد درک شود. سبک خلاقانه آهنگساز را می توان در آهنگ های او نیز مشاهده کرد - آنها تقریباً فاقد سبکی سکولار هستند ، شخصیت آنها بیشتر یادآور موت ها و گاهی اوقات تکه هایی از توده ها است. یوهانس اوکگم هم در داخل و هم در خارج مورد احترام بود (او به عنوان مشاور پادشاه فرانسه منصوب شد). یاکوب اوبرشت در کلیساهای جامع شهرهای مختلف هلند یک خواننده خوان بود و کلیساها را رهبری می کرد. او برای چندین سال در دربار دوک دی استه در فرارا (ایتالیا) خدمت کرد. او نویسنده بیست و پنج توده، بیست موت، سی سانسون است. اوبرشت با استفاده از دستاوردهای پیشینیان خود، چیزهای جدیدی را به ارمغان آورد. موسیقی او پر از تضادها، جسورانه است، حتی زمانی که آهنگساز به ژانرهای سنتی کلیسا روی می آورد.

تطبیق پذیری و عمق خلاقیت Orlando Lasso. تاریخ موسیقی رنسانس هلند با کار اورلاندو لاسو (نام و نام خانوادگی واقعی رولاند د لاسو، حدوداً ۱۵۹۴-۱۵۳۲) تکمیل می‌شود که توسط معاصرانش «اورفیوس بلژیکی» و «شاهزاده موسیقی» خوانده می‌شود. کمند در مونس (فلاندر) به دنیا آمد. او از دوران کودکی در گروه کر کلیسا آواز می خواند و با صدای فوق العاده ای به اهل محله ضربه می زد. گونزاگا، دوک شهر مانتوآ ایتالیا، به طور تصادفی شنید که یک خواننده جوان، او را به کلیسای کوچک خود دعوت کرد. پس از مانتوآ، کمند برای مدت کوتاهی در ناپل کار کرد و سپس به رم نقل مکان کرد - جایی که مقام ریاست کلیسای کوچک یکی از کلیساها را دریافت کرد. در سن بیست و پنج سالگی، کمند قبلاً به عنوان آهنگساز شناخته شده بود و آهنگ های او در بین ناشران موسیقی مورد تقاضا بود. در سال 1555 اولین مجموعه آثار شامل موتت، مادریگال و سانسون منتشر شد. کمند تمام آنچه را که توسط پیشینیانش (آهنگسازان هلندی، فرانسوی، آلمانی و ایتالیایی) خلق شده بود، مطالعه کرد و از تجربیات آنها در کار خود استفاده کرد. لاسو که شخصیتی خارق‌العاده بود، به دنبال غلبه بر ماهیت انتزاعی موسیقی کلیسا بود و به آن فردیت بخشید. برای این منظور، آهنگساز گاهی اوقات از ژانرها و نقوش روزمره (مضامین آهنگ های محلی، رقص ها) استفاده می کرد و به این ترتیب سنت های کلیسا و سکولار را گرد هم می آورد. کمند پیچیدگی تکنیک چند صدایی را با احساسی عالی ترکیب کرد. او به ویژه در مادریگال ها موفق بود، که در متون آنها وضعیت ذهنی شخصیت ها آشکار می شد، به عنوان مثال اشک های سنت پیتر "(1593) به ابیات شاعر ایتالیایی لوئیجی ترانزیلو. این آهنگساز اغلب برای تعداد صداهای زیاد (پنج تا هفت)، بنابراین اجرای آثار او دشوار است.

از سال 1556، اورلاندو لاسو در مونیخ (آلمان) زندگی می کرد، جایی که او کلیسا را ​​رهبری می کرد. تا پایان عمر، اقتدار او در محافل موسیقی و هنری بسیار بالا بود و شهرت او در سراسر اروپا گسترش یافت. مکتب پلی فونیک هلندی تأثیر زیادی در توسعه فرهنگ موسیقی اروپا داشت. اصول چندصدایی که توسط آهنگسازان هلندی ایجاد شده است جهانی شده است و بسیاری از آنها تکنیک های هنریدر آثار خود توسط آهنگسازان قرن بیستم استفاده شده است.

فرانسه. برای فرانسه، قرن های پانزدهم تا شانزدهم به دوران تغییرات مهم تبدیل شد: جنگ صد ساله (1337-1453) با انگلستان، در پایان قرن پانزدهم پایان یافت. اتحاد دولت تکمیل شد. در قرن شانزدهم این کشور جنگ های مذهبی بین کاتولیک ها و پروتستان ها را تجربه کرد. در یک دولت قوی با سلطنت مطلقه، نقش جشن های دربار و جشن های عامیانه افزایش یافت. این به توسعه هنر، به ویژه موسیقی، که با چنین اقداماتی همراه بود، کمک کرد. تعداد آواز و گروه های ساز(نمایشگاه ها و همسران) که متشکل از تعداد قابل توجهی از مجریان بود. در طول مبارزات نظامی در ایتالیا، فرانسوی ها با دستاوردهای فرهنگ ایتالیایی آشنا شدند. آنها عمیقاً عقاید رنسانس ایتالیا - اومانیسم، میل به هماهنگی با دنیای خارج، برای لذت بردن از زندگی را احساس کردند و پذیرفتند.

اگر در ایتالیا رنسانس موسیقی در درجه اول با توده همراه بود، پس آهنگسازان فرانسویهمراه با موسیقی کلیسا، توجه ویژه ای به آهنگ چندصدایی سکولار - شانسون شد. علاقه به آن در فرانسه در نیمه اول قرن شانزدهم، زمانی که مجموعه ای از نمایشنامه های موسیقی توسط کلمنت ژانکوین (حدود 1485-1558) منتشر شد، به وجود آمد. این آهنگساز است که یکی از خالقان این ژانر به حساب می آید.

آثار اصلی برنامه کر توسط کلمنت ژانکوین (1475-1560). در کودکی، ژانکین در گروه کر کلیسایی آواز خواند زادگاه Chatellerault (فرانسه مرکزی). در آینده، همانطور که مورخان موسیقی پیشنهاد می‌کنند، او نزد استاد هلندی Josquin Despres یا آهنگسازی از اطرافیانش تحصیل کرد. جنکین پس از دریافت مقام کشیشی، به عنوان نایب السلطنه (مدیر گروه کر) و نوازنده ارگ ​​مشغول به کار شد. سپس توسط دوک گیز به خدمت دعوت شد. در سال 1555، این نوازنده خواننده کلیسای سلطنتی شد و در 1556-1557. - آهنگساز دربار سلطنتی. کلمنت ژانکوین دویست و هشتاد آهنگ (منتشر شده بین 1530 و 1572) خلق کرد. موسیقی کلیسا - توده ها، موتت ها، مزامیر نوشت. ترانه های او اغلب ماهیت تصویری داشتند. در مقابل چشم شنونده تصاویری از نبرد ("نبرد ماریگنانو"، "نبرد اجاره"، "نبرد متز")، صحنه های شکار ("شکار")، تصاویری از طبیعت ("آواز پرندگان"، "بلبل" "، "Lark")، صحنه های روزمره ("پچ پچ زنان"). آهنگساز به طرز چشمگیری موفق شد فضای زندگی روزمره در پاریس را در آهنگ "گریه های پاریس" منتقل کند: او تعجب های فروشندگان را به متن وارد کرد ("شیر!" - "کیک!" - "کنگر فرنگی!" - " ماهی!" - "کبریت!" - "کبوتر!" - "کفش های قدیمی!" - "شراب!"). ژانکوین تقریباً از تم های طولانی و روان برای صداهای فردی و دستگاه های پیچیده پلی فونیک استفاده نمی کرد و فراخوانی، تکرارها و انوماتوپه را ترجیح می داد.

جهت دیگر موسیقی فرانسوی با جنبش پان-اروپایی اصلاحات مرتبط است.

در مراسم کلیسا، پروتستان های فرانسوی (هوگنوت ها) زبان لاتین و چند صدایی را کنار گذاشتند. موسیقی مقدس شخصیتی بازتر و دموکراتیک پیدا کرد. یکی از برجسته ترین نمایندگان این سنت موسیقی، کلود گودیمل (بین 1514 و 1520-1572)، نویسنده مزامیر بر اساس متون کتاب مقدس و سرودهای پروتستانی بود.

شانسون یکی از ژانرهای موسیقی اصلی رنسانس فرانسه، chanson (fr. chanson - "آهنگ") است. خاستگاه آن در هنر عامیانه است (اشعار قافیه قصه های حماسیتنظیم موسیقی)، در هنر تروبادورها و تروورهای قرون وسطی. از نظر محتوا و خلق و خو، سانسون می تواند بسیار متنوع باشد - آهنگ های عاشقانه، روزمره، بازیگوش، طنز و غیره وجود داشت. آهنگسازان اشعار عامیانه و شعر مدرن را به عنوان متن در نظر گرفتند.

ایتالیا با شروع رنسانس در ایتالیا، ساخت موسیقی داخلی به این کشور گسترش یافت ابزارهای مختلف; حلقه های عاشقان موسیقی به وجود آمد. در زمینه حرفه ای، دو تا از قوی ترین مدارس تشکیل شد: رومی و ونیزی.

مادریگال در دوران رنسانس، نقش ژانرهای سکولار افزایش یافت. در قرن چهاردهم. madrigal در موسیقی ایتالیایی ظاهر شد (از اواخر لاتین matricale - "آهنگی به زبان مادری"). این بر اساس آهنگ های محلی (چوپان) شکل گرفت. مادریگال ها ترانه هایی برای دو یا سه صدای بودند که اغلب بدون همراهی ساز بودند. آنها به ابیات شاعران مدرن ایتالیایی نوشته شده بودند که در مورد عشق می گفتند. ترانه هایی در مورد موضوعات روزمره و اسطوره ای وجود داشت.

در طول قرن پانزدهم، آهنگسازان تقریباً به این سبک روی نیاوردند. علاقه به آن تنها در قرن شانزدهم احیا شد. ویژگیمادریگالا قرن شانزدهم پیوندی نزدیک بین موسیقی و شعر است. موسیقی به شکلی انعطاف‌پذیر متن را دنبال می‌کرد و وقایع توصیف‌شده در منبع شاعرانه را منعکس می‌کرد. با گذشت زمان، نمادهای ملودیک عجیبی توسعه یافتند که به آه‌های لطیف، اشک‌ها و غیره اشاره می‌کردند. در آثار برخی آهنگسازان، نمادگرایی فلسفی بود، به عنوان مثال، در مادریگال "من می‌میرم، بدبخت" (1611) Gesualdo di Venosa.

اوج شکوفایی این ژانر در آستانه قرن XVI-XVII است. گاهی همزمان با اجرای آهنگ، طرح آن پخش می شد. مادریگال اساس کمدی مادریگال (ترکیب کرال بر اساس متن یک نمایشنامه کمدی) شد که ظاهر اپرا را آماده کرد.

مدرسه پلی فونیک رومی. جیووانی دو پالستینا (1525-1594). رئیس مکتب رومی جیووانی پیرلوئیجی دا پالسترینا، یکی از بزرگترین آهنگسازان رنسانس بود. او در شهر پالستینا ایتالیا به دنیا آمد و پس از آن نام خانوادگی خود را دریافت کرد. پالسترینا از کودکی در گروه کر کلیسا آواز می خواند و پس از رسیدن به بزرگسالی به سمت سرپرست گروه (رهبر گروه کر) در کلیسای سنت پیتر در رم دعوت شد. بعدها در کلیسای سیستین (نمایشگاه دربار پاپ) خدمت کرد.

رم، مرکز مذهب کاتولیک، بسیاری از نوازندگان برجسته را به خود جذب کرد. در زمان‌های مختلف، استادان پلی‌فونیک هلندی گیوم دوفای و ژوسکین دسپرس در اینجا کار می‌کردند. تکنیک آهنگسازی توسعه یافته آنها گاهی اوقات با درک متن سرویس تداخل می کرد: در پشت پیچیدگی نفیس صداها گم می شد و کلمات در واقع قابل شنیدن نبودند. بنابراین، مقامات کلیسا نسبت به این گونه آثار محتاط بودند و از بازگشت تک صدایی بر اساس سرودهای گریگوری حمایت می کردند. مسئله قابل قبول بودن چند صدایی در موسیقی کلیسا حتی در شورای ترنت کلیسای کاتولیک (1545-1563) مورد بحث قرار گرفت. نزدیک به پاپ، Palestrina رهبران کلیسا را ​​در مورد امکان خلق آثاری متقاعد کرد که در آن تکنیک آهنگساز با درک متن تداخل نداشته باشد. به عنوان مدرک، او "Mass of Papa Marcello" (1555) را ساخت که ترکیبی از چند صدایی پیچیده با صدای واضح و رسا هر کلمه است. بنابراین، این نوازنده موسیقی حرفه ای چند صدایی را از آزار و اذیت مقامات کلیسا "نجات داد". در سال 1577، آهنگساز برای بحث در مورد اصلاح تدریجی دعوت شد - مجموعه ای از سرودهای مقدس کلیسای کاتولیک. در دهه 80. پالسترینا دستورات مقدس را پذیرفت و در سال 1584 به عضویت انجمن استادان موسیقی درآمد - انجمنی از نوازندگان که مستقیماً تابع پاپ بود.

کار Palestrina با یک جهان بینی روشن آغشته است. آثاری که او خلق کرد معاصران خود را هم با بالاترین مهارت و هم با کمیت (بیش از صد جرم، سیصد موتت، صد مادریگال) تحت تأثیر قرار داد. پیچیدگی موسیقی هرگز به عنوان مانعی برای درک آن عمل نکرده است. آهنگساز می دانست که چگونه می تواند میانگین طلایی را بین پیچیدگی آهنگ ها و دسترسی آنها به شنونده بیابد. Palestrina وظیفه اصلی خلاقانه را در توسعه یک کار بزرگ یکپارچه دید. هر صدا در آوازهای او به طور مستقل رشد می کند، اما در عین حال یک کل واحد را با بقیه تشکیل می دهد، و اغلب صداها ترکیبی از آکوردها را تشکیل می دهند که زیبایی خود را خیره کننده است. اغلب به نظر می رسد که ملودی صدای بالا بالاتر از بقیه اوج می گیرد و "گنبد" چند صدایی را مشخص می کند. همه صداها صاف و توسعه یافته هستند.

هنر جووانی دا پالسترینا توسط نوازندگان نسل بعدی نمونه و کلاسیک تلقی شد. بسیاری از آهنگسازان برجسته قرن 18 و 18 بر روی ساخته های او مطالعه کردند.

جهت دیگر موسیقی رنسانس با کار آهنگسازان مکتب ونیزی مرتبط است که بنیانگذار آن آدریان ویلارت (حدود 1485-1562) بود. شاگردان او ارگ نواز و آهنگساز آندره آ گابریلی (بین 1500 و 1520 - پس از 1586)، آهنگساز سیپریان دی پوپ (1515 یا 1516-1565) و سایر نوازندگان بودند. اگر آثار Palestrina با وضوح و محدودیت شدید مشخص می شود، پس ویلارت و پیروانش یک سبک کرال باشکوه ایجاد کردند. برای دستیابی به صدای فراگیر، نواختن تامبر، از چندین گروه کر در ترکیب بندی ها استفاده کردند که در مکان های مختلف معبد قرار داشتند. استفاده از رول کال بین گروه های کر باعث شد تا فضای کلیسا با جلوه های بی سابقه ای پر شود. این رویکرد آرمان‌های انسان‌گرایانه دوران را به‌طور کلی منعکس می‌کرد - با شادی، آزادی، و خود سنت هنری ونیزی - با تمایلش به هر چیزی روشن و غیر معمول. در کار استادان ونیزی، زبان موسیقی نیز پیچیده تر شد: با ترکیب های جسورانه آکوردها، هارمونی های غیرمنتظره پر شد.

شخصیت برجسته رنسانس کارلو گسوالدو دی ونوسا (حدود 1560-1613)، شاهزاده شهر ونوسا، یکی از بزرگترین استادان مادریگال سکولار بود. او به عنوان یک انسان دوست، نوازنده عود و آهنگساز به شهرت رسید. شاهزاده ژسوالدو با شاعر ایتالیایی تورکواتو تاسو دوست بود. جالب ترین نامه ها باقی مانده است که در آن هر دو هنرمند در مورد موضوعات ادبیات، موسیقی و هنرهای زیبا بحث می کنند. Gesualdo di Venosa بسیاری از اشعار تاسو را به موسیقی تنظیم کرد - اینگونه بود که تعدادی از مادریگال های بسیار هنری ظاهر شدند. به عنوان نماینده اواخر رنسانس، آهنگساز نوع جدیدی از مادریگال را ایجاد کرد که در آن احساسات در وهله اول بودند - طوفانی و غیرقابل پیش بینی. از این رو، نوسانات در حجم، لحن هایی شبیه به آه و حتی هق هق، آکوردهای تند و تند و تغییرات متضاد در سرعت، مشخصه آثار اوست. این تکنیک ها به موسیقی ژسوالدو شخصیتی رسا و تا حدودی عجیب و غریب می بخشید؛ موسیقی معاصران را تحت تأثیر قرار می دهد و در عین حال جذب می کند. میراث Gesualdo di Venosa از هفت مجموعه مادریگال های چند صدایی تشکیل شده است. در میان ترکیبات معنوی - "سرودهای مقدس". امروز هم موسیقی او شنونده را بی تفاوت نمی گذارد.

توسعه ژانرها و فرم های موسیقی دستگاهی. موسیقی دستگاهی نیز با ظهور ژانرهای جدید مشخص شده است، به ویژه کنسرت ساز. ویولن، هارپسیکورد، ارگ به تدریج به سازهای تک نواز تبدیل شدند. موسیقی نوشته شده برای آنها امکان نشان دادن استعداد نه تنها برای آهنگساز، بلکه برای مجری را نیز فراهم کرد. اول از همه، فضیلت گرایی (توانایی کنار آمدن با مشکلات فنی) ارزش گذاری شد که به تدریج برای بسیاری از نوازندگان به یک هدف و ارزش هنری تبدیل شد. آهنگسازان قرون هفدهم تا هجدهم معمولاً نه تنها موسیقی می ساختند، بلکه به نواختن سازها و فعالیت های آموزشی مشغول بودند. رفاه هنرمند تا حد زیادی به مشتری خاص بستگی دارد. به عنوان یک قاعده، هر نوازنده جدی در آرزوی به دست آوردن جایگاهی در دربار یک پادشاه یا یک اشراف ثروتمند بود (بسیاری از نمایندگان اشراف ارکسترهای خود را داشتند یا خانه های اپرا) یا در معبد. علاوه بر این، بیشتر آهنگسازان به راحتی موسیقی کلیسا را ​​با خدمات حامی سکولار ترکیب کردند.

انگلستان. زندگی فرهنگی انگلستان در دوران رنسانس ارتباط تنگاتنگی با اصلاحات داشت. در قرن شانزدهم، پروتستانتیسم در سراسر کشور گسترش یافت. کلیسای کاتولیک موقعیت غالب خود را از دست داده است، دولت تبدیل شده است کلیسای انگلیکان، که از به رسمیت شناختن برخی جزمات (مفاد اساسی) کاتولیک خودداری کرد. بسیاری از صومعه ها دیگر وجود نداشتند. این رویدادها بر فرهنگ انگلیسی از جمله موسیقی تأثیر گذاشت. بخش های موسیقی در دانشگاه های آکسفورد و کمبریج افتتاح شد. در سالن‌های اشراف، سازهای کیبورد به صدا در می‌آمدند: بکر (نوعی هارپسیکورد)، ارگ قابل حمل (کوچک) و غیره. آهنگ‌های کوچکی که برای نواختن موسیقی خانگی در نظر گرفته شده بود محبوب بودند. برجسته ترین نماینده فرهنگ موسیقی آن زمان ویلیام برد (1543 یا 1544-1623) - ناشر موسیقی، ارگ نواز و آهنگساز بود. پرنده جد مادریگال انگلیسی شد. آثار او به دلیل سادگی (او از ابزارهای پیچیده چند صدایی اجتناب می کرد)، اصالت فرمی که متن را دنبال می کند و آزادی هارمونیک قابل توجه است. همه ابزارهای موسیقی برای تأیید زیبایی و لذت زندگی، در مقابل سختگیری و خویشتن داری قرون وسطایی فراخوانده شده اند. در ژانر مادریگال، آهنگساز پیروان زیادی داشت.

پرنده همچنین آثار معنوی (دسته ها، مزامیر) و موسیقی دستگاهی خلق کرد. او در آهنگسازی برای دختر باکره از انگیزه های آهنگ ها و رقص های محلی استفاده می کرد.

ویلیام برد در مقدمه یکی از مجموعه‌های موسیقی خود نوشت: آهنگساز واقعاً می‌خواست موسیقی‌ای که می‌نویسد «با خوشحالی حداقل کمی لطافت، آرامش و سرگرمی را به همراه داشته باشد».

آلمان پیوند فرهنگ موسیقی آلمان با جنبش اصلاح طلبی. در قرن شانزدهم، اصلاحات در آلمان آغاز شد، و به طور قابل توجهی تغییر مذهبی و زندگی فرهنگیکشورها. اصلاح طلبان به لزوم تغییر در محتوای موسیقایی عبادت متقاعد شده بودند. این به دو دلیل بود. تا اواسط قرن پانزدهم. مهارت چند صدایی آهنگسازانی که در ژانرهای موسیقی کلیسا کار می کردند به پیچیدگی و پیچیدگی فوق العاده ای رسید. گاه آثاری خلق می شد که به دلیل غنای آهنگین صداها و آوازهای طولانی، برای اکثریت اهل محله قابل درک و تجربه معنوی نبود. علاوه بر این، این سرویس به زبان لاتین انجام شد که برای ایتالیایی ها قابل درک بود، اما برای آلمانی ها بیگانه بود.

بنیانگذار جنبش اصلاحات، مارتین لوتر (1483-1546)، معتقد بود که اصلاح موسیقی کلیسا لازم است. موسیقی، اولا، باید به مشارکت فعال تر اهل محله در عبادت کمک کند (این در هنگام اجرای آهنگ های چندصدایی غیرممکن بود)، و ثانیاً، باعث ایجاد همدلی با رویدادهای کتاب مقدس شود (که با انجام خدمات به زبان لاتین مانع شد). بنابراین، الزامات زیر بر آواز کلیسا تحمیل شد: سادگی و وضوح ملودی، حتی ریتم، و شکل واضح آواز خواندن. بر این اساس، یک شعار پروتستانی بلند شد - ژانر اصلیموسیقی کلیسایی رنسانس آلمان. در سال 1522 لوتر ترجمه کرد عهد جدیدبه آلمانی - از این به بعد امکان جشن گرفتن خدمات به زبان مادری آنها فراهم شده است.

خود لوتر و همچنین دوستش، تئوریسین موسیقی آلمانی یوهان والتر (1490-1570)، در انتخاب ملودی ها برای گروه های همخوانی مشارکت فعال داشتند. منابع اصلی چنین ملودی ها ترانه های عامیانه معنوی و سکولار بودند - که به طور گسترده شناخته شده و قابل درک است. ملودی هایی برای برخی از گروه های همخوانی که لوتر خودش ساخته است. یکی از آنها، "خداوند صخره ماست" در این دوره به نمادی از اصلاحات تبدیل شد جنگ های مذهبیقرن شانزدهم

Meistersingers و هنر آنها. صفحه درخشان دیگری از موسیقی آلمانی رنسانس با کار مایسترسینگرها (به آلمانی: Meistersinger - "خواننده استاد") - شاعران و خوانندگانی از محیط صنعتگران مرتبط است. آنها نوازندگان حرفه ای نبودند، بلکه اول از همه صنعتگران - اسلحه سازان، خیاطان، لعاب کاران، کفاشان، نانوایان و غیره بودند. اتحادیه شهر چنین نوازندگانی شامل نمایندگان صنایع دستی مختلف بود. در قرن شانزدهم، انجمن های مایسترسینگر در بسیاری از شهرهای آلمان وجود داشت.

Meistersingers آهنگ های خود را طبق قوانین سختگیرانه می ساختند، ابتکار خلاقانه توسط بسیاری از محدودیت ها محدود می شد. یک مبتدی باید ابتدا بر این قوانین تسلط پیدا می کرد، سپس یاد می گرفت که چگونه آهنگ بخواند، سپس برای ملودی های دیگران شعر بسازد، و تنها پس از آن می توانست خلق کند. آهنگ خود. آهنگ های مایسترسینگرها و مینی سینگرهای معروف به عنوان ملودی نمونه در نظر گرفته شد.

استاد خوانند برجسته قرن شانزدهم. هانس ساکس (1494-1576) از یک خانواده خیاط بود، اما آنجا را ترک کرد. خانه والدینو به آلمان سفر کرد. جوان در سرگردانی خود، هنر کفاشی را آموخت، اما مهمتر از همه، با هنر عامیانه آشنا شد. ساکس تحصیلات خوبی داشت، ادبیات باستان و قرون وسطی را به خوبی می دانست و کتاب مقدس را به زبان آلمانی می خواند. او عمیقاً با ایده های اصلاحات آغشته بود ، بنابراین او نه تنها ترانه های سکولار ، بلکه آهنگ های معنوی نیز نوشت (در مجموع حدود شش هزار آهنگ). هانس ساکس همچنین به عنوان یک نمایشنامه نویس مشهور شد (به مقاله "هنر تئاتر رنسانس" مراجعه کنید).

آلات موسیقی رنسانس. در دوران رنسانس، ترکیب آلات موسیقی به طور قابل توجهی گسترش یافت، انواع جدیدی به سیم ها و بادی های موجود اضافه شد. در میان آنها، جایگاه ویژه ای توسط ویولاها اشغال شده است - خانواده ای از سیم های کمانی که زیبایی و اصالت صدا را شگفت زده می کند. از نظر شکل، آنها شبیه سازهای خانواده ویولن مدرن (ویولن، ویولا، ویولن سل) هستند و حتی پیشینیان بلافصل آنها به حساب می آیند (آنها تا اواسط قرن 18 در تمرین موسیقی همزیستی داشتند). با این حال، یک تفاوت وجود دارد و یک تفاوت قابل توجه. ویولاها دارای سیستم طنین زنی هستند. به عنوان یک قاعده، تعداد آنها به اندازه اصلی است (شش تا هفت). ارتعاش سیم‌های طنین‌دار صدای ویولا را نرم و مخملی می‌سازد، اما استفاده از ساز در ارکستر دشوار است، زیرا به دلیل تعداد زیاد سیم‌ها به سرعت از کوک خارج می‌شود.

برای مدت طولانی صدای ویولا الگویی از پیچیدگی در موسیقی محسوب می شد. سه نوع اصلی در خانواده ویولا وجود دارد. ویولا دا گامبا ساز بزرگی است که نوازنده آن را به صورت عمودی قرار می دهد و با پاهای خود از دو طرف نیشگون می گیرد (کلمه ایتالیایی گامبا به معنای "زانو" است). دو گونه دیگر - viola da braccio (از آن. braccio - "ساعد") و viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola of love") به صورت افقی جهت‌گیری می‌شدند و هنگام پخش روی شانه فشار می‌دادند. ویولا دا گامبا از نظر گستره صوتی به ویولن سل نزدیک است، ویولا دا براچیو به ویولن و ویولا دامور نزدیک به ویولا است.

در میان سازهای کنده شده رنسانس، عود (لهستانی lutnia، از عربی "alud" - "درخت") جایگاه اصلی را اشغال می کند. این ساز در اواخر قرن چهاردهم از خاورمیانه به اروپا آمد و در آغاز قرن شانزدهم رپرتوار عظیمی برای این ساز وجود داشت. ابتدا آهنگ هایی به همراهی عود خوانده می شد. عود بدن کوتاهی دارد. قسمت بالایی صاف است و قسمت پایینی شبیه یک نیمکره است. یک گردن به گردن پهن وصل شده است که با فرک ها تقسیم می شود و سر ساز تقریباً با زاویه قائم به عقب خم می شود. در صورت تمایل می توانید شباهت آن به کاسه ای به شکل عود را مشاهده کنید. دوازده سیم به صورت جفت گروه بندی می شوند و صدا هم با انگشتان و هم با یک صفحه مخصوص - یک پلکتوم - استخراج می شود.

در قرن 15 و 16 بوجود آمد انواع مختلفصفحه کلید انواع اصلی چنین سازهایی - هارپسیکورد، کلاویکورد، جمبالو، ویرجینال - به طور فعال در موسیقی رنسانس استفاده می شد، اما اوج واقعی آنها بعداً رسید.

دوران رنسانس عالی.

(از تاریخ موسیقی ایتالیا از سال 1500)

رنسانس دوره تغییر در تمام زمینه های هنر - نقاشی، معماری، مجسمه سازی، موسیقی است. این دوره نشان دهنده گذار از قرون وسطی به امروز است. دوره بین 1500 و 1600، نامیده می شود رنسانس بالا، بیشترین است دوره انقلابیدر تاریخ موسیقی اروپا، این قرنی است که در آن هارمونی شکل گرفت و اپرا متولد شد.

در قرن شانزدهم، چاپ موسیقی برای اولین بار گسترش یافت، در سال 1501، چاپگر کتاب ونیزی، اوتاویانو پتروچی، "Harmonice Musices Odhecaton" را منتشر کرد - اولین مجموعه بزرگ. موسیقی سکولار. این انقلابی در اشاعه موسیقی بود و همچنین به غالب شدن سبک فرانسوی-فلاندری کمک کرد. زبان موسیقیاروپا در قرن بعد، از زمان ایتالیایی بودن، پتروچی عمدتاً موسیقی آهنگسازان فرانسوی-فلاندری را در مجموعه خود گنجاند. متعاقباً آثار و آهنگسازان ایتالیایی زیادی اعم از سکولار و معنوی منتشر کرد.

ایتالیا به مرکز خلق هارپسیکورد و ویولن تبدیل می شود. بسیاری از کارگاه های ویولن باز می شود. یکی از اولین استادان بود آندریا معروفآماتی از کرمونا، که پایه و اساس یک سلسله سازندگان ویولن را بنا نهاد. او تغییرات قابل توجهی در طراحی ویولن های موجود ایجاد کرد که باعث بهبود صدا و نزدیک شدن آن به ظاهر مدرن شد.
فرانچسکو کانوا دا میلانو (1497 - 1543) - یک نوازنده برجسته ایتالیایی عود و آهنگساز رنسانس، برای ایتالیا به عنوان کشوری از نوازندگان فاضل شهرت ایجاد کرد. او هنوز هم بهترین عود نواز تمام دوران محسوب می شود. پس از افول اواخر قرون وسطی، موسیقی به یک عنصر مهم فرهنگ تبدیل شد.
در دوران رنسانس، مادریگال به اوج توسعه خود رسید و محبوب ترین شد ژانر موسیقیعصر. مادریگالیست ها به دنبال خلق هنر عالی بودند و اغلب از اشعار بازسازی شده شاعران بزرگ ایتالیایی اواخر قرون وسطی استفاده می کردند: فرانچسکو پترارکا، جووانی بوکاچیو و دیگران. بارزترین ویژگی مادریگال عدم وجود قوانین ساختاری دقیق بود، اصل اصلی بیان آزادانه افکار و احساسات بود.
آهنگسازانی مانند نماینده مکتب ونیزی، Cypriano de Rore، و نماینده مکتب فرانسوی-فلاندری، Roland de Lassu، با افزایش کروماتیسم، هارمونی، ریتم، بافت و سایر ابزارهای بیان موسیقی آزمایش کردند. تجربه آنها ادامه خواهد داشت و در دوران منریست کارلو ژسوالدو به اوج خود می رسد.
در سال 1558، ژوزففو زارلینو (1517-1590)، بزرگترین نظریه پرداز موسیقی از زمان ارسطو تا دوران باروک، اصول هارمونیکا را ایجاد کرد، در این بزرگترین آفرینش علم موسیقی قرن شانزدهم، او مفهوم باستانی را احیا کرد. یک عدد قابل قبول، توجیه نظری و زیبایی شناختی سه گانه بزرگ و کوچک را اثبات کرد. تدریس او در مورد موسیقی تأثیر قابل توجهی بر علم موسیقی اروپای غربی گذاشت و اساس بسیاری از ویژگی های بعدی ماژور و مینور را تشکیل داد.

تولد اپرا (دوربین فلورانس)

پایان رنسانس با مهمترین رویداد در تاریخ موسیقی - تولد اپرا مشخص شد.
گروهی از اومانیست ها، موسیقی دانان و شاعران در فلورانس تحت نظارت رهبر خود کنت جیووانی دی بردی (1534 - 1612) گرد هم آمدند. این گروه "kamerata" نام داشت، اعضای اصلی آن جولیو کاچینی، پیترو استروزی، وینچنزو گالیله (پدر ستاره شناس گالیله گالیله)، گیلورامو می، امیلیو د کاوالیری و اتاویو رینوچینی در سال های جوانی بودند.
اولین جلسه مستند این گروه در سال 1573 برگزار شد و فعال ترین سال های "فلورانس Camerata" 1577 - 1582 بود.
آنها معتقد بودند که موسیقی "فاسد" است و به دنبال بازگشت به فرم و سبک یونان باستان بودند و معتقد بودند که هنر موسیقی می تواند بهبود یابد و بر این اساس جامعه نیز بهبود یابد. Camerata از موسیقی موجود به دلیل استفاده بیش از حد از چند صدایی به ضرر خوانایی متن و از بین رفتن مؤلفه شعری اثر انتقاد کرد و پیشنهاد ایجاد سبک جدیدی را ارائه کرد که در آن متن به سبک مونودی همراه با موسیقی بدون کلام. آزمایشات آنها منجر به ایجاد یک فرم آوازی و موسیقی جدید شد - خوانندگی که برای اولین بار توسط امیلیو د کاوالیری استفاده شد و متعاقباً مستقیماً با توسعه اپرا مرتبط شد.
در پایان قرن شانزدهم، آهنگسازان شروع به فشار دادن مرزهای سبک های رنسانس کردند، دوران باروک با ویژگی های خاص خود و اکتشافات جدید در موسیقی جایگزین شد. یکی از آنها کلودیو مونتهوردی بود.

مونتوردی. Presso در Fiume Tranquillo.

کلودیو جووانی آنتونیو مونتهوردی (زاده ۱۵ مه ۱۵۶۷ - درگذشته ۲۹ نوامبر ۱۶۴۳) آهنگساز، موسیقی‌دان و خواننده ایتالیایی بود. مهمترین آهنگساز باروک، آثار او اغلب انقلابی در نظر گرفته می شوند، که نشان دهنده گذار موسیقی از رنسانس به باروک است. او در عصری زندگی می‌کرد که تغییر بزرگی در موسیقی داشت و خود کسی بود که آن را تغییر داد.

Monteverdi. Venite، Venite.

مونتوردی. از اپرای "اورفیوس"

اولین اپرای رسمی شناخته شده که مطابق با استانداردهای مدرن است، اپرای "دافنه" (Daphne) بود که برای اولین بار در سال 1598 ارائه شد. نویسندگان "دافنه" Jacopo Peri و Jacopo Corsi، لیبرتو توسط Ottavio Rinuccini بودند. این اپرا باقی نمانده است. اولین اپرای بازمانده «اوریدیک» (1600) از همان نویسندگان - یاکوپو پری و اتاویو رینوچینی است. این اتحادیه خلاق هنوز هم آثار زیادی خلق کرد که بیشتر آنها از بین رفته اند.

جاکوپو پری. تو دورمی، ای من دولچه سونو.

جاکوپو پری. Hor che gli augelli.

موسیقی کلیسایی قرن شانزدهم.

قرن شانزدهم با تأثیر بسیار قوی کلیسای کاتولیک و تفتیش عقاید آن بر توسعه هنر و علم در اروپا مشخص می شود. در سال 1545، شورای ترنت، یکی از مهم ترین شوراها در تاریخ کلیسای کاتولیک، تشکیل جلسه داد که هدف آن پاسخگویی به جنبش اصلاح طلبی بود. به ویژه موسیقی کلیسا در این کلیسای جامع مورد توجه قرار گرفت.
برخی از نمایندگان به دنبال بازگشت به سرود تک صدای گریگوری و حذف کنترپوان از سرودها بودند، قبلاً ممنوعیت ضمنی استفاده از سبک چندصدایی در موسیقی مقدس، از جمله تقریباً همه سکانس ها، وجود داشت. دلیل این موضع این باور بود که موسیقی چندصدایی به دلیل پیچیدگی‌های متضاد، متن را به پس‌زمینه می‌برد و در عین حال هارمونی موسیقایی اثر نیز نقض می‌شود.
کمیته ویژه ای برای حل اختلاف تشکیل شد. این کمیسیون، جیوانی پیرلوئیجی دا پالسترینا (1514-1594)، یکی از بزرگترین آهنگسازان موسیقی کلیسا، را مأمور ساخت توده های محاکمه، با در نظر گرفتن همه الزامات طرفین، کرد. Palestrina سه توده شش صدایی، از جمله معروف ترین "مسیس پاپ مارسلوس" خود را ایجاد کرد که به پاپ مارسلوس دوم، حامی او در جوانی تقدیم شده بود. این آثار تأثیر شدیدی بر روحانیون گذاشت و به اختلافات پایان داد، سخنرانی ها علیه استفاده از کنترپوان در موسیقی کلیسا متوقف شد.
کار جیووانی پیرلوئیجی پالسترینا اوج توسعه موسیقی مقدس ضد پوزیتی a capella است که همه ترکیب‌های ممکن چند صدایی و وضوح متون را با هم ترکیب می‌کند.

فلسطین. سیکات سرووس.

فلسطین. گلوریا

عقب به جلو

توجه! پیش نمایش اسلاید فقط برای اهداف اطلاعاتی است و ممکن است گستره کامل ارائه را نشان ندهد. اگر به این کار علاقه مند هستید، لطفا نسخه کامل آن را دانلود کنید.

این درس برای دانش آموزان کلاس پنجم در سال دوم تحصیل در رشته ادبیات موسیقی برگزار می شود.

هدف از درس: آموزش فرهنگ زیبایی شناختی دانش آموزان از طریق آشنایی با موسیقیدوره رنسانس.

اهداف درس:

• ارائه ایده ای از نقش موسیقی و نواختن موسیقی در زندگی مردم رنسانس؛
• آشنایی با آلات موسیقی، ژانرها، آهنگسازان رنسانس؛
• آشنایی با آثار موسیقی رنسانس اروپا؛
• توسعه مهارت در تجزیه و تحلیل شنیداری ابتدایی موسیقی؛
• شکل گیری درکی از رابطه بین انواع مختلف هنر.
• آموزش درک عاطفی از آثار هنری.
• توسعه تفکر و گفتار دانش آموزان؛
• گسترش افق ها

نوع درس:درس یادگیری یک موضوع جدید

تجهیزات درسی:ارائه چند رسانه ای، کامپیوتر.

مواد موسیقی:

• W. Bird، قطعه برای "Volta" بکر;
• F. da Milano "فانتزی" شماره 6 برای عود;
• صحنه ای از فیلم "الیزابت": ملکه ولتا می رقصد (فیلم);
• I. Alberti "Pavan and Galliard" (ویدئو);
• آهنگ محلی انگلیسی "Green Sleeves"؛
• J.P. Palestrina "Mass of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei";
• O. Lasso "Echo";
• J. di Venosa madrigal "Moro, lasso, al mio duolo";
• J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice".

در طول کلاس ها

I. لحظه سازمانی

II. به روز رسانی دانش

در درس آخر در مورد فرهنگ و نقاشی رنسانس صحبت کردیم.

- نام دیگر این دوران (به فرانسوی "رنسانس") چیست؟
رنسانس چه قرن هایی را در بر می گیرد؟ چه دورانی تغییر کرد؟

نام این دوره از کجا آمده است؟ چه چیزی را می خواستید "احیا کنید"؟

رنسانس در کدام کشور زودتر از کشورهای دیگر آغاز شد؟

- به کدام شهر ایتالیا «مهد رنسانس» می گویند؟ چرا؟

- چه هنرمندان بزرگی در فلورانس زندگی می کردند؟ کار آنها را در نظر بگیرید.

- تفاوت خلاقیت آنها با هنر قرون وسطایی چیست؟

III. بررسی یک موضوع جدید

امروز به دوران رنسانس برمی گردیم. خواهیم فهمید که موسیقی آن زمان چگونه بود. بیایید با آلات موسیقی دوره رنسانس آشنا شویم، آنها را ببینیم و صدای اصیل آنها را بشنویم. و همچنین با آهنگسازان برجسته رنسانس و شاهکارهای آنها ملاقات خواهیم کرد.

IV. کار با ارائه

اسلاید 1.صفحه عنوان.

اسلاید 2.موضوع درس ما "موسیقی رنسانس" است. چارچوب زمانی - قرن XIV-XVI.

اسلاید 3.خلاصه درس. چگونه این کلمات را درک می کنید؟

... هیچ موجود زنده ای روی زمین وجود ندارد
شیطان بسیار سخت، باحال و جهنمی
به طوری که او حداقل برای یک ساعت نتوانست
در آن، موسیقی برای ایجاد یک انقلاب.
(ویلیام شکسپیر)

اسلاید 4.در دوره رنسانس، نقش هنر در زندگی فرهنگی جامعه افزایش می یابد. آموزش هنری به عنوان یک جنبه مهم از رشد یک فرد نجیب، شرط آموزش خوب شناخته می شود.

کنترل کلیسا بر جامعه ضعیف شده است، نوازندگان آزادی بیشتری پیدا می کنند. شخصیت نویسنده، فردیت خلاق، بیش از پیش در ترکیب بندی ها آشکارتر می شود. در دوران رنسانس، مفهوم " آهنگساز».

برای توسعه موسیقی بسیار مهم شد اختراع چاپ موسیقیدر پایان قرن پانزدهم. در سال 1501، ناشر ایتالیایی Ottaviano Petrucci اولین مجموعه موسیقی خانگی را منتشر کرد. نوشته های جدید خیلی سریع منتشر و توزیع شد. حالا هر شهروند طبقه متوسط ​​می تواند برای خودش موسیقی بخرد. در نتیجه، ساخت موسیقی شهری به سرعت شروع به توسعه می کند و تعداد فزاینده ای از مردم را تحت پوشش قرار می دهد.

اسلاید 5. آلات موسیقیدوره رنسانس. برنجی، زهی، کیبورد.

اسلاید 6. عود- محبوب ترین ساز رنسانس. به سازهای زهی اشاره دارد. در ابتدا عود را با ترانه می نواختند، اما در قرن پانزدهم شروع به نواختن با انگشتان کردند.

اسلاید 7.بدنش شبیه گلابی دو نیم شده است. عود دارای یک گردن کوتاه با فرچه است که در زاویه قائم خم شده است.

اسلاید 8.عود از ساز عربی به نام الود (در عربی به معنی درخت) سرچشمه گرفته است. در قرن هشتم عود در جریان فتح اسپانیا توسط اعراب از شمال آفریقا وارد اروپا شد و در دربار بسیاری از اشراف اسپانیایی ریشه دوانید. با گذشت زمان، اروپایی ها فرت (تقسیمات روی تخته فرت) را به ud اضافه کردند و آن را "عود" نامیدند.

اسلاید 9.زن و مرد هم عود می نواختند.

اسلاید 10.عود فشرده و سبک بود، می‌توانستید آن را همه جا با خود ببرید.

اسلاید 11.موسیقی لوت نه با نت، بلکه با کمک تبلچر ضبط شد. نگاه کنید: تابلوی عود شامل 6 خط است که سیم ها را نشان می دهد. فرت ها شماره گذاری شده اند، مدت ها در بالا هستند.

اسلاید 12. اگر عود را افراد طبقات مختلف می نواختند، آنگاه فقط یک فرد بسیار ثروتمند می توانست یک ساز از خانواده ویول را بخرد. ویولاها گران بودند، آنها از چوب های گرانبها ساخته می شدند و با نقاشی های زیبا و جواهرات تزئین شده بودند. ویولاها اندازه های مختلفی داشتند. در این تصویر، فرشتگان محبوب ترین گونه های ویول - دا گامبا و دا براشیا را بازی می کنند.

اسلاید 13. ویولادر ایتالیایی - "بنفش". صدای ویولا بسیار دلنشین بود: نرم، ملایم و بلند.

اسلایدهای 14، 15.نام ویولا دا براشیا از آن ترجمه شده است ایتالیایی"دست، شانه". این نام ویول های کوچکی بود که در طول بازی روی شانه نگه داشته می شدند.

اسلاید 16.ویولا دا گامبا - "پا". اندازه آن بزرگ بود، هنگام بازی باید بین زانوها نگه داشته می شد یا روی ران قرار می گرفت. این ویولاها معمولا توسط مردان نواخته می شد.

اسلاید 17.آیا دقت کرده اید که ویول ها به کدام سازهای کلاسیک شباهت زیادی دارند؟ برای ویولن، ویولن سل. بیایید ویولا دا گامبا را با ویولن سل مقایسه کنیم.

کمی بعد صدای ویولز را خواهیم شنید.

اسلاید 18.بکر. ساز صفحه کلید مستطیلی شکلمعمولا بدون پا طبق اصل دستگاه، یکی از پیشروهای پیانوفورته بود. اما از نظر کیفیت صدا به چنگ و عود نزدیکتر بود. تن او با نرمی و لطافت متمایز بود.

اسلاید 19.چه کسی معنی کلمه انگلیسی را می داند باکره? باکره، دختر حدس بزنید چرا آنها این ساز را "دخترانه" نامیدند؟بیشتر اوقات، دختران جوان متولد نجیب باکره بازی می کردند. مشخص است که حتی ملکه انگلیس، الیزابت اول، به ویرجینال علاقه زیادی داشت و آن را به خوبی بازی می کرد.

اسلاید 20. ویلیام برد- بزرگترین آهنگساز انگلیسی، ارگ نواز و هارپسیکورد نواز زمان الیزابت. در سال 1543 متولد شد، در سال 1623 درگذشت. او به عنوان نوازنده دربار خدمت کرد. او بسیاری از آثار معنوی، مادریگال ها و قطعات برای باکره ساخت.

گوش می دهیم:قطعه W. Bird برای "Volta" باکره

اسلاید 21-24.هنرمندان دوره رنسانس اغلب فرشتگان موسیقی را بر روی بوم های خود به تصویر می کشیدند. چرا؟ این یعنی چی؟ چرا فرشتگان به موسیقی نیاز دارند؟ مردم چطور؟

اسلاید 25.ببینید چه گروه بزرگی از نوازندگان. چی بازی میکنن چه احساسی دارند؟ با هم خوبن؟ سخنان شکسپیر با این تصویر مطابقت دارد؟ کلمه کلیدی در این آیات چیست؟ اتحاد، وفاق

گوش کنید که تارها چقدر دوستانه هستند
آنها به صفوف می پیوندند و صدایی می دهند ، -
انگار مادر، پدر و پسر جوان
در وحدت شادی می خوانند.
در کنسرت به ما می گویند تار
که راه تنهایی مثل مرگ است.

اسلاید 26. ژانرهای دستگاهی دوران رنسانس به 3 نوع تقسیم می شد: رونویسی آثار آوازی، قطعات فاخر یک انبار بداهه نوازی (موتور ماشین غنی، پیش درآمد، فانتزی)، قطعات رقص (پاوان، گالیارد، ولتا، مورسکا، سالتارلا).

اسلاید 27. فرانچسکو دا میلانو- عود نواز و آهنگساز معروف ایتالیایی قرن شانزدهم که معاصران او را "الهی" می نامیدند. او صاحب قطعات متعددی برای عود است که در سه مجموعه متحد شده اند.

گوش می دهیم: F. da Milano "فانتزی" برای عود

اسلاید 28. در رنسانس، نگرش به رقص تغییر می کند. از یک شغل گناه آلود و ناشایست، رقص به یک لوازم جانبی واجب تبدیل می شود. زندگی سکولارو تبدیل به یکی از ضروری ترین مهارت های یک انسان شریف می شود. توپ ها به طور محکم در زندگی اشراف اروپایی گنجانده شده است. چه رقص هایی مد بود؟

اسلاید 29. ولتا – رقص محبوبقرن شانزدهم ایتالیایی تبار. نام ولتا از کلمه ایتالیایی voltare گرفته شده است که به معنای چرخش است. سرعت ولتاژ سریع است، اندازه آن سه برابر است. حرکت اصلی رقص: آقا به شدت بلند می شود و خانم را در حال رقصیدن با او در هوا می چرخاند. علاوه بر این، این حرکت باید به وضوح و با ظرافت انجام شود. و فقط مردان آموزش دیده می توانند با این رقص کنار بیایند.

ما نگاه می کنیم:قسمتی از فیلم ویدئویی "الیزابت"

اسلاید 30- یک رقص آهسته رسمی با منشاء اسپانیایی. نام پاوانا از کلمه لاتین pavo - طاووس گرفته شده است. اندازه پاوان دو قسمتی است، سرعت آن کند است. آنها آن را می رقصیدند تا عظمت و لباس مجلل خود را به دیگران نشان دهند. مردم و بورژوازی این رقص را اجرا نکردند.

اسلاید 31.گالیارد(از ایتالیایی - شاد، شاد) - رقص متحرک. در شخصیت گالیارد، خاطره خاستگاه عامیانه رایج رقص حفظ شده است. با پریدن و حرکات ناگهانی مشخص می شود.

پاوان و گالیارد اغلب یکی پس از دیگری اجرا می شدند و نوعی سوئیت را تشکیل می دادند.

اکنون قطعه ای از کنسرت گروه موسیقی اولیه "Hesperion XXI" را مشاهده خواهید کرد. رهبر آن است جوردی ساوال- نوازنده ویولن سل، نوازنده گامبو و رهبر ارکستر اسپانیایی، یکی از معتبرترین نوازندگان امروزی، که موسیقی باستانی را به طور اصیل اجرا می کند (همانطور که در زمان ایجاد آن صدا می کرد).

اسلاید 32. ما نگاه می کنیم: I. آلبرتی "پاوان و گالیارد".

اجرا توسط گروه موسیقی اولیه "Hespèrion XXI" جی ساوال.

اسلاید 33. ژانرهای آوازیرنسانس به دو دسته کلیسایی و سکولار تقسیم شد. «سکولار» به چه معناست؟ توده و شعار در کلیسا به صدا درآمد. خارج از کلیسا - کاکا، بالاتا، فروتولا، ویلانلا، شانسون، مادریگال.

اسلاید 34.آواز کلیسا به اوج پیشرفت خود می رسد. زمان چندصدایی «سخت نویسی» است.

برجسته ترین آهنگساز پلی فونیک رنسانس، جیوانی پیرلوئیجی دا ایتالیایی بود. فلسطین. نام مستعار او - Palestrina - نام شهری را دریافت کرد که در آن متولد شد. او در واتیکان کار می کرد و از او دفاع می کرد موقعیت های موسیقیتحت حکومت پاپ

جرم- یک قطعه موسیقی متشکل از دعا به زبان لاتین، که در طول یک مراسم در کلیسای کاتولیک به صدا در می آید.

گوش می دهیم: G. P. da Palestrina "Mas of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei"

اسلاید 35.آهنگ های سکولار انگلیسی تصنیف "آستین سبز"- امروزه بسیار محبوب است. کلمات این آهنگ به پادشاه انگلیسی هنری هشتم نسبت داده شده است. او این اشعار را خطاب به محبوب خود آن بولین، که بعدها همسر دوم او شد، می خواند. آیا می دانید این آهنگ در مورد چیست؟

اسلاید 36.متن آهنگ آستین سبز با ترجمه س.یا.مارشک.

گوش می دهیم:تصنیف انگلیسی "آستین سبز"

اسلاید 37- یکی از برجسته ترین نمایندگان مکتب پلی فونیک هلند. متولد بلژیک، در ایتالیا، انگلستان و فرانسه زندگی کرده است. او در 37 سال آخر عمرش، زمانی که نامش در سراسر اروپا شناخته شده بود، کلیسای دربار در مونیخ را رهبری کرد. او بیش از 2000 اثر آوازی با ماهیت مذهبی و سکولار خلق کرد.

اسلاید 38.شانسون "اکو" برای دو گروه کر چهار قسمتی نوشته شد. گروه کر اول سوالاتی می پرسد، گروه کر دوم مانند پژواک به او پاسخ می دهد.

گوش می دهیم: O. Lasso Chanson "Echo"

اسلاید 39(از کلمه ایتالیایی madre - "مادر") - آهنگی به زبان مادری و مادری. مادریگال یک آهنگ چندصدایی (برای 4 یا 5 صدا) با محتوای غنایی در شخصیتی عالی است. این سبک آوازی در قرن شانزدهم شکوفا شد.

اسلاید 40.جسوالدو دی ونوسا- آهنگساز ایتالیایی قرن شانزدهم، یکی از بزرگترین استادان مادریگال سکولار. او بود شخص مرموز. شاهزاده ای ثروتمند، حاکم شهر ونوسا. جسوالدو که همسر زیبای خیانت را گرفتار حسادت کرد، جان او را گرفت. گهگاه در غم و اندوه فرو می رفت و از همه در قلعه خود پنهان می شد. او در سن 47 سالگی در ذهنی آشفته درگذشت...

او در طول زندگی خود 6 مجموعه مادریگال های پنج قسمتی را منتشر کرد. یکی از ویژگی های سبک G. di Venosa اشباع موسیقی از رنگ آمیزی ها، کنار هم قرار دادن رنگارنگ آکوردهای ناهماهنگ، منحصر به فرد برای زمان خود است. بنابراین ژسوالدو دردهای روحی وحشتناک و عذاب وجدان خود را به موسیقی ترجمه کرد.

معاصران موسیقی او را درک نمی کردند، آنها آن را وحشتناک، خشن می دانستند. موسیقیدانان قرن بیستم از او قدردانی کردند، فیلمی درباره جی.دی ونوسا ساخته شد، کتابهایی نوشته شد و آهنگساز A. Schnittke اپرای Gesualdo را به او تقدیم کرد.

اسلاید 41. Madrigal "Moro, lasso, al mio duolo" یکی از آخرین ساخته های G. di Venosa است. او هم صاحب موسیقی و هم شعر است:

اوه! دارم از غصه میمیرم
اونی که قول خوشبختی داد
با قدرتش منو میکشه!
آه، عزادار گردباد بد!
همونی که نوید زندگی داد
به من مرگ داد

گوش می دهیم: G. di Venosa "Moro, lasso, al mio duolo"

اسلاید 42.در پایان قرن شانزدهم در فلورانس به وجود آمد دوربین فلورانسی- حلقه ای از نوازندگان و شاعرانی که می خواستند احیا کنند تراژدی یونان باستانبا شیوه خاص ذاتی خود در تلفظ متن (چیزی بین گفتار و آواز).

اسلاید 43. تولد اپرا.از این آزمایشات، اپرا متولد شد. در 6 اکتبر 1600، اولین اپرای بازمانده Eurydice در فلورانس برگزار شد. نویسنده آن آهنگساز و خواننده Jacopo Peri است.

گوش می دهیم: J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice"

V. خلاصه درس

- امروز چه چیز جدیدی در مورد رنسانس یاد گرفتید؟

صدای کدام ساز را دوست دارید؟ چگونه؟

– سازهای مدرن عود، ویولا، ویرجینال شبیه چه سازهایی هستند؟

مردم در دوره رنسانس چه می خواندند؟ جایی که؟ چگونه؟

- چرا هنرمندان دوره رنسانس اغلب نوازندگان را به تصویر می کشیدند؟

- به یاد دارید چه موسیقی ای را که امروز در درس شنیدید دوست داشتید؟

VI. تکالیف (اختیاری):

• آهنگ "آستین سبز" را از نت ها بخوانید، کسانی که مایلند می توانند همراهی آن را انتخاب کنند.
• نقاشی های موسیقی هنرمندان دوره رنسانس را پیدا کنید و در مورد آنها صحبت کنید.

1. روندهای کلی در توسعه هنر موسیقی در رنسانس
2. آموزش موسیقی در رنسانس
3. نظریه موسیقی رنسانس. رساله هایی در مورد موسیقی.

• پروژه بوتیک

1. روندهای کلی در توسعه هنر موسیقیدر دوران رنسانس

قرن XIV-XVII در اروپای غربی به زمان تغییرات عمده اجتماعی تبدیل شد. این بار با نام رنسانس (رنسانس) وارد تاریخ فرهنگ شد. این دوره نام خود را در ارتباط با احیای علاقه به هنر باستانی که برای شخصیت های فرهنگی دوران مدرن تبدیل شده است، به خود گرفت. آهنگسازان و نظریه پردازان موسیقی (J. Tinktoris، J. Tsarlino، Glarean و دیگران) رساله های موسیقی یونان باستان را مطالعه کردند. در آثار Josquin Despres، به گفته معاصران، "کمال از دست رفته موسیقی یونانیان باستان احیا شد". در اواخر قرن 16 و اوایل قرن 17 ظاهر شد. اپرا بر اساس قوانین درام باستانی هدایت می شد.

توسعه فرهنگ رنسانس با ظهور همه جنبه های جامعه همراه است. جهان بینی جدیدی متولد شد - اومانیسم (از لاتین humanus - "انسان"). رهایی نیروهای خلاق منجر به توسعه سریع علم، تجارت، صنایع دستی شد و روابط جدید و سرمایه داری در اقتصاد شکل گرفت. اختراع چاپ به گسترش آموزش کمک کرد. عالی اکتشافات جغرافیاییو سیستم خورشید مرکزی جهان N. Copernicus عقاید را در مورد زمین و جهان تغییر داد.

در دوره رنسانس، هنر، از جمله موسیقی، از اعتبار اجتماعی زیادی برخوردار بود و بسیار گسترده بود. در دوران رنسانس، تقریباً همه انواع هنر به شکوفایی خارق‌العاده رسیدند. رنسانس در کشورهای مختلف اروپا دارای مرزهای زمانی ناهموار است. در ایتالیا از قرن چهاردهم شروع می شود، در هلند از قرن 15 شروع می شود و در فرانسه، آلمان و انگلیس نشانه های آن به وضوح در قرن 16 آشکار می شود. با این حال، توسعه پیوند بین مختلف مدارس خلاق، تبادل تجربه بین نوازندگانی که از کشوری به کشور دیگر نقل مکان کردند، در کلیساهای مختلف کار کردند، به نشانه ای از زمان تبدیل می شود و به ما امکان می دهد در مورد روندهای رایج در کل دوران صحبت کنیم.

ایده های احیای آرمان های باستانی اومانیسم و ​​از دست دادن موقعیت آنها توسط کلیسا به کل زندگی فرهنگی گسترش یافت و به طور قابل توجهی بر آموزش موسیقی تأثیر گذاشت. رشد علاقه به علوم باعث گسترش آموزش در زمینه های مختلف شد. اگر در قرون وسطی یک سنت مذهبی غالب بود که تقریباً به طور کامل سنت سکولار را سرکوب می کرد (که عمدتاً به شکل فرهنگ خنیا وجود داشت) و مردم را تحت ممنوعیت نگه می داشت، پس در رنسانس، موسیقی کلیسا و شاخه مذهبی آموزش موسیقی، در حالی که به فعالیت خود ادامه دادند، موقعیت خود را از دست دادند. شاخه سکولار موسیقی سازی و آموزش موسیقی شخصیتی روزافزون به خود گرفت. فرهنگ سکولارموسیقی‌سازی نیز به نوبه‌ی خود، پیوند نزدیکی با موسیقی محلی داشت. بنابراین، به عنوان مثال، منسترها که سنت های عامیانه و سکولار را در کار خود ترکیب می کردند، در رنسانس اغلب شروع به اقامت در دادگاه های عالی ترین اشراف کردند، کار آنها مبنایی برای توسعه موسیقی سکولار شد. در دوران رنسانس، موسیقی نه تنها یک کارکرد لذت‌گرایانه داشت، اگرچه در ساخت موسیقی سکولار نیز اهمیت داشت. هدف آموزش موسیقی و همچنین هرگونه دانش هنری، مانند دوران باستان، کمال اخلاقی انسان مطرح شد. در این زمان، شروع چاپ موسیقی، شکوفایی موسیقی آماتوری بود. همچنین در این زمان، روند بازاندیشی در جایگاه اجتماعی موسیقی آغاز شد. سبک ها و ژانرهای موسیقی بسته به هدف اجتماعی آنها شروع به تغییر کردند. موسیقی «فولکلور» و موسیقی «آموخته» ظاهر شد، برای «عاشقان بی تجربه» و برای «گوش‌های ظریف»، برای «سئولان و شاهزادگان». با همه بدیهیات، گرایش به نخبه گرایی در آموزش موسیقی وجود داشت. در سال 1528، رساله معروف B. Castiglione "The Courtier" نوشته شد - نوعی رمز رفتار در جامعه بالا. اشاره کرد که داشتن آواز و آلات موسیقی نشانه تهذیب معنوی و آموزش واقعاً سکولار است. نقش فزاینده سنت سکولار آموزش موسیقی منجر به تغییر در انواع آن شد. اگر سنت کلیسا عمدتاً بر آواز کرال تکیه داشت، پس سنت سکولار با علاقه به آلات موسیقی مشخص می شود. خوانندگی به اجبار کنار گذاشته نشد، بلکه به اشکال مختلف، از جمله تکنوازی آوازی سکولار و ساخت موسیقی گروهی به خود گرفت. در رنسانس، آواز مونوفونیک با چند صدایی جایگزین می شود، ترکیب های دو و سه گانه گروه های کر ظاهر می شود، نوشتن چند صدایی با سبک سخت به اوج خود می رسد، تقسیم گروه کر به چهار بخش اصلی کر کاملاً ثابت شده است: سوپرانو، آلتو، تنور، باس. . همراه با موسیقی در نظر گرفته شده برای آواز کرالدر کلیسا، موسیقی سکولار کرال (موتت، تصنیف، مادریگال، سانسون) در حقوق آن تأیید شده است.

فرآیند یادگیری نواختن آلات موسیقی، که از موسیقی آوازی. موسیقی دستگاهی به عنوان یک رشته اصیل استقلال یافت فعالیت انسانی. از جمله آلات موسیقی اصلی می توان به عود، چنگ، فلوت، ابوا، ترومپت، ارگ اشاره کرد. انواع مختلف(مثبت، قابل حمل)، انواع هارپسیکورد. ویولن یک ساز عامیانه بود، اما با توسعه سازهای زهی آرشه ای جدید مانند ویولا، این ویولن است که به یکی از آلات موسیقی پیشرو تبدیل می شود. نوع دیگری از ویولا، ویولا دا گامبا، به ویولن سل تبدیل شد. یادگیری نواختن آلات موسیقی، که در اروپای غربی در قرن چهاردهم آغاز شد و نه تنها در سراسر رنسانس، بلکه در دوره‌های بعدی نیز ادامه یافت، بیانگر نیاز معنوی مردم بود که موسیقی کلیسا دیگر ارضا نشد. (وب سایت) به طور کلی، ویژگی های بارز فرهنگ موسیقی رنسانس را می توان شناسایی کرد: توسعه سریع موسیقی سکولار (گسترش ژانرهای سکولار: مادریگال ها، فروتول، ویلانل، "شانسون فرانسوی"، آهنگ های پلی فونیک انگلیسی و آلمانی) هجوم آن به فرهنگ قدیمی موسیقی کلیسا که به موازات فرهنگ سکولار وجود داشت.

گرایش های واقع گرایانه در موسیقی: طرح های جدید، تصاویر مربوط به دیدگاه های انسان گرایانه و در نتیجه ابزارهای جدید بیان موسیقی.

ملودی عامیانه به عنوان سرآغاز اصلی یک اثر موسیقایی. ترانه‌های عامیانه به‌عنوان cantus firmus (ملودی اصلی و تغییرناپذیر تنور در آثار پلی‌فونیک) و در موسیقی استفاده می‌شود. انبار پلی فونیک(از جمله کلیسا). ملودی نرم تر، انعطاف پذیرتر، آهنگین تر می شود، این بیانی مستقیم از تجربیات انسانی است.

توسعه قدرتمند موسیقی چندصدایی و "سبک سخت" (به عبارت دیگر، "چند صدایی آوازی کلاسیک"، زیرا بر اجرای آوازی و کرال متمرکز است). سبک سختگیرانه به معنای رعایت اجباری قوانین تعیین شده است. استادان سبک سختگیرانه بر تکنیک کنترپوان، تقلید و کانون تسلط داشتند. سخت نویسی بر اساس سیستمی از شیوه های کلیسایی دیاتونیک بود. همخوانی ها در هماهنگی غالب هستند، استفاده از ناهماهنگی ها به شدت توسط قوانین خاصی محدود شده بود. حالت اصلی و مینور و سیستم ساعت اضافه شده است. اساس موضوعی سرود گریگوری بود، اما از ملودی های سکولار نیز استفاده می شد و عمدتاً بر چند صدایی دی. پالسترینا و او.

شکل گیری یک نوع جدید از نوازنده - حرفه ای که آموزش موسیقی ویژه ای را دریافت کرد. مفهوم "آهنگساز" برای اولین بار ظاهر می شود.

تشکیل ملی آموزشگاه های موسیقی(انگلیسی، هلندی، ایتالیایی، آلمانی و غیره)؛

ظهور اولین نوازندگان بر روی عود، ویولن، ویولن، هارپسیکورد، ارگ. شکوفایی موسیقی آماتوری؛

ظهور تایپوگرافی

2.آموزش موسیقی در رنسانس

رنسانسنشان دهنده گذار از قرون وسطی به عصر جدید، و بالاتر از همه، به فرهنگ جامعه اولیه بورژوایی است، که در شهرهای ایتالیا سرچشمه گرفت و سپس در شهرهای دیگر توسعه یافت. کشورهای اروپایی. فرهنگ رنسانس یک ویژگی انسان‌گرایانه داشت و ایده‌آل یک شخصیت انسانی به طور هماهنگ توسعه یافته را تأیید می‌کرد. رنسانس به زهد قرون وسطی پایان داد و دستاوردهای فرهنگی دوران باستان را پذیرفت و آنها را با معنای جدیدی پر کرد.

در دوران باستان، هنر عمدتاً برای اهداف آموزشی استفاده می شد. موسیقی به دلیل جهت گیری اخلاقی، وسیله و هدف مهم تربیت اجتماعی و موسیقایی بودن انسان به عنوان ویژگی اجتماعی ارزشمند و تعیین کننده انسان به شمار می رفت. آموزش هنر در آن زمان اساس آموزش به طور کلی محسوب می شد. مترادف اصطلاح "موسیقی" اصطلاح "تحصیل کرده" بود. موسیقی، ادبیات، دستور زبان، طراحی و ژیمناستیک محتوای اصلی آموزش بود که برای رشد پذیرش روح، اخلاقیات آرزوها و احساسات و همچنین قدرت و زیبایی بدن طراحی شده بود. آموزش عمومی در میان یونانیان از آموزش زیبایی شناختی که مبتنی بر موسیقی بود جدایی ناپذیر بود. موسیقی توسط آنها به عنوان وسیله ای جهانی و اولویت دار برای آموزش عمومی و هدف آن درک می شد (اسپارت ها، فیثاغورث، افلاطون، ارسطو). بنابراین، فیثاغورث کیهان را «موسیقی» می‌دانست، همانطور که حالت «موسیقی» (یعنی هماهنگ) به خوبی تنظیم شده بود و تابع آهنگ «صحیح» بود. و از آنجایی که موسیقی منعکس کننده هارمونی است، پس بالاترین هدفوظیفه انسان موزیکال کردن جسم و روح اوست. آیین هماهنگی، زیبایی جسمانی و معنوی، قدرت، سلامتی، ادراک حسی از زندگی به قانون هنر در رنسانس تبدیل می شود. این برای توسعه اشکال آموزش زیبایی شناسی اهمیت تعیین کننده ای داشت. ایده آل آن دوران یک هنرمند تحصیل کرده همه کاره بود - آزاد فرد خلاق، با استعداد فراوان ، برای تأیید زیبایی و هماهنگی در دنیای اطراف خود تلاش می کند. برای مثال، در مدرسه ویتورینو دو فلتر در مانتوا، جوانان یاد گرفتند که هارمونی موسیقی را احساس کنند. در آموزش و پرورش به توانایی آواز خواندن اهمیت زیادی داده شد. مؤسس مکتب معتقد بود که موسیقی حس زمان را توسعه می دهد و معتقد بود که آموزش قبل از هر چیز شامل رشد حساسیت و ادراک می شود و بنابراین عنصر زیبایی شناسی نقش بسیار زیادی در روش تربیتی او ایفا می کند.

عقاید جدیدی در تعدادی از رساله ها در مورد تعلیم و تربیت منعکس شد که در هر یک از آنها قطعاً معنا و نقش هنر در تعلیم و تربیت بیان شده است. از آن جمله می توان به «درباره اخلاق اصیل و علوم آزاد» اثر پائولو ورجریو، «درباره تربیت فرزندان و اخلاق نیکوی آنان» نوشته متئو وجیو، «درباره دستور تعلیم و تعلیم» اثر باتیستو گوارینو، «رساله آموزش رایگان» توسط باتیستو گوارینو اشاره کرد. Eneo Silvio Piccolomini و دیگران. در حلقه ها جامعه متعالی جامعه پیشرفتههمراه با خواندن و نوشتن، آداب سکولار نیاز به توانایی نواختن چندین آلات موسیقی، صحبت به 5-6 زبان داشت. از رساله بالداسار کاستیلیونه "درباره" (قرن شانزدهم)، که قبلاً در بالا ذکر شد، می توانید دریابید که چه الزاماتی برای اشراف در زمینه آموزش موسیقی قرار داده شده است: "... من از یک شخص درباری راضی نیستم اگر او نوازنده نیست، نمی تواند موسیقی را از روی نت بخواند و در مورد سازهای مختلف چیزی نمی داند، زیرا اگر خوب فکر کنید، نمی توانید استراحتی محترمانه و قابل ستایش از کار و مرهم روح های بیمار از موسیقی پیدا کنید. موسیقی مخصوصاً در دادگاه ها مورد نیاز است، زیرا علاوه بر سرگرمی ناشی از خستگی، لذت خانم هایی را نیز به ارمغان می آورد که روحشان، لطیف و نرم، به راحتی با هارمونی آغشته می شود و پر از لطافت می شود. به علاوه در سوالدر مورد اینکه چه نوع موسیقی زیباست: موسیقی که از روی صفحه با اطمینان و به شیوه ای خوب خوانده می شود، تک نوازی با ویولا، نواختن کیبورد یا نواختن چهار ساز آرشه ای. با این حال، کاستیلیونه در هیچ کجا موسیقی چند صدایی کرال را ستایش نمی کند، بدیهی است که معتقد است که عمدتاً هدف خاصی دارد - در کلیسا، در جشن های رسمی.

جهت گیری سکولار آموزش در گسترش دامنه و محتوا تجلی یافت آموزش موسیقیدر مدارس محلی، یتیم خانه ها، و همچنین "هنرستان ها" که در آن زمان ظاهر شد - پناهگاه های تخصصی که در آن کودکان با استعداد موسیقی می توانستند تحصیل کنند. اولین "هنرستان" در ونیز ظاهر شد. آنها به تربیت یتیمان رسیدگی کردند، به آنها آموزش ابتدایی دادند. به پسران صنایع دستی مختلف آموزش داده شد و به دختران آواز خواندن آموختند: معابد متعدد ایتالیا به تعداد زیادی از خوانندگان برای گروه های کر کلیسا نیاز داشتند. در سال 1537 در ناپل کشیش اسپانیایی جیووانی تاپیا اولین هنرستان موسیقی "سانتا ماریا دی لورتو" را ساخت که الگویی برای هنرهای بعدی بود. " هنرستان های " بیشتر در همان شهر. در طول قرن های 16 و 17، پناهگاه های زیادی در ایتالیا افتتاح شد. به تدریج، آموزش موسیقی جایگاه اصلی را در آنها اشغال کرد، نه تنها دانش آموزان یتیم خانه می توانند تحصیل کنند، بلکه با پرداخت هزینه، دانشجویان خارج نیز می توانند تحصیل کنند. نام "کنسرواتوار" پس از از دست دادن معنای اصلی خود، شروع به معنای یک موسسه آموزشی موسیقی کرد.

یکی از اشکال مهم آموزش در آن زمان، مدارس آواز در کلیساهای کاتولیک - متریزا بود. متریزا (به فرانسوی maitre - معلم) یک مدرسه شبانه روزی موسیقی در فرانسه و هلند است که خوانندگان کلیسا را ​​آموزش می دهد. اولین متریز در اوایل قرن هشتم شناخته شد. سیستم آموزشی در چنین مدارسی در قرون وسطی شکل گرفت: آموزش با انجام شد اوایل کودکیو در کنار دروس عمومی شامل آواز، نوازندگی ارگ و همچنین مطالعه تئوری موسیقی بود. از قرن شانزدهم، یادگیری نواختن سایر آلات موسیقی اضافه شده است. حدود 20-30 خواننده در هر متریز تحت هدایت یک گروه کر (maоtre de chapelle) آموزش دیدند. متریزا نقش بسزایی در گسترش آموزش حرفه ای موسیقی ایفا کرد. بسیاری از آهنگسازان برجسته فرانسوی و هلندی چند صدایی G. Dufay، J. Obrecht، J. Okeghem و دیگران در متریس تحصیل کردند.

ویژگی اصلی تعلیم و تربیت انسان گرایانه تمرکز بر شکل گیری فردی تحصیل کرده، از نظر اخلاقی کامل و از نظر جسمی توسعه یافته با جهت گیری اجتماعی کاملاً مشخص بود که در ماهیت عملی آموزش موسیقی تجلی یافت. اشکال اصلی موسیقی سازی عبارت بودند از: کلیسا، سالن، مدرسه و خانه. طبیعتاً سطح و امکانات آموزش موسیقی در اقشار مختلف جامعه متفاوت بود. آموزش جامع و توسعه هماهنگ عمدتاً در اختیار اقلیت اجتماعی بود. در لایه های اجتماعی بالای جامعه، ماهیت عملی آموزش موسیقی به تدریج به سمت عملی شدن می رود و به دلیل ملاحظات مد، اعتبار، سودمندی و غیره، باعث نگرش عمل گرایانه نسبت به موسیقی می شود. آواز کلیسا، فستیوال های محلی، کارناوال ها هنوز اشکالی از آشنایی انبوه با موسیقی باقی مانده بودند. به طور کلی، آموزش دوره رنسانس باعث بیداری علاقه شدید دانش آموزان به دانش، توسعه مهارت ها و توانایی های عملی آنها شد. مدارسی ظاهر شدند که در آن چنین فضای یادگیری ایجاد شد که فرآیند شناخت را به یک فعالیت شاد و جالب برای خود دانش آموز تبدیل کرد. در این دوره، تجسم انواع، بازی ها، درس ها در آغوش حیات وحش بسیار مورد استفاده قرار گرفت. کمک بزرگی به آموزش عمومی توسط سوسیالیست های آرمانگرای اولیه T. More (1478-1535) و T. Campanella (1568-1639)، E. Rotterdam (1466-1536)، Fr. رابله (1494-1553). برای توسعه موسیقی، آموزش و انتشار آثار موسیقی در کشورهای مختلف، اختراع نت موسیقی و انتشار نشریات موسیقی از همان سال های اول قرن شانزدهم اهمیت زیادی داشت. Ottaviano Petrucci در ایتالیا شروع به انتشار توده های Josquin Despres، Obrecht و سپس آثار دیگر معاصران می کند. اولین نسخه موسیقایی نمونه او مجموعه ای از آهنگ ها به نام Harmoniae musices Odhecaton بود. این شامل اقتباس های نویسنده های مختلف از همان آهنگ ها (به عنوان مثال، "فورس تسویه حساب")، از جمله آثار Bunois، Obrecht، Pierre de La Rue، Agricola، Giselin است. متعاقباً ، پتروچی تعدادی مجموعه از آهنگ های پلی فونیک ایتالیایی - frottol را منتشر کرد که به طور گسترده در جامعه مورد استفاده قرار گرفت. Ottaviano Scotto و Antonio Gardane در ونیز، Pierre Attenian در پاریس، Tilman Susato در آنتورپ نیز ناشران اصلی موسیقی زمان خود شدند.

• نظریه موسیقی رنسانس. رساله های موسیقی

در رنسانس، تئوری موسیقی پا پیش گذاشت و تعدادی از نظریه پردازان برجسته را مطرح کرد، از جمله یوهانس تینکتوریس (نویسنده 12 رساله در موسیقی)، راموس دی پارجا، هاینریش لوریتی از گلاروس. گلارین)(بنیانگذار دکترین ملودی) جوزففو کارلینو(از بنیانگذاران علم هارمونی). آموزه حالت ها، رواج دانش موسیقایی، قضاوت در مورد بزرگترین آهنگسازان آن زمان و سیر پیشرفت موسیقی در قرن 15-16، بیداری علاقه به ویژگی های هنر عامیانه، بحث در مورد مشکلات اجرای موسیقی. - این مناطق از اواخر قرن پانزدهم و در سراسر قرن شانزدهم تحت پوشش علم موسیقی قرار گرفتند. همه نظریه پردازان اصلی در تدریس فعال بودند.

یوهانس (جان) تینکتوریس(حدود 1435 - 1511) - نظریه پرداز و آهنگساز موسیقی فرانسوی-فلاندری. او "هنرهای لیبرال" و حقوق را مطالعه کرد، مربی گروه کر پسران کلیسای جامع شارتر بود. از سال 1472 او در دربار پادشاه ناپل فردیناند اول خدمت کرد و معلم موسیقی دخترش بئاتریس بود که در سال 1476 ملکه مجارستان شد. تینکتوریس سه رساله موسیقایی-نظری را به شاگرد خود بئاتریس تقدیم کرد، از جمله رساله معروف Determinant of Music. مشخص است که در سال 1487 فردیناند اول، تینکتوریس را با دستوراتی برای استخدام خوانندگان برای کلیسای سلطنتی نزد شاه چارلز هشتم به فرانسه فرستاد. تینکتوریس حتی در طول زندگی خود از شهرت زیادی برخوردار بود ، از او در میان مشهورترین موسیقیدانان یاد می شود. 12 رساله از Tinctoris باقی مانده است که مشهورترین آنها رساله "تعیین کننده موسیقی" ("Terminorum musicae diffinitorum"، حدود 1472-73) بود.

اولین فرهنگ لغت سیستماتیک موسیقایی-اصطلاحاتی در تاریخ موسیقی که شامل حدود 300 اصطلاح است. ما بقیه آثار Tinctoris را لیست می کنیم:

رساله «تمام تأثیر موسیقی» («Complexus effectuum musices, ca. 1473-1474) طبقه بندی و توصیفی رنگارنگ از هدف موسیقی بود.

رساله "تناسبات موسیقی" ("Proportionale musices"، حدود 1473-1474) آموزه باستانی فیثاغورث مبانی عددی هنر موسیقی را توسعه داد. با رساندن پیچیدگی روابط ریتمیک قاعدگی به حد نهایی، Tinktoris به ریتم هایی در نسبت های 7:4، 8:5، 17:8، 13:5، 14:5 (مصادف با ریتم سریال قرن بیستم) رسید.

- «کتاب نقص نت های موسیقی» («Liber imperfectionum notarum musicalium»، حدود 1474-75); (سایت اینترنتی)

رساله قوانین ارزشهای یادداشت (Tractatus de regulari valore notarum، حدود 1474-75) و رساله در مورد یادداشت ها و استراحتها (Tractatus de notis et pausis، حدود 1474-75) به سازمان دهی مترویتمی اختصاص داده شده است. موسیقی

- «کتاب ماهیت و خواص مدها» («Liber de natura et proprietate tonorum»، 1476)

در مورد ساختار سیستم مودال؛

- "کتاب هنر کنترپوان" ("Liber de arte contrapuncti"، 1477)

آموزه بنیادی ترکیب بندی متضاد، که «8 قانون کلی کنترپوان» را ترسیم می کند، بین کنترپوان «ساده» و «گلی»، تفاوت بین اثری با متن ثابت و متن بداهه و غیره تمایز قائل می شود.

- «رساله در مورد تغییرات» («Tractatus alterationum»، بعد از 1477);

- "مقاله در مورد نقاط موسیقی" ("Scriptum super punctis musicalibus"، پس از 1477) - در ریتم.

- "توضیحات دست" ("Guidon's") ("Expositio manus"، پس از 1477) - در مورد صداهای سیستم موسیقی؛

- "درباره اختراع و کاربرد موسیقی" ("De discovere et usu musicae"، 1487) - در مورد آواز و خوانندگان، سازها و نوازندگان.
یکی از اولین Tinctoris مفهوم "آهنگساز" را معرفی کرد، یعنی نویسنده اثر، "که چند کانتوس جدید نوشت."

یکی از بزرگترین دانشمندان موسیقی دوره رنسانس - گلارین(1488 - 1563)، او صاحب رساله "دوازده رشته" (1547) است. گلرین در سوئیس به دنیا آمد و در دانشگاه کلن هنر خواند. پس از استاد شدن در هنرهای آزاد به تدریس شعر، موسیقی، ریاضیات، یونانی و زبان های لاتین. او در اینجا در بازل با اراسموس روتردام آشنا شد. گلارین استدلال می‌کرد که موسیقی، مانند نقاشی، باید خارج از تعلیمات مذهبی باشد، بیش از همه لذت را ارائه دهد، و «مادر لذت» باشد. گلارین مزایای موسیقی مونودیک را در رابطه با چند صدایی توجیه می کند، در حالی که از دو نوع نوازنده صحبت می کند: آواز و سمفونیست. اولی ها تمایل طبیعی به ساختن یک ملودی دارند، دومی - برای ایجاد ملودی برای دو، سه یا چند صدا. او ایده وحدت موسیقی و شعر، اجرای دستگاهی و متن را اثبات می کند. در تئوری موسیقی، گلارین مفاهیم ماژور و مینور را اثبات کرد و در مورد سیستم دوازده آهنگی صحبت کرد. همچنین، نظریه پرداز علاوه بر مشکلات تئوری موسیقی، تاریخ موسیقی را، توسعه آن، اما تنها در چارچوب رنسانس، با نادیده گرفتن موسیقی قرون وسطی مورد توجه قرار داده است. گلرین آثار آهنگسازان معاصر Josquin Despres، Obrecht، Pierre de La Rue را مطالعه کرد.

راموس دی پارجا(1440-1490) - نظریه پرداز، آهنگساز و معلم اسپانیایی. او عمدتاً در ایتالیا کار می کرد. در دهه 1470 او به عنوان یک نظریه پرداز و معلم معتبر موسیقی شناخته می شد. قلم او متعلق به رساله «موسیقی عملی» («Musica practica») است. این رساله موجب بحث و انتقاد طولانی از سوی نظریه پردازان محافظه کار ایتالیایی شد. راموس دی پارجا نظرات خود را در مورد آموزه حالت ها و همخوانی ها بیان کرد. او سیستم قرون وسطایی مقیاس های شش مرحله ای (هگزاکورد) را با مقیاس بزرگ هشت مرحله ای مقایسه کرد که در رتبه های سوم و ششم به عنوان همخوان ها قرار گرفت (طبق ایده های قدیمی، فقط اکتاوها و پنجم ها متعلق به همخوان ها بود). در زمینه دکترین ریتم و نت نویسی، راموس دی پارجا با معاصران خود تینکتوریس و گافوری که از حامیان نت نویسی قاعدگی بودند بحث کرد.

نظریه پرداز و آهنگساز برجسته ایتالیایی جوزففو کارلینو(1517-1590) یکی از اعضای فرقه فرانسیسکن بود، به تحصیل در رشته زبان، تاریخ، ریاضیات پرداخت. تزارلینو نزد آهنگساز معروف آدریان ویلارتا (ویلارت) موسیقی آموخت. زارلینو با هنرمندان برجسته زمان خود، به ویژه تیتیان و تینتورتو ارتباط داشت. خود زارلینو به طور گسترده ای شناخته شده بود، یکی از اعضای آکادمی افتخار ونیز بود. در سال 1565، زارلینو مدیر موسیقی St. نام تجاری. این پست مهم به زارلینو اجازه داد تا نه تنها به آهنگسازی، بلکه در نوشتن آثار نظری نیز بپردازد، از جمله "تاسیسات هارمونی" (1588)، "اثبات هارمونی" (1571)، "اضافات موسیقی" (1588). شاخص ترین آثار زارلینو رساله «تاسیس هارمونی» است که در آن اصول اساسی زیبایی شناسی موسیقی رنسانس را بیان می کند. مانند اکثر متفکران این دوره، زارلینو از ستایشگران سرسخت زیبایی شناسی باستان بود. نوشته های او حاوی ارجاعات متعددی به افلاطون، ارسطو، آریستوکسنوس، کوئینتیلیان، بوئتیوس است. زارلینو هم در تفسیر تعدادی از مسائل موسیقی و هم در ساختن ساختار رساله های خود از آموزه های ارسطو در مورد شکل و ماده استفاده گسترده ای می کند.

مرکز زیبایی شناسی زارلینو، دکترین طبیعت است. هارمونی موسیقی. او ادعا می کند که تمام جهان پر از هارمونی است و نفس جهان هماهنگی است. در این راستا، او ایده وحدت کیهان خرد و کلان را به طرز پانتهیستی تفسیر می کند. در رساله تزارلینو، ایده، ویژگی زیبایی شناسی رنسانس، تناسب هماهنگی عینی جهان و هماهنگی ذهنی ذاتی در روح انسان. زارلینو در اثبات این ایده بر آموزه خلقیات متکی است که در زمان او رایج بود. او از این ایده که از کاردانو و تلزیو سرچشمه می‌گیرد استفاده می‌کند که خلق و خوی یک فرد با نسبت معینی از عناصر مادی مانند سرد و گرم، مرطوب و خشک و غیره ایجاد می‌شود. . بنابراین، احساسات انسانی بازتابی از "فیزیک" هماهنگی است، آنها شبیه آن هستند. بر این اساس زارلینو می کوشد تا ماهیت تأثیر موسیقی بر روان انسان را توضیح دهد. رساله زارلینو به شخصیت آهنگساز توجه زیادی دارد. از او نه تنها دانش تئوری موسیقی، دستور زبان، حساب، بلاغت، بلکه مهارت های عملی در زمینه موسیقی نیز می طلبد. ایده آل او موسیقیدانی بود که به طور یکسان در تئوری و عمل موسیقی تسلط داشت.

زارلینو در رساله خود مطرح می کند طبقه بندی جدیدهنر، که از زیبایی شناسی سنتی مفاهیم رنسانس فاصله گرفت. به عنوان یک قاعده، نقش اصلی در این دوره به نقاشی اختصاص داده شد، در حالی که موسیقی به عنوان یک هنر فرعی شناخته شد. تزارلینو با شکستن سیستم های طبقه بندی شده هنرها، موسیقی را در وهله اول قرار داد. زارلینو با توسعه آموزه سنتی مدها، توصیفی زیباشناختی از ماژور و مینور ارائه داد و سه گانه اصلی را شادی آور و سبک و مینور را غمگین و مالیخولیایی تعریف کرد. بنابراین شناخت ماژور و مینور به عنوان قطب های عاطفی اصلی هارمونی موسیقی سرانجام در آگاهی موسیقی اروپا تثبیت شد. زیبایی شناسی تزارلینو بالاترین نقطه در توسعه تئوری موسیقی رنسانس و در عین حال نتیجه و تکمیل آن است. تصادفی نیست که تزارلینو حتی در طول زندگی خود از معاصران خود به رسمیت شناخته شد.

کتابشناسی - فهرست کتب:

1. آلکسیف A.D. تاریخچه هنر پیانو. قسمت 1 و 2. - م.، 1988.
2. Bakhtin M. M. اثر فرانسوا رابله و فرهنگ عامیانهقرون وسطی و رنسانس. - ویرایش دوم - م.، 1990.
3. Gertsman E. تفکر موسیقی عتیقه. - L.، 1986.
4. گروبر آر.آی. فرهنگ موسیقیدنیای باستان - L.، 1937.
5. Evdokimova Yu.K.، Simakova N.A. موسیقی رنسانس. - م.، 1985.
6. کراسنووا O. B. دایره المعارف هنر قرون وسطی و رنسانس. - اولما-پرس، 2002.
7. Losev A.F. زیبایی شناسی رنسانس. - م.: فکر، 1978.
8. زیبایی شناسی موسیقی قرون وسطی اروپای غربی و رنسانس. - م.، 1966.
9. فدوروویچ E.N. تاریخچه آموزش موسیقی. - یکاترینبورگ، 2003.

در سال 1501، چاپگر ونیزی، اوتاویانو پتروچی، Harmonice Musices Odhecaton، اولین مجموعه بزرگ موسیقی سکولار را منتشر کرد. این انقلابی در انتشار موسیقی بود و همچنین به این واقعیت کمک کرد که سبک فرانسوی-فلاندری در قرن بعد به زبان موسیقی غالب اروپا تبدیل شد، زیرا پتروچی به عنوان یک ایتالیایی عمدتاً موسیقی آهنگسازان فرانسوی-فلاندری را شامل می شد. در مجموعه او متعاقباً آثار و آهنگسازان ایتالیایی زیادی اعم از سکولار و معنوی منتشر کرد. در سال 1516، آندریا آنتیکو، چاپگر رومی ونیزی، مجموعه‌ای از فرتول‌ها را برای صفحه کلید منتشر کرد.

به قرن هجدهمدر فرانسه بیش از 400 متریز وجود داشت. در جریان انقلاب بورژوایی در سال 1791 آنها لغو شدند.

موسیقی در دوره قرون XV-XVII.

در قرون وسطی، موسیقی در انحصار کلیسا بود، بنابراین بیشتر آثار موسیقی مقدس بودند، آنها بر اساس سرودهای کلیسا (سرود گریگوری) که از همان آغاز مسیحیت بخشی از دین بود، ساخته شده بودند. در آغاز قرن ششم، ملودی های فرقه ای، با مشارکت مستقیم پاپ گریگوری اول، سرانجام به عنوان مقدس شناخته شدند. سرود گریگوری توسط خوانندگان حرفه ای اجرا شد. پس از اینکه موسیقی کلیسا بر چند صدایی تسلط یافت، سرود گریگوری مبنای موضوعی آثار مذهبی چندصدایی (توده ها، موته ها و غیره) باقی ماند.

اگرچه، در اصل، موسیقی مذهبی باقی ماند، اما تضعیف کنترل کلیسا بر جامعه، آزادی بیشتری را برای آهنگسازان و نوازندگان در تجلی استعدادهای خود باز کرد.

با اختراع دستگاه چاپ، چاپ و توزیع نت امکان پذیر شد و از همان لحظه چیزی که ما موسیقی کلاسیک می نامیم آغاز شد.

در این دوره آلات موسیقی جدید ظاهر شد. محبوب ترین آنها سازهایی بود که دوستداران موسیقی می توانستند به راحتی و بدون نیاز به مهارت خاصی روی آنها بنوازند.

در این زمان بود که ویولا، سلف ویولن ظاهر شد. فرت ها (نوارهای چوبی روی تخته فرت) نواختن آن را آسان می کرد و صدا آرام، ملایم بود و در مکان های کوچک به خوبی پخش می شد.

نیز محبوب بودند سازهای بادی- ضبط، فلوت و بوق. پیچیده ترین موسیقی برای هارپسیکورد تازه ایجاد شده، ویرجینال (هارپسیکورد انگلیسی که با اندازه کوچک مشخص می شود) و ارگ نوشته شده است. در عین حال، نوازندگان فراموش نکردند که موسیقی ساده تری بسازند که نیازی به مهارت های اجرایی بالایی نداشت. در همان زمان، تغییراتی در نوشتن موسیقی به وجود آمد: بلوک‌های چاپ چوبی سنگین با حروف فلزی متحرک که توسط اوتاویانو پتروچی ایتالیایی اختراع شده بود، جایگزین شدند. آثار موسیقایی منتشر شده به سرعت فروخته شد، افراد بیشتری شروع به پیوستن به موسیقی کردند.

باید ببینید: رویدادهای مهم در تاریخ موسیقی کلاسیک در ایتالیا.