فرهنگ و آموزش موسیقی در رنسانس. رنسانس. موسیقی آواز معنوی: Palestrina

مورخ ژول میشله در قرن نوزدهم اولین کسی بود که از مفهوم "رنسانس" استفاده کرد. نوازندگان و آهنگسازانی که در مقاله مورد بحث قرار خواهند گرفت متعلق به دوره ای هستند که در قرن چهاردهم آغاز شد، زمانی که سلطه قرون وسطایی کلیسا با فرهنگ سکولار با علاقه آن به شخص انسانی جایگزین شد.

موسیقی رنسانس

کشورهای اروپایی در زمان های مختلف وارد عصر جدیدی شدند. کمی قبل از آن، آنها در ایتالیا به وجود آمدند، اما مکتب هلندی بر فرهنگ موسیقی تسلط داشت، جایی که برای اولین بار متریس های ویژه (پناهگاه) در کلیساها برای آموزش آهنگسازان آینده ایجاد شد. ژانرهای اصلی آن زمان در جدول ارائه شده است:

بیشتر دوره رنسانس در هلند - این گیوم دوفای، ژاکوب اوبرشت، جوسکوین دسپرس است.

هلندی عالی

یوهانس اوکگماو در کلیسای نوتردام متریسا (آنتورپ) تحصیل کرد، و در دهه 40 قرن 15 در دربار دوک چارلز یکم (فرانسه) به خوانندگی پرداخت. متعاقباً ریاست کلیسای دربار سلطنتی را بر عهده گرفت. او که تا سنین پیری زندگی کرد، میراث بزرگی در همه ژانرها به جا گذاشت و خود را به عنوان یک پلی‌فونیست برجسته معرفی کرد. دست نوشته هایی از 13 توده او به نام کدکس چیگی به دست ما رسیده است که یکی از آنها برای 8 صدا نقاشی شده است. او نه تنها از ملودی های دیگران، بلکه از ملودی های خودش نیز استفاده می کرد.

اورلاندو لاسودر سال 1532 در قلمرو بلژیک مدرن (مونس) متولد شد. خود توانایی موسیقیدر اوایل کودکی ظاهر شد. پسر را سه بار از خانه ربودند تا او را به یک موسیقیدان بزرگ تبدیل کنند. او تمام زندگی بزرگسالی خود را در بایرن گذراند، جایی که به عنوان تنور در دربار دوک آلبرشت پنجم اجرا کرد و سپس کلیسای کوچک را رهبری کرد. تیم بسیار حرفه ای او در تبدیل مونیخ به مرکز موسیقی اروپا، جایی که بسیاری از آهنگسازان مشهور دوره رنسانس از آنجا دیدن کردند، کمک کردند.

استعدادهایی مانند یوهان اکارد، لئونارد لچنر، دی. گابریلی ایتالیایی برای مطالعه به نزد او آمدند. . او آخرین محل استراحت خود را در سال 1594 در قلمرو کلیسای مونیخ یافت و میراثی باشکوه از خود به جای گذاشت: بیش از 750 موتت، 60 توده و صدها آهنگ، که در میان آنها محبوب ترین آنها Susanne un jour بود. موته‌های او ("پیش‌گویی‌های سیبیل‌ها") بدیع بود، اما او به‌خاطر موسیقی سکولارش که طنز زیادی در آن وجود داشت (vilanella O bella fusa) شهرت داشت.

مدرسه ایتالیایی

آهنگسازان برجسته دوره رنسانس از ایتالیا، علاوه بر جهت های سنتی، به طور فعال موسیقی دستگاهی (ارگ، سازهای زهی آرشه ای، کلاویر) را توسعه دادند. عود رایج ترین ساز شد و در پایان قرن پانزدهم هارپسیکورد، پیشرو پیانو ظاهر شد. بر اساس عناصر موسیقی محلی، دو مکتب آهنگساز تأثیرگذار توسعه یافتند: رومی (جیوانی پالسترینا) و ونیزی (آندره گابریلی).

جیووانی پیرلوئیجینام را برد فلسطینبه نام شهر نزدیک رم که در آن متولد شد و در آن خدمت کرد کلیسای اصلیرهبر گروه و نوازنده ارگ. تاریخ تولد او بسیار تقریبی است، اما او در سال 1594 درگذشت. او در طول عمر طولانی خود حدود 100 جرم و 200 متت نوشت. «مسیسه پاپ مارسلوس» او مورد تحسین پاپ پیوس چهارم قرار گرفت و به الگویی از موسیقی مقدس کاتولیک تبدیل شد. جیووانی درخشان ترین نماینده آواز آواز بدون همراهی موسیقی است.

آندره آ گابریلیجووانی به همراه شاگرد و برادرزاده خود در کلیسای سنت مارک (قرن شانزدهم) کار می کرد و آواز گروه کر را با صدای ارگ و سایر سازها "رنگ آمیزی" می کرد. مکتب ونیزی بیشتر به سمت موسیقی سکولار گرایش داشت و در طول ساخت ادیپ سوفوکل بر روی صحنه آندره آ گابریلی، موسیقی کر نوشته شد که نمونه ای از چند صدایی کرال و منادی آینده هنر اپرا بود.

ویژگی های مدرسه آلمانی

زمین آلمانی را به پیش می برد لودویگ سنفل، بهترین پلی فونیست قرن شانزدهم که اما به سطح استادان هلندی نرسید. ترانه های شاعران-خوانندگان از میان صنعتگران (مایسترخوان) نیز از موسیقی های خاص دوره رنسانس است. آهنگسازان آلمانی نماینده شرکت های آواز بودند: قلع سازان، کفاشان، بافندگان. آنها در سراسر قلمرو متحد شدند. نماینده برجسته مکتب آواز نورنبرگ بود هانس ساکس(سالهای زندگی: 1494-1576).

او که در خانواده یک خیاط به دنیا آمد، تمام زندگی خود را به کفاشی کار کرد و با دانش و علایق موسیقیایی و ادبی خود چشمگیر بود. او کتاب مقدس را به تعبیر مصلح بزرگ لوتر خواند، شاعران باستانی را می شناخت و از بوکاچیو قدردانی می کرد. ساکس که یک نوازنده فولک بود، بر فرم های پلیفونی تسلط نداشت، اما ملودی های انبار آهنگ را خلق کرد. آنها به رقص نزدیک بودند، به راحتی قابل یادآوری بودند و ریتم خاصی داشتند. معروف ترین اثر «سرود نقره ای» بود.

رنسانس: نوازندگان و آهنگسازان فرانسوی

فرهنگ موسیقیفرانسه واقعاً در قرن شانزدهم، زمانی که زمینه اجتماعی در این کشور فراهم شد، رنسانس را تجربه کرد.

یکی از بهترین نمایندگان است کلمنت ژانکوین. مشخص است که او در Chatellerault (پایان قرن پانزدهم) به دنیا آمد و از یک پسر آوازخوان به آهنگساز شخصی پادشاه تبدیل شد. از میراث خلاق او، تنها آهنگ های سکولار منتشر شده توسط آتنیان باقی مانده است. 260 نفر از آنها وجود دارد، اما کسانی که در آزمون زمان ایستاده اند شهرت واقعی به دست آورده اند: "آواز پرندگان"، "شکار"، "لرک"، "جنگ"، "فریادهای پاریس". آنها دائما تجدید چاپ می شدند و توسط نویسندگان دیگر برای تجدید نظر استفاده می شدند.

ترانه‌های او چند صدایی و شبیه صحنه‌های کرال بود، جایی که علاوه بر آوازهای اونوماتوپوئا و کنتیلنا، تعجب‌هایی هم وجود داشت که باعث پویایی کار می‌شد. این تلاش جسورانه ای برای یافتن روش های جدید تصویرسازی بود.

از آهنگسازان مشهور فرانسوی می توان به گیوم کوتله، ژاک ماودوی، ژان بایف، کلودین لژون، کلود گودیمل اشاره کرد. , به موسیقی انباری هماهنگ داد که به جذب موسیقی توسط عموم مردم کمک کرد.

آهنگسازان دوره رنسانس: انگلستان

قرن پانزدهم در انگلستان تحت تأثیر آثار جان دابستیل، و شانزدهم - ویلیام برد. هر دو استاد به سمت موسیقی مقدس گرایش داشتند. برد به عنوان نوازنده ارگ ​​در کلیسای جامع لینکلن شروع کرد و کار خود را در کلیسای سلطنتی لندن به پایان رساند. او برای اولین بار توانست موسیقی و کارآفرینی را به هم پیوند دهد. در سال 1575، با همکاری تالیس، آهنگساز در انتشار آثار موسیقی انحصاری شد که هیچ سودی برای او به همراه نداشت. اما دفاع از حق مالکیت آنها در دادگاه ها زمان زیادی را صرف کرد. پس از مرگ او (1623) در اسناد رسمی کلیسای کوچک، او را "بنیانگذار موسیقی" نامیدند.

رنسانس چه چیزی را پشت سر گذاشت؟ پرنده، علاوه بر مجموعه های منتشر شده (Cantiones Sacrae، Gradualia)، نسخه های خطی بسیاری را نگهداری می کرد و آنها را فقط برای عبادت خانگی مناسب می دانست. بعدها مادریگال های منتشر شده (Musica Transalpina) نشان داد نفوذ بزرگنویسندگان ایتالیایی، اما چندین توده و موت در صندوق طلایی موسیقی مقدس گنجانده شدند.

اسپانیا: کریستوبال دی مورالس

بهترین نمایندگان مکتب موسیقی اسپانیا از طریق واتیکان سفر کردند و در کلیسای پاپ اجرا کردند. آنها تأثیر نویسندگان هلندی و ایتالیایی را احساس کردند، بنابراین فقط تعداد کمی از آنها توانستند در خارج از کشور خود مشهور شوند. آهنگسازان دوره رنسانس از اسپانیا چند صدایی بودند که آثار کرال را خلق می کردند. درخشان ترین نماینده کریستوبال دی مورالس(قرن شانزدهم)، که ریاست متریز در تولدو را بر عهده داشت و بیش از یک دانش آموز را تربیت کرد. کریستوبال از پیروان Josquin Despres، تکنیک خاصی را برای تعدادی از آهنگ‌ها به نام هوموفونیک آورده است.

دو رکوئیم نویسنده (آخری برای پنج صدا)، و همچنین توده ای "مرد مسلح" بیشترین شهرت را به دست آورد. او همچنین آثار سکولار نوشت (کانتاتا به افتخار انعقاد پیمان صلح در سال 1538)، اما این به آثار قبلی او اشاره دارد. او که در پایان زندگی خود به کلیسایی در مالاگا رفت، نویسنده موسیقی مقدس باقی ماند.

به جای نتیجه گیری

آهنگسازان رنسانس و آثار آنها شکوفایی موسیقی دستگاهی قرن هفدهم و ظهور یک ژانر جدید - اپرا را آماده کردند که در آن پیچیدگی های بسیاری از صداها با اولویت یکی از رهبران ملودی اصلی جایگزین می شود. آنها یک پیشرفت واقعی در توسعه فرهنگ موسیقی ایجاد کردند و پایه و اساس هنر مدرن را بنا نهادند.

زیبایی شناسی موسیقی رنسانس توسط آهنگسازان و نظریه پردازان به شدت مانند سایر اشکال هنری توسعه یافت. از این گذشته، همانطور که جووانی بوکاچیو معتقد بود که دانته با آثار خود به بازگشت موزها کمک کرد و به شعر مرده جان بخشید، همانطور که جورجیو وازاری در مورد احیای هنرها صحبت کرد، جوزففو زارلینو نیز در رساله تأسیس خود نوشت. هارمونی (1588): "با این حال، آیا این زمان موذیانه ای است؟ تقصیر یا سهل انگاری انسان - اما مردم نه تنها به موسیقی، بلکه برای علوم دیگر نیز ارزش کمی قائل شدند. و تا بالاترین قد بلند شد، به پایین ترین حد سقوط کرد. و بعد از اینکه به او افتخاری ناشناخته داده شد، او را بدبخت، ناچیز و آنقدر کم افتخار می دانستند که حتی دانشمندان نیز به سختی او را می شناختند و نمی خواستند حقش را به او بدهند.

در اوایل قرن 13-14، رساله "موسیقی" توسط استاد موسیقی جان دو گروهئو در پاریس منتشر شد که در آن او به طور انتقادی تجدید نظر کرد. نمایش های قرون وسطاییدر مورد موسیقی او نوشت: «کسانی که تمایل به قصه‌گویی دارند، می‌گویند که موسیقی توسط موسی‌هایی که در نزدیکی آب زندگی می‌کردند اختراع شده است. برخی دیگر می گویند که آن را اولیا و پیامبران اختراع کرده اند. اما بوئتیوس، مردی شاخص و نجیب، به نظرات دیگری پایبند است... او در کتاب خود می گوید که فیثاغورث آغاز موسیقی را کشف کرد. به نظر می‌رسید که مردم از همان ابتدا آواز می‌خواندند، زیرا به گفته افلاطون و بوئتیوس، موسیقی ذاتاً برای آنها فطری است، اما پایه‌های آواز و موسیقی تا زمان فیثاغورث ناشناخته بود.

موسیقی، مانند شعر و نقاشی، تنها در قرن پانزدهم و به ویژه در قرن شانزدهم، که با ظهور هر چه بیشتر رساله‌های موسیقی همراه است، ویژگی‌های جدیدی پیدا می‌کند.

گلارین (هاینریش لوریس از گلاروس، 1488-1563)، نویسنده اثر موسیقی "دوازده سیم" (1547)، در سوئیس متولد شد، در دانشگاه کلن در بخش هنر تحصیل کرد. استاد هنرهای لیبرال به تدریس شعر، موسیقی، ریاضیات، یونانی و لاتین در بازل مشغول است که از علایق حیاتی آن دوران صحبت می کند. در اینجا با اراسموس روتردام دوست شد.

گلارین

گلارین به موسیقی، به‌ویژه موسیقی کلیسا نزدیک می‌شود، زیرا هنرمندانی که به نقاشی و نقاشی‌های دیواری در کلیساها ادامه می‌دهند، یعنی موسیقی، مانند نقاشی، باید قبل از هر چیز، خارج از تعلیمات مذهبی و تأمل، لذت بخشند، «مادر لذت باشند. ".

گلارین مزایای موسیقی مونودیک در برابر چندصدایی را اثبات می کند، در حالی که از دو نوع نوازنده صحبت می کند: آواز و سمفونیست: اولی تمایل طبیعی به ساختن یک ملودی دارند، دومی به ایجاد ملودی برای دو، سه یا چند صدا.

گلارین علاوه بر توسعه تئوری موسیقی، تاریخ موسیقی، توسعه آن را نیز در نظر می گیرد، همانطور که معلوم می شود در چارچوب رنسانس کاملاً موسیقی قرون وسطی را نادیده می گیرد. او ایده وحدت موسیقی و شعر، اجرای دستگاهی و متن را اثبات می کند. در توسعه تئوری موسیقی، گلارین با استفاده از دوازده تن، حالت های بادی و یونی را قانونی کرد و بدین وسیله مفاهیم ماژور و مینور را به لحاظ نظری اثبات کرد.

Glarean به توسعه تئوری موسیقی محدود نمی شود، بلکه کار آهنگسازان معاصر Josquin Despres، Obrecht، Pierre de la Rue را در نظر می گیرد. او درباره ژوسکین دپرس با عشق و اشتیاق صحبت می کند، مانند وازاری در مورد میکل آنژ.

جوزففو کارلینو (1517 - 1590) که قبلاً با بیانیه‌اش آشنا هستیم، به مدت 20 سال با کنسرت‌های موسیقی و شکوفایی نقاشی وارد نظم فرانسیسکن در ونیز شد که باعث بیدار شدن حرفه او به عنوان یک موسیقی‌دان، آهنگساز و نظریه‌پرداز موسیقی شد. در سال 1565 او کلیسای سنت را رهبری کرد. علامت گذاری. اعتقاد بر این است که در آهنگسازی "تاسیس هارمونی" تزارلینو به شکل کلاسیک اصول اساسی زیبایی شناسی موسیقی رنسانس را بیان کرد.

جوزففو کارلینو

کارلینو که از افول موسیقی البته در قرون وسطی صحبت کرد، در توسعه دکترین طبیعت خود از زیبایی شناسی باستانی استفاده می کند. هارمونی موسیقی. نوشته‌های فیلسوفان و به‌ویژه فیثاغورثی‌ها تا چه اندازه موسیقی را تجلیل و مقدس می‌دانستند، به روشنی گواه می‌دهد، زیرا آنها معتقد بودند که جهان بر اساس قوانین موسیقی آفریده شده است و حرکت کره‌ها عامل هماهنگی است و روح ما. بر اساس همین قوانین ساخته شده است، از آوازها و صداها بیدار می شود و به نظر می رسد در خواص آن تأثیر حیات بخش دارند.

همانطور که لئوناردو داوینچی نقاشی را ستوده است، زارلینو تمایل دارد موسیقی را در میان هنرهای لیبرال اصلی بداند. اما این علاقه به انواع خاصی از هنر نباید ما را گیج کند، زیرا ما در مورد هارمونی به عنوان یک مقوله زیباشناختی جامع صحبت می کنیم.

جوزففو کارلینو، مانند تیتین، که با او در ارتباط بود، شهرت زیادی به دست آورد، به عضویت آکادمی افتخار ونیز انتخاب شد. زیبایی شناسی وضعیت چیزها را در موسیقی در دوران رنسانس روشن می کند. بنیانگذار مکتب موسیقی ونیزی، آدریان ویلارت (بین 1480/90 - 1568)، هلندی متولد شد. تزارلینو نزد او موسیقی آموخت. موسیقی ونیزی، مانند نقاشی، با شکوه پالت صوتی خود، که به زودی ویژگی های باروک را به دست آورد، متمایز شد.

علاوه بر مکتب ونیزی، بزرگترین و تأثیرگذارترین مکتب رومی و فلورانسی بودند. جامعه شاعران، دانشمندان اومانیست، موسیقیدانان و دوستداران موسیقی در فلورانس، Camerata نامیده می شود. توسط وینچنزو گالیله (1533 - 1591) رهبری شد. اعضای دوربیناتا با اندیشیدن به وحدت موسیقی و شعر، و همزمان با تئاتر، با کنش روی صحنه، ژانر جدیدی را خلق کردند - اپرا.

اولین اپرای «دافنه» اثر جی پری (1597) و «اوریدیک» به متن‌هایی از رینوچینی (1600) هستند. در اینجا یک انتقال از سبک چندصدایی به سبک هموفونیک انجام شد. اینجا بود که برای اولین بار اوراتوریو و کانتاتا اجرا شد.

موسیقی هلند در قرون 15 - 16 غنی از نام آهنگسازان بزرگ است، از جمله Josquin Despres (1440 - 1524)، که زارلینو درباره او نوشت و در دربار فرانسه خدمت کرد، جایی که مکتب فرانسوی-فلاندری توسعه یافت. اعتقاد بر این است که بالاترین دستاورد نوازندگان هلندی، توده کرال a capella بود که مطابق با آرزوی صعودی کلیساهای گوتیک بود.

جاسکین دسپرس

در آلمان هنر اندام در حال توسعه است. در فرانسه، نمازخانه ها در دربار ایجاد می شد و جشنواره های موسیقی برگزار می شد. در سال 1581، هنری سوم سمت "مصوب اصلی موسیقی" را در دربار تأیید کرد. اولین "مدیر اصلی موسیقی" ویولونیست ایتالیایی بالتازارینی دی بلژیوسو بود که "باله کمدی ملکه" را روی صحنه برد، نمایشی که در آن برای اولین بار موسیقی و رقص به عنوان اکشن صحنه ای ارائه می شود. این گونه بود که باله دادگاه پدید آمد.

کلمنت ژانکوین (حدود 1475 - حدود 1560)، آهنگساز برجسته رنسانس فرانسوی، یکی از بنیانگذاران ژانر آواز چندصدایی است. اینها کارهای 4-5 صدایی هستند مانند آهنگ های فانتزی. آهنگ سکولار چند صدایی - chanson - در خارج از فرانسه گسترده شده است.

در دوره رنسانس، موسیقی دستگاهی به طور گسترده توسعه یافت. از جمله آلات موسیقی اصلی عبارتند از عود، چنگ، فلوت، ابوا، ترومپت، اندام های مختلف (مثبت، قابل حمل)، انواع هارپسیکورد. ویولن یک ساز عامیانه بود، اما با توسعه سازهای کمانی زهی جدید مانند ویولا، این ویولن است که به یکی از آلات موسیقی پیشرو تبدیل می شود.

عود رایج ترین و مورد علاقه ترین ساز موسیقی در بسیاری از کشورهای اروپای غربی دوره رنسانس است. او تقریباً در تمام محافل اجتماعی شناخته شده است. در دربارهای سلطنتی، شاهزادگان و دوک ها توسط موسیقیدانان فاضل و هنردوستان نجیب نواخته می شود، دائماً در محافل اومانیستی، در انواع "آکادمی های" قرن شانزدهم، در زندگی خانگی شهروندان، در هوای آزاد به صدا در می آید. در گروه های مختلف از جمله تئاتر.

در طول قرن شانزدهم، چهره های خلاق و درخشان آهنگسازان عود در تعدادی از کشورهای اروپایی به منصه ظهور رسیدند. بزرگترین آنها عبارتند از: فرانچسکو کانوا دا میلانو (1497-1543) و وینچنزو گالیله (حدود 1520-1591) در ایتالیا، لوئیس دی میلان (حدود 1500 - پس از 1560) و میگل دو فوئنلیانا (پس از 1500 - حدود 1579). ) در اسپانیا، هانس (متوفی 1556) و ملکیور (1507-1590) نویزیدلرها در آلمان، جان داولند (1562-1626) در انگلستان، مجارستانی با تولد والنتین گرف بکفارک (1507-1576)، وویچ دلوگوراج (حدود 150) - پس از 1619) و Jakub Reis در لهستان. در فرانسه، مهمترین آهنگسازان عود قبلاً در قرن هفدهم ظاهر شدند. و اگرچه، علاوه بر استادان رده بالای فوق الذکر، بسیاری از نوازندگان برجسته عود یا ویهوئلیست ها در همه جا فعالیت می کردند (اسپانیا به ویژه در آنها غنی بود)، با این وجود، تعداد زیادی از آثار عود پس از آن بدون عود در اروپا توزیع شد. اسامی نویسندگان به نظر می‌رسید که این موسیقی روزمره ناشناس متعلق به همه است: به نظر می‌رسید کشورها کارنامه خود را رد و بدل می‌کنند، رقص‌های آلمانی در مجموعه‌های ایتالیایی ظاهر می‌شوند و رقص‌های ایتالیایی، لهستانی و فرانسوی در رقص‌های آلمانی ظاهر می‌شوند. نامگذاری قطعات بسیار ساده بود: "پاسامزو عالی"، "چیز خوب"، "کورنتا فرانسوی"، "ایتالیایی"، "ونیزی" و غیره.

مجموعه دوم که بعداً دست نویس شد نیز بیش از صد نمایشنامه را در خود جای داده است. نیمی از آنها رقص هستند: پاسامزو، سالتارلو، پاوانه، گالیارد، کورنتای فرانسوی، رقص لهستانی، رقص آلمانی، به سادگی "Nachtanz" یا "Danza"، allmande. علاوه بر این، تعدادی از نمایشنامه ها با نام های «بالماسکه»، «ونیزی»، «برگاماسکا»، «فیامنگا» شخصیت رقصی دارند. همانطور که می بینید منشا رقص ها یا ایتالیایی است یا فرانسوی یا آلمانی یا لهستانی یا اسپانیایی. بر تمام این رپرتوار، مطمئناً پاسامزو غالب است (گاهی اوقات با علامت "Passo mezzo bonissimo" یا "Milanese" یا "Moderno") - یک رقص دو قسمتی یا چهار قسمتی "نیم قدم"، بدون عجله، که قبلاً با آن ترکیب شده است. جفت" - saltarello (رقص "با پرش"، سریع، سه جانبه).

مشهورترین لوتنیست ایتالیایی زمان خود، فرانچسکو دا میلانو (که در دربار دوک گونزاگا در مانتوا خدمت کرد، سپس کاردینال ایپولیتو مدیچی) از سال 1536 شروع به انتشار آثار خود کرد و خیلی سریع هم در ایتالیا و هم در ایتالیا به شهرت رسید. کشورهای دیگر.

Theorbo Gerard Ter Borch (1617-1681) تقریباً 1658

تا پایان قرن شانزدهم و پس از آن سبک کلیموسیقی عود به طور قابل توجهی تغییر می کند. به عنوان مثال، در ایتالیا، او به شیوه خود، کنسرت، ویرتوز می شود. رقص‌ها و آهنگ‌ها در نهایت پردازش پیچیده‌تر و گاه سرسبزتر می‌شوند، اگرچه ارتباط خود را با منابع روزمره از دست نمی‌دهند. به نظر می رسد عود در دست آهنگسازان تلاش می کند تا امکانات خود را تمام کند. در میان قطعات کنسرت G. A. Terzi (1593) هم پاسامزوهای استادانه ارائه شده و هم چرخه های کامل رقص مانند "Ballo Tedesco et Francese" وجود دارد.

وینچنزو گالیله، پدر ستاره شناس بزرگ، در دهه های 1570 و 1580 با ترانه های عود دراماتیک خود توجه معاصران خود را به خود جلب کرد و در نهایت نواخت. نقش مهمدر تهیه مونودی با همراهی، که بر اساس آن اولین اپرا در ایتالیا پدید آمد.

موسیقی ویهولا در قرن شانزدهم در اسپانیا شکوفا شد. بین سال‌های 1535 و 1576 مجموعه‌هایی از آهنگسازان ویهولا، لوئیس میلان ("Maestro"، والنسیا، 1535-1536)، لوئیس دو ناروائز (والادولید، 1538)، آلونسو مودارا (سویل، 1546)، انریکز د والدرابید (1547) منتشر شد. ، دیگو پیسادور (سالامانکا، 1552)، میگل دی فوئنلانا («Orphenica lyra»، سویل، 1554)، استبان داس (والادولید، 1576) و برخی دیگر از استادان.

به همان اندازه شخصیت خلاق میگل دو فوئنلان، نابینا از بدو تولد، یک هنرپیشه در ویهولا، قابل توجه است. او در ناوالکارنارو در نزدیکی مادرید به دنیا آمد، در 1562-1569 یک نوازنده مجلسی برای مارکی دو تاریفا بود، سپس در دربار فیلیپ دوم خدمت کرد و سرانجام، نوازنده دربار ایزابلا والوا شد. مجموعه اورفئوس لیر شامل شش کتاب و شامل 188 اثر است. در میان آنها، اقتباس از آهنگ های آوازی دیگران غالب است، بسیاری از فانتزی ها و تنها چند تاینتو. گویی هیچ چیز جدیدی در اینجا از نظر انواع ژانر وجود ندارد: آنها در میلان نیز یافت می شوند. اما در اصل، فوئنلانا هم به ترکیب فانتزی ها و هم به اقتباس از اصالت های آوازی معنوی و سکولار به روشی متفاوت نزدیک می شود. فانتزی های او زاهدانه تر از میلان است، زیرا آهنگساز برای ارائه چند صدایی پایدار (دو و چهار صدا) تلاش می کند، که با امکانات متوسط ​​ویهولا، تخیل او را در بند می آورد. فوئنلانا در تنظیم‌ها بر آثار آوازی آهنگسازان اسپانیایی سی. مورالس، ایکس واسکوئز، پی و اف. گوئررو تکیه دارد و همچنین به موسیقی جوسکوین دسپرس، آ. ویلارت، اف. وردلو، ان. گومبرت، سی. Festa، J. Arkadelta، Jacquet، L. Eritje، Lupus و دیگران. او توسط بخش هایی از توده ها و موت ها و مادریگال ها و ونلجانسیکوها جذب آنها می شود. در اقتباس‌هایش، او اغلب این نمونه‌های آوازی چندصدایی را برای ویهولا «ترجمه» نمی‌کند، بلکه انواعی از آن‌ها را ایجاد می‌کند، مثلاً برای صدایی با ویهولا یا برای دو صدا. تنها می توان شگفت زده شد که چگونه یک نوازنده نابینا می تواند به این ترتیب در تار و پود پلی فونیک کاوش کند و آن را به شیوه خود "تبدیل" کند، بدون اینکه بتواند بارها به نسخه های اصلی گوش دهد و موسیقی نداشته باشد (آنها هنوز وجود نداشتند). - حداقل با کمک دوستان یا همکاران آنها را مطالعه کنید.

بارتولومئو ونتو نوازنده عود

لورنزو کاستا. "کنسرت" - نقاشی رنسانس

از نظر مقیاس استعداد و پیوند با کشورهای مختلف اروپایی، یک شخصیت خلاق برجسته، والنتین گرف بکفارک، در نیمه دوم قرن شانزدهم برجسته می شود. او در سال 1507 در براسو (کرونشتات، زیبنبورگن) متولد شد و اصالتاً مجارستانی بود (گرف نام خانوادگی مادرش است). سال‌های آموزش موسیقی او ظاهراً در دربار یانوش پادشاه مجارستان سپری شد و بعدها این نوازنده جوان تا زمان مرگ پادشاه در سال 1540 در خدمت او بود. سپس احتمالاً بکفارک از فرانسه دیدن کرد و از سال 1549 نوازنده دربار پادشاه لهستان زیگیزموند آگوست دوم شد. از سال 1551 تا 1554، با یکی از حامیان خود، از کونیگزبرگ، دانزیگ، ووتنبرگ، آگسبورگ، لیون بازدید کرد، در دربار در پاریس بود، بعداً در رم، ونیز - و به دربار لهستان در ویلنا بازگشت. در سال 1553 مجموعه ای از قطعات او برای عود در لیون منتشر شد. در آن زمان، باکفارک قبلاً به یک "آهنگساز-نوازنده عود" برجسته تبدیل شده بود. در سال 1665 تلفیقی جدیدآثار او در کراکوف منتشر شد. در 1566-1568، باکفارک در دربار امپراتور ماکسیمیلیان دوم در وین کار کرد و پس از آن به میهن خود در Siebenburgen بازگشت. سرانجام، در سال 1571، او را در ایتالیا، در پادوآ می یابیم. در آنجا باکفارک در سال 1576 بر اثر طاعون درگذشت.

در انگلستان و فرانسه، موسیقی برای عود که به سختی به اوج خود رسیده بود، به نظر می رسید تجربه خود را به سازهای کیبورد منتقل می کند: ویرجینل در انگلیس و هارپسیکورد در فرانسه. جان داولند، بزرگترین نوازنده لوتن انگلیسی، دوشادوش با باکره‌های اولیه معاصر خود کار می‌کرد. بهترین لوتنیست های فرانسه، از جمله دنیس گوتیه، قبلاً در قرن هفدهم فعال بودند - و نمایندگان نسل اول هارپسیکوردیست ها وارثان فوری آنها بودند.

دوران شکل گیری ملل در موسیقی و قبل از هر چیز در آواز عامیانه بازتاب گسترده ای داشت. ملت‌ها هنوز به طور کامل شکل نگرفته‌اند، اما فولکلور آهنگ ملی در حال حاضر ظهور کرده است - فرانسوی و اسپانیایی، چک و لهستانی، صربی و مجارستانی، آلمانی و هلندی، ایتالیایی و انگلیسی، با مضامین، ژانرها، سیستم لحنی مشخص. بهترین این آهنگ ها و آهنگ ها، که به وضوح بیانگر شخصیت، احساسات و افکار خاص مردم است، به تدریج از فولکلور محلی به یک فرهنگ ملی تبدیل شد.

مادریگال‌های ایتالیایی، آهنگ‌های پلی‌فونیک فرانسوی (شانسون)، آریاها و تصنیف‌های انگلیسی - تصاویر بازتولید شده از طبیعت بومی، زندگی روستایی و شهری؛ درونی ترین تجربیات فردی را که قدم به قدم خود را از قید و بند روابط، سنت ها و تعصبات پدرسالارانه قدیمی رها می کند، آشکار می کند.

تجدید حیات موسیقایی و هنر به معنای دموکراتیک شدن آن، جذابیت گسترده‌تر و جسورانه‌تر به چشمه‌های خلاقیت آهنگ‌های محلی بود. موسیقی حرفه ای - معنوی و سکولار - از اینجا به خوبی نشأت می گرفت.

توسل به ریشه های فولک، به ویژه در شمال غربی اروپا، در انگلستان و هلند، به توزیع گسترده تر موسیقی چند صدایی (چند صدایی) کمک کرد. ژانرهای مختلف آن شکل گرفت: توده، موتت، آدریگال، آواز چندصدایی. راهپیمایی پیروزمندانه چند صدایی با آنچه که قبلاً بیش از آن به دست آمده بود مطابقت داشت سطح بالاتوسعه ملودیک

رنسانس موسیقی به طور یکنواخت، در یک "جریان پیوسته"، بلکه در "چرخه های" عجیب و غریب، که موم و کاهش یافت، توسعه یافت و این یا آن کشور را در اروپا پیش برد.

در قرن چهاردهم. جلوتر هنر نوآورانه درخشان شهرهای شمالی ایتالیا بود. قرن پانزدهم، که با "آرامش" در ایتالیا مشخص شد، به دوره توسعه سریع یکی از قدرتمندترین و گسترده ترین گرایش های رنسانس در موسیقی آن زمان - چند صدایی هلندی تبدیل شد. در قرن شانزدهم. مکتب هلندی پس از اتمام دوران شکوفایی خود در سرزمین مادری خود، مهاجرتی فعال به سایر کشورها و فرهنگ های ملی آغاز می کند، در حالی که ایتالیا وارد دوره درخشان جدیدی می شود که با اوج درخشان ژانر مادریگال و چند صدایی فرقه همراه است. یا دوباره: در زمانی که رنسانس عالی ایتالیا قبلاً با ضد اصلاحات، ژانر اوج فرانسوی ها جایگزین شده بود. رنسانس موسیقی- آهنگ چندصدایی (شانسون) - به بالاترین اوج خود رسید.

ژانری که با توجه به روح زیبایی شناسی رنسانس و با توجه به آرزوهای فرهیخته ترین نمایندگان آن، قرار بود تکمیل کننده و عالی ترین گل رنسانس باشد - اپرا، به عنوان بازسازی تئاتر باستانی - متولد شد. تنها زمانی که ایتالیایی (قرن شانزدهم) رو به اتمام بود و موزیکال تازه ساخته شده تحت تأثیر سبک ها و آرمان های هنری دیگر قرار می گرفت.

شهرهای شمالی ایتالیا - فلورانس و بولونیا، پادوآ و پیزا، پروجا و ریمینی - هنر جدید خود را در موسیقی خلق کردند. نوازندگان برجسته اوایل رنسانس - جان فلورانس، ژیراردلو، فرانچسکو لاندینو، پیترو کازلا - آثار بسیاری از ژانر غنایی و غنایی را برای آواز خواندن با عود و سایر سازهای زهی بر جای گذاشتند. برخی از ساخته های آنها نیز توسط گروه های ساز اجرا می شد. این موسیقی تا حدی با ریشه های فولکلور مرتبط بود و قوی ترین تأثیر اومانیسم اولیه ایتالیا را تجربه کرد. روح رنسانس برای اولین بار به طور گسترده و به طور کامل خود را به طور خالص نشان داد مدرسه سکولارهنر بسیار حرفه ای - مکتبی که آشکارا با چند صدایی کلیسایی "سبک قدیمی" مخالفت می کرد و به طور بی اندازه از اشعار سکولار "نیمه حرفه ای" اکثر تروبادورها و ترووورها، این پیشگامان رنسانس موسیقی پیشی گرفت.

برای اولین بار، ملودی، آهنگین تر و منعطف تر از استادان قرون وسطی، با پیروی از تصاویر، متر و ریتم آن، با شعر ایتالیایی (پترارک و شاعران دیگر) هماهنگ بود. اینها تصاویر ژانر واقع گرایانه با موضوعات مختلف بودند: شکار در کوه ها با هیاهوهای شاخ و ندای شکارچیان. پیاده روی و صحنه سرگرم کننده در صید ماهی; بازرگانان در بازار که برای دعوت از خریداران رقابت می کنند.

در مرکز جنبش ars nova، شخصیت فرانچسکو لندینی اوج می گیرد، هنرمندی غنی و با استعداد همه کاره که تأثیری قوی بر معاصران پیشرفته گذاشت. لندینی در سال 1325 در فیزوله نزدیک فلورانس در خانواده ای نقاش به دنیا آمد. پس از ابتلا به آبله در کودکی برای همیشه نابینا شد. او زود شروع به مطالعه موسیقی کرد (ابتدا آواز خواندن و سپس نواختن سازهای زهی و ارگ) - "برای کاهش وحشت شب ابدی با کمی تسلیت." پیشرفت موسیقی او با سرعت فوق العاده ای پیش رفت و اطرافیانش را شگفت زده کرد. او طراحی بسیاری از سازها را به خوبی مطالعه کرد ("انگار آنها را با چشمان خود دید")، پیشرفت هایی را انجام داد و مدل های جدیدی را اختراع کرد. در طول سال ها، فرانچسکو لندینی از تمام موسیقی دانان معاصر ایتالیایی پیشی گرفت. او به ویژه در نواختن ارگ شهرت داشت و در سال 1364 در حضور پترارک در ونیز تاج گذاری به او نشان داد. اواسط دهه 1360 gg. محققان مدرن آثار اولیه او را به سال های 1365-1370 نسبت می دهند. معروف است که در فلورانس لندینی با شاعران بسیار صحبت می کرد، خود شعر می سرود و به عنوان یک همتراز در مجادلات زیبایی شناختی علمی انسان گرایان شرکت می کرد. لندینی در فلورانس درگذشت و در کلیسای سن لورنزو به خاک سپرده شد. سنگ قبر او تاریخ : 2 شهریور 1397 را دارد. برای مدتی طولانی، تنها تعدادی از نوشته های لندینی منتشر می شد. امروزه 154 ترکیب شناخته شده است.

فرانچسکو لندینی

در قرن پانزدهم. ژانرهای آوازی جدید و دموکراتیک ظاهر شد که با اشکال گسترده تر، باز و اجتماعی زندگی موسیقایی مطابقت داشت. Frottola به ویژه محبوب شده است ، نام آن به معنای واقعی کلمه - "آواز جمعیت" قبلاً از ماهیت پلبی آن صحبت می کند. آهنگسازان فروتولیست به سبکی نزدیک به فولکلور آواز شهرهای ایتالیا می نوشتند. فروتولا با ژانرهای قرن چهاردهم در ملودی آهنگین و رسا و مقیاس اصلی واضح تفاوت داشت.

اما قرن شانزدهم غنی ترین رویدادها در تاریخ هنر موسیقی ایتالیا محسوب می شود و در آن زمان تصویری پیچیده تر از هر یک از قرن های گذشته ارائه می دهد. برخی از جهت ها در نتیجه یک پیشرفت طولانی در اینجا به اوج خود رسیدند (موسیقی چند صدایی آوازی با سبک سخت)، برخی دیگر به شدت پدید آمدند و توسعه یافتند که توسط فضای معنوی این دوره خاص ایجاد شد (موسیقی سکولار در ژانر مادریگال) ، برخی دیگر به طور نامحسوسی بودند. آماده سازی در آستانه یک نقطه عطف جدید که در پایان قرن شانزدهم تا هفدهم رخ داد، زمانی که دوران رنسانس عالی به پایان رسید.

ظهور مکتب رومی به رهبری پالسترینا را نمی توان از نظر ظاهری با دوره ضد اصلاحات مرتبط دانست. با این حال، جوهر واقعی هنر Palestrina این عقیده را تایید می کند که ایده های خلاقانه مهم رنسانس در آن تحقق یافته است، که با این حال، تجسم عجیبی در شرایط تاریخی جدید دریافت کرد.

شروع ضد اصلاحات در تغییر کلی در فضای معنوی که در آن هنر از اواسط تا پایان قرن شانزدهم توسعه یافت، منعکس شد. هنرمندان پیشرفته نمی‌توانستند ظلم ارتجاع کاتولیک را احساس نکنند که «بدعت‌گذاران»، اقدامات تفتیش عقاید، محدودیت‌های تفکر مترقی را مورد آزار و اذیت قرار می‌داد، یعنی در ریشه برنامه اقدامات ضد رنسانس که پاپ اتخاذ کرد. و انجام شد. بالاترین تعادل هنری که در هنر رنسانس عالی به دست آمد، ناگزیر متزلزل و شکسته شد.

جیووانی پیرلوئیجی دا پالسترینا در حدود سال 1525 به دنیا آمد و نام مستعار خود را از محل تولدش (پالسترینا، نزدیک رم) دریافت کرد. از کودکی در کلیسای جامع شهر زادگاهش آواز خواند و از سال 1534 به عنوان خواننده نمازخانه در رم تبدیل شد. از آن لحظه، تقریباً در تمام زندگی خود، پالسترینا با کلیساهای معروف پایتخت پاپ همراه بود. این ارتباط اولیه با فرقه کاتولیک و محافل کاتولیک، دینداری عمیق نهفته در جهان بینی او، نمی توانست بر کار او تأثیر بگذارد. پس از شورای ترنت، افسانه "ناجی موسیقی کلیسا" به پالسترینا چسبید. یکی از توده های او که در خانه یک کاردینال اجرا شد، روحانیون عالی را متقاعد کرد که موسیقی چندصدایی نمی تواند معنای کلمات را پنهان کند و بنابراین تقوای کلیسا را ​​نقض نمی کند. تا پایان دوران خود، پالسترینا تمایلی به تغییر سبک زندگی خود نداشت، اگرچه بسیاری از حاکمان او را به دربار خود دعوت کردند. تنها در سالهای اخیر، احتمالاً پالسترینا که از وظایف خود در رم خسته شده بود، می خواست به میهن خود بازگردد. اما مرگ او در 2 فوریه 1594 مانع از اجرای این نیات شد.

جیووانی پیرلوئیجی دا پالستینا

میراث خلاق Palestrina در گستره خود قابل توجه است. او بیش از 100 توده، بیش از 300 موتت، بیش از 100 مادریگال خلق کرد. موسیقی او تحت تأثیر خلق و خوی متمرکز، آرام و عالی است. شکوفایی خلاقانه Palestrina زمانی حاصل شد که رنسانس برای هنرهای دیگر در حال محو شدن در گذشته بود. او همچنین قله موسیقایی این فرهنگ را تشکیل داد و ایده اصلی آن - ایده هماهنگی کامل انسان و جهان - را با آن زیبایی آرمانی- تعمیم‌دهنده، که پیش از او و پس از او هنوز غیرممکن بود، تجسم بخشید. دیگر در هنر کرال ایتالیا امکان پذیر نیست.

تمام کارهای او با تفسیر روشن رنسانس متمایز می شود: نزدیکی لحنی به فولکلور و نوئل ها، ضبط صداهای رنگارنگ، نقوش تقلید که اینجا و آنجا ظاهر می شوند.

در حالی که رنسانس ایتالیایی، فرانسوی و اسپانیایی در جنوب اروپا یکی از درخشان‌ترین صفحات تاریخ ادبیات و هنر جهان را گشود، در شمال غربی این قاره، در هلند، در قرن پانزدهم شکل گرفت. مدرسه قدرتمند چند صدایی کر. در تاریخ فرهنگ موسیقی کشورش، او به اوج تبدیل شد. با سرعتی شگفت انگیز، شاخه های آن در کشورهای دیگر جوانه زدند. هنر پلی فونیک ایتالیا، فرانسه، اسپانیا و آلمان بر روی تجربه گرانبهای او آموخته و رشد کرده است. اهمیت بین المللی پیدا کرده است. قرن پانزدهم تا شانزدهم - دوران اوج موسیقی هلندی.

مینسترل ها در همه جا پرسه می زدند و مدارس خود را در بروژ و دیگر مراکز تأسیس می کردند. کنسرت های موسیقی ارگ در کلیساها در اوقات فراغت از خدمات برگزار می شد. مدارس یتیم خانه تعطیل شده، به اصطلاح متریز، که خوانندگان و نوازندگان حرفه ای ارگ را از کودکی تربیت می کردند، مراکز آموزش موسیقی و تئوری بودند. استادان پلی‌فونیک بزرگی چون گیوم دوفای، ژیل بنچوا و دیگران از این متریس بیرون آمدند.

اوج در تاریخ مکتب هلندی کار اورلاندو دی لاسو بود. او که اهل فلاندر است (متولد مونس، هاینو، در سال 1532)، در ایتالیا بزرگ شد و مانند پیشینیان خود، فعالیت موسیقی خود را به عنوان یک خواننده آغاز کرد. کمند زندگی سرگردانی بی قراری داشت که نمونه ای از چهره های رنسانس بود. ایتالیا و انگلیس، فرانسه و آنتورپ. او 38 سال گذشته را در مونیخ به عنوان سرپرست گروه در دربار دوک باواریا گذراند، جایی که در سال 1594 درگذشت. او موسیقیدانی نابغه از نظر عمق و قدرت هنر، گستره وسیع و قدرت خلاقانه‌اش بود. کسانی که تیتان های رنسانس نامیده می شدند.

اورلاندو دی لاسو

آهنگساز O. Lasso رهبری ارکستر را بر عهده دارد

بنابراین، هنر موسیقی رنسانس نه تنها با دستاوردهای ملی و محلی (به عنوان مثال، رومی، ونیزی و دیگران) مشخص می شود. مدارس خلاقبلکه با نزدیکی (گاهی اوقات حتی وحدت) تمایلات خلاقانه مهم.

عقب به جلو

توجه! پیش نمایش اسلاید فقط برای اهداف اطلاعاتی است و ممکن است گستره کامل ارائه را نشان ندهد. اگر به این کار علاقه مند هستید، لطفا نسخه کامل آن را دانلود کنید.

این درس برای دانش آموزان کلاس پنجم در سال دوم تحصیل در رشته ادبیات موسیقی برگزار می شود.

هدف از درس: آموزش فرهنگ زیبایی شناختی دانش آموزان از طریق آشنایی با موسیقیدوره رنسانس.

اهداف درس:

• ارائه ایده ای از نقش موسیقی و نواختن موسیقی در زندگی مردم رنسانس؛
• آشنایی با آلات موسیقی، ژانرها، آهنگسازان رنسانس؛
• آشنایی با آثار موسیقی رنسانس اروپا؛
• توسعه مهارت در تجزیه و تحلیل شنیداری ابتدایی موسیقی؛
• شکل گیری درکی از رابطه بین انواع مختلف هنر.
• آموزش درک عاطفی از آثار هنری.
• توسعه تفکر و گفتار دانش آموزان؛
• گسترش افق ها

نوع درس:درس یادگیری یک موضوع جدید

تجهیزات درسی:ارائه چند رسانه ای، کامپیوتر.

مواد موسیقی:

• W. Bird، قطعه برای "Volta" بکر;
• F. da Milano "فانتزی" شماره 6 برای عود;
• صحنه ای از فیلم "الیزابت": ملکه ولتا می رقصد (فیلم);
• I. Alberti "Pavan and Galliard" (ویدئو);
• آهنگ محلی انگلیسی "Green Sleeves"؛
• J.P. Palestrina "Mass of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei";
• O. Lasso "Echo";
• J. di Venosa madrigal "Moro, lasso, al mio duolo";
• J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice".

در طول کلاس ها

I. لحظه سازمانی

II. به روز رسانی دانش

در درس آخر در مورد فرهنگ و نقاشی رنسانس صحبت کردیم.

- نام دیگر این دوران (به فرانسوی "رنسانس") چیست؟
رنسانس چه قرن هایی را در بر می گیرد؟ چه دورانی تغییر کرد؟

نام این دوره از کجا آمده است؟ چه چیزی را می خواستید "احیا کنید"؟

رنسانس در کدام کشور زودتر از کشورهای دیگر آغاز شد؟

- به کدام شهر ایتالیا «مهد رنسانس» می گویند؟ چرا؟

- چه هنرمندان بزرگی در فلورانس زندگی می کردند؟ کار آنها را در نظر بگیرید.

- تفاوت خلاقیت آنها با هنر قرون وسطایی چیست؟

III. بررسی یک موضوع جدید

امروز به دوره رنسانس برمی گردیم. خواهیم فهمید که موسیقی آن زمان چگونه بود. بیایید با آلات موسیقی دوره رنسانس آشنا شویم، آنها را ببینیم و صدای اصیل آنها را بشنویم. و همچنین با آهنگسازان برجسته رنسانس و شاهکارهای آنها ملاقات خواهیم کرد.

IV. کار با ارائه

اسلاید 1.صفحه عنوان.

اسلاید 2.موضوع درس ما "موسیقی رنسانس" است. چارچوب زمانی - قرن XIV-XVI.

اسلاید 3.خلاصه درس. چگونه این کلمات را درک می کنید؟

... هیچ موجود زنده ای روی زمین وجود ندارد
شیطان بسیار سخت، باحال و جهنمی
به طوری که او حداقل برای یک ساعت نتوانست
در آن، موسیقی برای ایجاد یک انقلاب.
(ویلیام شکسپیر)

اسلاید 4.در دوره رنسانس، نقش هنر در زندگی فرهنگی جامعه افزایش می یابد. آموزش هنری به عنوان یک جنبه مهم از رشد یک فرد نجیب، شرط آموزش خوب شناخته می شود.

کنترل کلیسا بر جامعه ضعیف شده است، نوازندگان آزادی بیشتری پیدا می کنند. شخصیت نویسنده، فردیت خلاق، بیش از پیش در ترکیب بندی ها آشکارتر می شود. در دوران رنسانس، مفهوم " آهنگساز».

برای توسعه موسیقی بسیار مهم شد اختراع چاپ موسیقیدر پایان قرن پانزدهم. در سال 1501، ناشر ایتالیایی Ottaviano Petrucci اولین مجموعه موسیقی خانگی را منتشر کرد. نوشته های جدید خیلی سریع منتشر و توزیع شد. حالا هر شهروند طبقه متوسط ​​می تواند برای خودش موسیقی بخرد. در نتیجه، ساخت موسیقی شهری به سرعت شروع به توسعه می کند و تعداد فزاینده ای از مردم را تحت پوشش قرار می دهد.

اسلاید 5. آلات موسیقیدوره رنسانس. برنجی، زهی، کیبورد.

اسلاید 6. عود- محبوب ترین ساز رنسانس. به سازهای زهی اشاره دارد. در ابتدا عود را با ترانه می نواختند، اما در قرن پانزدهم شروع به نواختن با انگشتان کردند.

اسلاید 7.بدنش شبیه گلابی دو نیم شده است. عود دارای یک گردن کوتاه با فرچه است که در زاویه قائم خم شده است.

اسلاید 8.عود از ساز عربی به نام الود (در عربی به معنی درخت) سرچشمه گرفته است. در قرن هشتم عود در جریان فتح اسپانیا توسط اعراب از شمال آفریقا وارد اروپا شد و در دربار بسیاری از اشراف اسپانیایی ریشه دوانید. با گذشت زمان، اروپایی ها فرت (تقسیمات روی تخته فرت) را به ud اضافه کردند و آن را "عود" نامیدند.

اسلاید 9.زن و مرد هم عود می نواختند.

اسلاید 10.عود فشرده و سبک بود، می‌توانستید آن را همه جا با خود ببرید.

اسلاید 11.موسیقی لوت نه با نت، بلکه با کمک تبلچر ضبط شد. نگاه کنید: تابلوی عود شامل 6 خط است که سیم ها را نشان می دهد. فرت ها شماره گذاری شده اند، مدت ها در بالا هستند.

اسلاید 12. اگر عود را افراد طبقات مختلف می نواختند، آنگاه فقط یک فرد بسیار ثروتمند می توانست یک ساز از خانواده ویول را بخرد. ویولاها گران بودند، آنها از چوب های گرانبها ساخته می شدند و با نقاشی های زیبا و جواهرات تزئین شده بودند. ویولاها اندازه های مختلفی داشتند. در این تصویر، فرشتگان محبوب ترین گونه های ویول - دا گامبا و دا براشیا را بازی می کنند.

اسلاید 13. ویولادر ایتالیایی - "بنفش". صدای ویولا بسیار دلنشین بود: نرم، ملایم و بلند.

اسلایدهای 14، 15.نام ویولا دا براشیا از ایتالیایی به عنوان "دست، شانه" ترجمه شده است. این نام ویول های کوچکی بود که در طول بازی روی شانه نگه داشته می شدند.

اسلاید 16.ویولا دا گامبا - "پا". اندازه آن بزرگ بود، هنگام بازی باید بین زانوها نگه داشته می شد یا روی ران قرار می گرفت. این ویولاها معمولا توسط مردان نواخته می شد.

اسلاید 17.آیا دقت کرده اید که ویول ها به کدام سازهای کلاسیک شباهت زیادی دارند؟ برای ویولن، ویولن سل. بیایید ویولا دا گامبا را با ویولن سل مقایسه کنیم.

کمی بعد صدای ویولز را خواهیم شنید.

اسلاید 18.بکر. ساز کیبوردی با شکل مستطیل، معمولاً بدون پایه. طبق اصل دستگاه، یکی از پیشروهای پیانوفورته بود. اما از نظر کیفیت صدا به چنگ و عود نزدیکتر بود. تن او با نرمی و لطافت متمایز بود.

اسلاید 19.چه کسی معنی کلمه انگلیسی را می داند باکره? باکره، دختر حدس بزنید چرا آنها این ساز را "دخترانه" نامیدند؟بیشتر اوقات، دختران جوان متولد نجیب باکره بازی می کردند. مشخص است که حتی ملکه انگلیس، الیزابت اول، به ویرجینال علاقه زیادی داشت و آن را به خوبی بازی می کرد.

اسلاید 20. ویلیام برد- بزرگترین آهنگساز انگلیسی، ارگ نواز و هارپسیکورد نواز زمان الیزابت. در سال 1543 متولد شد، در سال 1623 درگذشت. او به عنوان نوازنده دربار خدمت کرد. او بسیاری از آثار معنوی، مادریگال ها و قطعات برای باکره ساخت.

گوش می دهیم:قطعه W. Bird برای "Volta" باکره

اسلاید 21-24.هنرمندان دوره رنسانس اغلب فرشتگان موسیقی را بر روی بوم های خود به تصویر می کشیدند. چرا؟ این یعنی چی؟ چرا فرشتگان به موسیقی نیاز دارند؟ مردم چطور؟

اسلاید 25.ببینید چه گروه بزرگی از نوازندگان. چی بازی میکنن چه احساسی دارند؟ با هم خوبن؟ سخنان شکسپیر با این تصویر مطابقت دارد؟ کلمه کلیدی در این آیات چیست؟ اتحاد، وفاق

گوش کنید که تارها چقدر دوستانه هستند
آنها به صفوف می پیوندند و صدایی می دهند ، -
انگار مادر، پدر و پسر جوان
در وحدت شادی می خوانند.
در کنسرت به ما می گویند تار
که راه تنهایی مثل مرگ است.

اسلاید 26. ژانرهای سازدوران رنسانس به 3 نوع تقسیم می شد: رونویسی آثار آوازی، قطعات فاخر یک انبار بداهه نوازی (موتور ماشین غنی، پیش درآمد، فانتزی)، قطعات رقص (پاوان، گالیارد، ولتا، مورسکا، سالتارلا).

اسلاید 27. فرانچسکو دا میلانو- عود نواز و آهنگساز معروف ایتالیایی قرن شانزدهم که معاصران او را "الهی" می نامیدند. او صاحب قطعات متعددی برای عود است که در سه مجموعه متحد شده اند.

گوش می دهیم: F. da Milano "فانتزی" برای عود

اسلاید 28. در رنسانس، نگرش به رقص تغییر می کند. رقص از یک شغل گناه آلود و ناشایست به لوازم ضروری زندگی دنیوی تبدیل می شود و به یکی از ضروری ترین مهارت های یک انسان نجیب تبدیل می شود. توپ ها به طور محکم در زندگی اشراف اروپایی گنجانده شده است. چه رقص هایی مد بود؟

اسلاید 29. ولتا– یک رقص محبوب قرن شانزدهم با اصل ایتالیایی. نام ولتا از کلمه ایتالیایی voltare گرفته شده است که به معنای چرخش است. سرعت ولتاژ سریع است، اندازه آن سه برابر است. حرکت اصلی رقص: آقا به شدت بلند می شود و خانم را در حال رقصیدن با او در هوا می چرخاند. علاوه بر این، این حرکت باید به وضوح و با ظرافت انجام شود. و فقط مردان آموزش دیده می توانند با این رقص کنار بیایند.

ما نگاه می کنیم:قسمتی از فیلم ویدئویی "الیزابت"

اسلاید 30- یک رقص آهسته رسمی با منشاء اسپانیایی. نام پاوانا از کلمه لاتین pavo - طاووس گرفته شده است. اندازه پاوان دو قسمتی است، سرعت آن کند است. آنها آن را می رقصیدند تا عظمت و لباس مجلل خود را به دیگران نشان دهند. مردم و بورژوازی این رقص را اجرا نکردند.

اسلاید 31.گالیارد(از ایتالیایی - شاد، شاد) - رقص متحرک. در شخصیت گالیارد، خاطره خاستگاه عامیانه رایج رقص حفظ شده است. با پریدن و حرکات ناگهانی مشخص می شود.

پاوان و گالیارد اغلب یکی پس از دیگری اجرا می شدند و نوعی سوئیت را تشکیل می دادند.

اکنون قطعه ای از کنسرت گروه موسیقی اولیه "Hesperion XXI" را مشاهده خواهید کرد. رهبر آن است جوردی ساوال- نوازنده ویولن سل، نوازنده گامبو و رهبر ارکستر اسپانیایی، یکی از معتبرترین نوازندگان امروزی، که موسیقی باستانی را به طور اصیل اجرا می کند (همانطور که در زمان ایجاد آن صدا می کرد).

اسلاید 32. ما نگاه می کنیم: I. آلبرتی "پاوان و گالیارد".

اجرا توسط گروه موسیقی اولیه "Hespèrion XXI" جی ساوال.

اسلاید 33. ژانرهای آوازیرنسانس به دو دسته کلیسایی و سکولار تقسیم شد. «سکولار» به چه معناست؟ توده و شعار در کلیسا به صدا درآمد. خارج از کلیسا - کاکا، بالاتا، فروتولا، ویلانلا، شانسون، مادریگال.

اسلاید 34.آواز کلیسا به اوج پیشرفت خود می رسد. زمان چندصدایی «سخت نویسی» است.

برجسته ترین آهنگساز پلی فونیک رنسانس، جیوانی پیرلوئیجی دا ایتالیایی بود. فلسطین. نام مستعار او - Palestrina - نام شهری را دریافت کرد که در آن متولد شد. او در واتیکان کار می کرد، در مقام های عالی موسیقی تحت حکومت پاپ مشغول به کار بود.

جرم- یک قطعه موسیقی متشکل از دعا به زبان لاتین، که در طول یک مراسم در کلیسای کاتولیک به صدا در می آید.

گوش می دهیم: G. P. da Palestrina "Mas of Pope Marcello"، بخشی از "Agnus Dei"

اسلاید 35.آهنگ های سکولار انگلیسی تصنیف "آستین سبز"- امروزه بسیار محبوب است. کلمات این آهنگ به پادشاه انگلیسی هنری هشتم نسبت داده شده است. او این اشعار را خطاب به محبوب خود آن بولین، که بعدها همسر دوم او شد، می خواند. آیا می دانید این آهنگ در مورد چیست؟

اسلاید 36.متن آهنگ آستین سبز با ترجمه س.یا.مارشک.

گوش می دهیم:تصنیف انگلیسی "آستین سبز"

اسلاید 37- یکی از برجسته ترین نمایندگان مکتب پلی فونیک هلند. متولد بلژیک، در ایتالیا، انگلستان و فرانسه زندگی کرده است. او در 37 سال آخر عمرش، زمانی که نامش در سراسر اروپا شناخته شده بود، کلیسای دربار در مونیخ را رهبری کرد. او بیش از 2000 اثر آوازی با ماهیت مذهبی و سکولار خلق کرد.

اسلاید 38.شانسون "اکو" برای دو گروه کر چهار قسمتی نوشته شد. گروه کر اول سوالاتی می پرسد، گروه کر دوم مانند پژواک به او پاسخ می دهد.

گوش می دهیم: O. Lasso Chanson "Echo"

اسلاید 39(از کلمه ایتالیایی madre - "مادر") - آهنگی به زبان مادری و مادری. مادریگال یک آهنگ چندصدایی (برای 4 یا 5 صدا) با محتوای غنایی در شخصیتی عالی است. این سبک آوازی در قرن شانزدهم شکوفا شد.

اسلاید 40.جسوالدو دی ونوسا- آهنگساز ایتالیایی قرن شانزدهم، یکی از بزرگترین استادان مادریگال سکولار. او فردی مرموز بود. شاهزاده ای ثروتمند، حاکم شهر ونوسا. جسوالدو که همسر زیبای خیانت را گرفتار حسادت کرد، جان او را گرفت. گهگاه در غم و اندوه فرو می رفت و از همه در قلعه خود پنهان می شد. او در سن 47 سالگی در ذهنی آشفته درگذشت...

او در طول زندگی خود 6 مجموعه مادریگال های پنج قسمتی را منتشر کرد. یکی از ویژگی های سبک G. di Venosa اشباع موسیقی از رنگ آمیزی ها، کنار هم قرار دادن رنگارنگ آکوردهای ناهماهنگ، منحصر به فرد برای زمان خود است. بنابراین ژسوالدو دردهای روحی وحشتناک و عذاب وجدان خود را به موسیقی ترجمه کرد.

معاصران موسیقی او را درک نمی کردند، آنها آن را وحشتناک، خشن می دانستند. موسیقیدانان قرن بیستم از او قدردانی کردند، فیلمی درباره جی.دی ونوسا ساخته شد، کتابهایی نوشته شد و آهنگساز A. Schnittke اپرای Gesualdo را به او تقدیم کرد.

اسلاید 41. Madrigal "Moro, lasso, al mio duolo" یکی از آخرین ساخته های G. di Venosa است. او هم صاحب موسیقی و هم شعر است:

اوه! دارم از غصه میمیرم
اونی که قول خوشبختی داد
با قدرتش منو میکشه!
آه، عزادار گردباد بد!
همونی که نوید زندگی داد
به من مرگ داد

گوش می دهیم: G. di Venosa "Moro, lasso, al mio duolo"

اسلاید 42.در پایان قرن شانزدهم در فلورانس به وجود آمد دوربین فلورانسی- حلقه ای از نوازندگان و شاعرانی که می خواستند احیا کنند تراژدی یونان باستانبا شیوه خاص ذاتی خود در تلفظ متن (چیزی بین گفتار و آواز).

اسلاید 43. تولد اپرا.از این آزمایشات، اپرا متولد شد. در 6 اکتبر 1600، اولین اپرای بازمانده Eurydice در فلورانس برگزار شد. نویسنده آن آهنگساز و خواننده Jacopo Peri است.

گوش می دهیم: J. Peri صحنه از اپرای "Eurydice"

V. خلاصه درس

- امروز چه چیز جدیدی در مورد رنسانس یاد گرفتید؟

صدای کدام ساز را دوست دارید؟ چگونه؟

– سازهای مدرن عود، ویولا، ویرجینال شبیه چه سازهایی هستند؟

مردم در دوره رنسانس چه می خواندند؟ جایی که؟ چگونه؟

- چرا هنرمندان دوره رنسانس اغلب نوازندگان را به تصویر می کشیدند؟

- به یاد دارید چه موسیقی ای را که امروز در درس شنیدید دوست داشتید؟

VI. تکالیف (اختیاری):

• آهنگ "آستین سبز" را از نت ها بخوانید، کسانی که مایلند می توانند همراهی آن را انتخاب کنند.
• نقاشی های موسیقی هنرمندان دوره رنسانس را پیدا کنید و در مورد آنها صحبت کنید.

رنسانس یا رنسانس دوره ای از تاریخ فرهنگ غرب و اروپای مرکزیتقریباً قرون XIV-XVI را پوشش می دهد. این دوره نام خود را در ارتباط با احیای علاقه به هنر باستانی که برای شخصیت های فرهنگی دوران مدرن تبدیل شده است، به خود گرفت. آهنگسازان و نظریه پردازان موسیقی - J. Tinktoris، J. Tsarlino و دیگران - رساله های موسیقی یونان باستان را مطالعه کردند. در آثار Josquin Despres، که با میکل آنژ مقایسه شد، به گفته معاصران، "کمال از دست رفته موسیقی یونانیان باستان احیا شد": در اواخر قرن 16 - اوایل قرن 17 ظاهر شد. اپرا بر اساس قوانین درام باستانی هدایت می شد.

دروس تئوری موسیقی از یک حکاکی قرن شانزدهم.

J. P. Palestrina.

توسعه فرهنگ رنسانس با ظهور همه جنبه های جامعه همراه است. جهان بینی جدیدی متولد شد - اومانیسم (از لاتین humanus - "انسان"). رهایی نیروهای خلاق منجر به توسعه سریع علم، تجارت، صنایع دستی شد و روابط جدید و سرمایه داری در اقتصاد شکل گرفت. اختراع چاپ به گسترش آموزش کمک کرد. عالی اکتشافات جغرافیاییو سیستم خورشید مرکزی جهان N. Copernicus عقاید را در مورد زمین و جهان تغییر داد.

هنرهای زیبا، معماری و ادبیات به شکوفایی بی‌سابقه‌ای رسیدند. نگرش جدید در موسیقی منعکس شد و ظاهر آن را دگرگون کرد. به تدریج از هنجارهای قانون قرون وسطی خارج می شود ، سبک فردی می شود ، مفهوم "آهنگساز" برای اولین بار ظاهر می شود. بافت آثار تغییر می کند، تعداد صداها به چهار، شش یا بیشتر افزایش می یابد (به عنوان مثال، کانون 36 صدایی شناخته شده است که به بزرگترین نماینده مکتب هلند، J. Okegem نسبت داده می شود). همخوانی های همخوان در هماهنگی غالب هستند، استفاده از ناهماهنگی ها به شدت توسط قوانین خاصی محدود شده است (به همخوانی و ناهماهنگی مراجعه کنید). مقیاس های ماژور و مینور و سیستم ساعتی ریتم ها شکل می گیرد که مشخصه موسیقی های بعدی است.

همه این وسایل جدید توسط آهنگسازان برای انتقال سیستم خاصی از احساسات یک مرد رنسانس - عالی، هماهنگ، آرام و باشکوه - استفاده شد. ارتباط بین متن و موسیقی نزدیک‌تر می‌شود، موسیقی شروع به انتقال حال و هوا می‌کند یا همانطور که در آن زمان می‌گفتند تأثیرات متن، کلمات فردی مانند "زندگی"، "مرگ"، "عشق" و غیره شروع می‌شود. اغلب با وسایل موسیقی خاص نشان داده می شوند.

موسیقی رنسانس در دو جهت توسعه یافت - کلیسایی و سکولار. ژانرهای اصلی موسیقی کلیسا - دسته جمعی و موت - کارهای چندصدایی چندصدایی برای گروه کر بدون همراهی یا همراهی با یک گروه ساز (به موسیقی کر، پلیفونی مراجعه کنید). از بین سازها، ارگ ارجحیت داشت.

رشد موسیقی آماتوری به توسعه موسیقی سکولار کمک کرد. موسیقی در همه جا به صدا درآمد: در خیابان ها، در خانه های شهروندان، در کاخ های اشراف زاده. اولین نوازندگان هنرپیشه کنسرت بر روی عود، هارپسیکورد، ارگ، ویولن، انواع مختلف فلوت های طولی ظاهر شدند. در آهنگ های چند صدایی (مادریگال - در ایتالیا، شانسون - در فرانسه)، آهنگسازان در مورد عشق صحبت کردند، در مورد هر چیزی که در زندگی رخ می دهد. در اینجا نام برخی از آهنگ ها آمده است: "شکار گوزن"، "اکو"، "نبرد ماریگنانو".

در قرون XV-XVI. اهمیت هنر رقص افزایش می یابد ، رساله های متعدد و راهنمای عملی در مورد رقص ظاهر می شود ، مجموعه هایی از موسیقی رقص که شامل رقص های محبوب آن زمان - رقص باس ، برانله ، پاوانه ، گالیارد است.

در دوره رنسانس، مدارس موسیقی ملی تشکیل شد. بزرگترین آنها مدرسه پلی فونیک هلندی (فرانسوی-فلاندری) است. نمایندگان آن G. Dufay، K. Janequin، J. Okegem، J. Obrecht، Josquin Despres، O. Lasso هستند. در میان دیگر مدارس ملی ایتالیایی (J. P. Palestrina)، اسپانیایی (T. L. de Victoria)، انگلیسی (W. Byrd)، آلمانی (L. Senfl) هستند.

رنسانس با ظهور ژانرهای موسیقی جدید به پایان می رسد: آهنگ انفرادی، اوراتوریوها، اپراها که شکوفایی واقعی آنها در قرن بعدی می آید (به موسیقی اروپای غربی قرن 17-20 مراجعه کنید).

موسیقی رنسانس

1.موسیقی در همه جا به صدا درآمد: در خیابان ها و میدان ها، در خانه های شهروندان، در کاخ های نجیب زادگان و پادشاهان. موسیقی همراه با صرف و نحو و بلاغت و شعر در اصطلاح «علوم انسانی» قرار گرفت.

موقعیت پیشرو هنوز توسط موسیقی مقدس اشغال شده بود که در طول خدمات کلیسا به صدا در می آمد.

به تدریج، آثار آهنگسازان کلیسا شروع به نفوذ می کنند گرایش های سکولار. مضامین جسورانه به بافت چند صدایی سرودهای کلیسا وارد می شوند آهنگ های محلیاصلا مذهبی نیست اما اکنون با روحیه و حالات عمومی آن دوران منافاتی نداشت. برعکس، در موسیقی، امر الهی و انسانی به طرز شگفت انگیزی با هم ترکیب می شدند.

2. موسیقی مقدس در قرن 15 به اوج خود رسید. در هلند.

در اینجا موسیقی بیش از سایر اشکال هنری مورد احترام بود. آهنگسازان هلندی و فلاندری پیشگام قوانین جدید بودند چند صدایی اجرای (پلی فونیک) - کلاسیک "سبک سخت".

مهمترین تکنیک آهنگسازی استادان هلندی بود تقلید - تکرار یک ملودی در صداهای مختلف. صدای اصلی شد تنور،که ملودی تکراری اصلی به او سپرده شد.

3. رنسانس آغاز بود خلاقیت آهنگساز حرفه ای

موسیقی هلندی اورلاندو لاسو(1532-1594)، بداهه نوازی و منطق بی عیب و نقص را ترکیب می کند.

در ژانر مورد علاقه موتت، او تکنیک های ابتکاری بسیاری را معرفی کرد.

او تلاشی برای تسلط دارد ژانر. دستهاحساسات Lasso Passions را برای هر چهار انجیل ایجاد کرد. آواز انفرادی در آنها وجود نداشت و گروه کر پنج صدایی راه را به ژانر هنر اپرا باز کرد. یکی از شاهکارهای موسیقیآهنگساز شد آهنگ "اکو.

4. جووانی پیرلوئیجی پالسترینا(1525-1594)

او را آخرین پلی فونیست بزرگ می نامند. او در کلیسای جامع سنت پیتر در رم کار می کرد و آهنگساز رسمی پاپ بود. هنر او عاری از احساسات نفسانی، سرشار از هماهنگی و شکوه است.

او درخشان ترین نماینده مدرسه موسیقی کلاسیک در ایتالیا است.

میراث او شامل بسیاری از آثار موسیقی مقدس و سکولار است: 93 دسته، 326 سرود و موت.

5. در آلمانآثار موسیقی مقدس به زبان مادری آنها مرتبط بود. خود مارتین لوتر آهنگ‌هایی را می‌نوشت که قرار بود توسط کل جامعه مذهبی اجرا شود. ملودی های ساده آنها در بین مردم محبوبیت پیدا کرد و آهنگسازان حرفه ای بعداً تنظیم های چندصدایی خود را انجام دادند. (J.S. Bach)

نیز محبوب بودند ژانرهای مینیاتور چندصدایی:

رفتار، موتت

آنها می توانستند متون را به زبان مادری خود وارد کنند.

آواز کرال محبوب ترین نوع ساخت موسیقی بود.

6. شروع به ظاهر شدن کرد ژانرهای کر سکولار:

بالات آ(آهنگ رقص)

شانسون (آهنگ چند صدایی)

و ایتالیایی مادریگال.

7. محبوب ترین ژانر موسیقی سکولار بود مادریگال ها(Madrigale ایتالیایی - آهنگی به زبان مادری) - آهنگ های کر چند صدایی که بر روی متن یک غزل با محتوای عاشقانه نوشته شده است.

اغلب از اشعار استادان مشهور برای این منظور استفاده می شد: دانته، فرانچسکو پترارک و تورکواتو تاسو. مادریگال ها نه توسط خوانندگان حرفه ای، بلکه توسط یک گروه آماتور اجرا می شد که هر قسمت توسط یک خواننده رهبری می شد. خلق و خوی اصلی مادریگال غم و اندوه، مالیخولیا و مالیخولیا است، اما ترکیبات شاد و سرزنده نیز وجود داشت.

مادریگالاز 1520-1620 زندگی می کرد. ایده مادریگال برای رنسانس انقلابی بود، زیرا. وظیفه ترجمه یک متن شاعرانه به موسیقی را تعیین کرد. از همین رو مادریگالبه طور مشروط می توان آن را عاشقانه قرن شانزدهم نامید.

8. ژانر موسیقی سکولار کمتر محبوب بود ترانه همراه با آلات موسیقی برخلاف موسیقی که در کلیسا پخش می شد، اجرای آهنگ ها بسیار ساده بود. متن قافیه آنها به وضوح به مصراعهای 4-6 سطری تقسیم می شد. در آهنگ ها، مانند مادریگال ها، متن اهمیت زیادی پیدا کرد. هنگام اجرا، سطرهای شاعرانه نباید در آواز چندصدایی گم شود.

آوازهای آهنگساز فرانسوی کلمنت ژانکین (1485-1558) که به دلیل توانایی خود در بازتولید صدای حیات وحش در موسیقی مشهور شد، به ویژه مشهور بود.

9. در نیمه دوم قرن شانزدهم، طوفانی توسعه ابزارگرایی. خانواده سازهای زهی و بادی در حال رشد هستند، دامنه آنها در حال گسترش است، موسیقی سکولار و خانگی در حال گسترش است.

به نظر می رسد ژانرهای جدید ساز:

پیش درآمد (قبل از بازی) - بازی مقدماتی

ماشین سواری (قطعه نفیس) - نوشتن چند صدایی،

canzone (آهنگ بدون کلام) - پیشرو فوگ.

10 . نیاز به اجرای عمومی موسیقی وجود دارد.

کنسرت در حال شکل گیری است.

اولین بار در لندن - پولی و در ونیز - با یارانه دادرسی شهر ظاهر شد.

رنسانس با ظهور ژانرهای موسیقی جدید به پایان می رسد: آواز سولو، اوراتوریو و اپرا.

اگر قبلاً معبد مرکز فرهنگ موسیقی بود ، پس از آن زمان موسیقی در خانه اپرا به صدا درآمده است.

توسعه موسیقی کمک کرد اختراع چاپ موسیقی.

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

میزبانی شده در http://www.allbest.ru/

مقدمه

1.2 فرانسه

1.3 ایتالیا

1.3.2 مدرسه ونیزی

1.4 انگلستان

1.5 آلمان

1.6 اسپانیا

2. زیبایی شناسی موسیقی

2.4 Meistersingers و هنر آنها

نتیجه

کتابشناسی - فهرست کتب

مقدمه

رنسانس، یا رنسانس (فر. رنسانس)، نقطه عطفی در تاریخ فرهنگ است. کشورهای اروپایی. جهان بینی تعیین کننده رنسانس، بر خلاف تئوسنتریسم قرون وسطی (مفهومی فلسفی مبتنی بر درک خدا به عنوان مطلق، کامل، عالی ترین موجود، سرچشمه همه حیات و هر خیر) و زهد، اومانیسم (از lat. humanus) بود. - "انسان"، "انسانی"). ارزش فردی شخصیت انسان به منصه ظهور رسیده است و علاقه به درک دنیای اطراف و انعکاس واقع بینانه واقعیت افزایش یافته است. اومانیست ها در دوران باستان به دنبال ایده آل یک فرد هماهنگ بودند و هنر یونان و روم باستان الگویی برای خلاقیت هنری آنها بود. میل به "احیای" فرهنگ باستانی نام خود را به این دوران داد، دوره بین قرون وسطی و عصر جدید (از اواسط قرن هفدهم تا امروز).

نیمه اول قرن پانزدهم به عنوان آغاز رنسانس در موسیقی شناخته می شود. در این زمان، ایده آل رنسانس هماهنگی و زیبایی، هنجارهای سبک به اصطلاح سخت، شکل گرفت. بر خلاف سایر انواع هنر، آرمان ها و معیارهای موسیقی رنسانس، آرمان های دوران باستان نبودند، زیرا نت های موسیقی یونان باستان و روم باستان در قرون 13-16. هنوز به طور کامل رمزگشایی و تجزیه و تحلیل نشده اند. بنابراین، اغلب پایه های آثار موسیقی این عصر، آثار شعری و ادبی دوران باستان بود. بنابراین، برای مثال، تا پایان قرن شانزدهم. آثار اپرا حاوی قوانین دوران باستان بود. در موسیقی، مانند سایر اشکال هنر، گرایش فزاینده ای برای به تصویر کشیدن تنوع جهان وجود دارد و ایده تنوع با میل به هماهنگی و تناسب همه عناصر کل ترکیب می شود. بازنگری در وضعیت اجتماعی موسیقی وجود دارد - عمومی دموکراتیک ظاهر می شود ، موسیقی آماتوری به طور گسترده ای گسترش می یابد - اجرای نمایشنامه ها نه تنها توسط آهنگسازان مشهور، بلکه ساخته های شخصی. بنابراین، در رنسانس بود که پیش‌شرط‌های شکوفایی خلاقیت موسیقی سکولار روزمره و حرفه‌ای شکل گرفت که دارای ویژگی تأیید زندگی، لذت زندگی، انسان‌گرایی و تصاویر روشن بود.

در همان زمان، تغییراتی در نوشتن موسیقی به وجود آمد: بلوک‌های چاپ چوبی سنگین با حروف فلزی متحرک که توسط اوتاویانو پتروچی ایتالیایی اختراع شده بود، جایگزین شدند. منتشر شده آثار موسیقیبه سرعت فروخته شد، افراد بیشتری شروع به پیوستن به موسیقی کردند.

آثار موسیقایی این دوره به دلیل آهنگین و آوازی که در ذات موسیقی عامیانه وجود داشت، متمایز بودند. تعداد معینی از آهنگ ها به زبان مادری و نه به زبان لاتین نوشته شده است.

ویژگی های اصلی موسیقی ملودی و ریتم خاصی بود که نسبت به قرون وسطی انعطاف پذیرتر و رساتر بود. ظاهر چند صدایی در درجه اول با این واقعیت توضیح داده شد که یک نوازنده، آهنگساز، نوازنده، خواننده آزادی عمل موسیقایی داشت، روح، خلق و خوی عاطفی، حق تفسیر، اختراع تغییرات خود را مطابق با احساسات و حالت درونی در آهنگ ها بیان می کرد. .

در این عصر، تخصیص و تصویب حالت اصلی (سبک تر، شادی آور، دعوت کننده در مقایسه با جزئی - غمگین، آرام، غم انگیز) به ویژه در قرن های 15-16 اهمیت زیادی داشت.

این آهنگ که با عود همراه بود یا با صداهای زیادی اجرا شد، پیشرفت خاصی یافت.

در دوران رنسانس، موسیقی دستگاهی توسعه یافت. اغلب سازهای مختلف را در یک موضوع ترکیب می کند. در همان زمان، فرم ها و ملودی های رقص حفظ و بهبود یافتند که در سوئیت ها ترکیب شدند. اولین آثار دستگاهی، همانطور که بود، دارای یک شخصیت مستقل، تغییرات، پیش درآمدها، فانتزی ها است.

علاوه بر معماری ، مجسمه سازی ، نقاشی ، هنر موسیقی رنسانس با شخصیت سکولار و در قرون XIV-XVI متمایز شد. شامل تشکیل ملی است آموزشگاه های موسیقی.

1. فرهنگ موسیقی رنسانس

فرهنگ هنری رنسانس یک اصل شخصی مبتنی بر علم است. مهارت پیچیده غیرمعمول پلی‌فونیست‌های قرون 15-16، تکنیک هنری آنها با هنر درخشان رقص‌های روزمره، پیچیدگی ژانرهای سکولار همراه شد. تغزلی-دراماتیک در آثار او بیش از پیش بیان می شود. علاوه بر این، آنها به وضوح شخصیت نویسنده، فردیت خلاق هنرمند را نشان می دهند (این نه تنها برای هنر موسیقی معمول است)، که به ما امکان می دهد از انسان سازی به عنوان اصل اصلی هنر رنسانس صحبت کنیم. در عین حال، موسیقی کلیسا، که توسط ژانرهای بزرگی مانند توده و موت نمایش داده می شود، تا حدی خط "گوتیک" را در هنر رنسانس ادامه می دهد، که در درجه اول هدف آن بازآفرینی قوانین موجود است و از این طریق، تسبیح خداوند

در قرن پانزدهم، به اصطلاح چند صدایی «سخت نویسی» در حال شکل گیری بود که قواعد آن (هنجارهای هدایت صدا، شکل دادن و غیره) در رساله های نظری آن زمان تثبیت شده بود و قانونی تغییر ناپذیر برای مردم بود. خلق موسیقی کلیسا آهنگسازان توده های خود را با استفاده از ملودی های وام گرفته شده به عنوان مضمون اصلی (سرودهای گریگوری و سایر منابع متعارف و همچنین موسیقی عامیانه) - به اصطلاح cantus firmus ساخته اند، در حالی که اهمیت زیادی به تکنیک نوشتن چندصدایی، پیچیده و گاهی پیچیده کنترپوان می دهند. در عین حال، روندی مستمر از تجدید و غلبه بر هنجارهای تثبیت شده وجود داشت که در ارتباط با آن ژانرهای سکولار به تدریج اهمیت بیشتری پیدا می کنند.

بنابراین، همانطور که می بینید، دوره رنسانس دوره دشواری در تاریخ توسعه هنر موسیقی است، بنابراین منطقی به نظر می رسد که آن را با جزئیات بیشتر و در عین حال توجه به افراد و کشورها مورد توجه قرار دهیم.

1.1 مدرسه پلی فونیک هلندی

هلند یک منطقه تاریخی در شمال غربی اروپا است (سرزمین آنها شمال شرقی فرانسه، جنوب غربی هلند، بلژیک، لوکزامبورگ را در بر می گرفت). تا قرن 15 هلند به اقتصاد بالایی دست یافته است و سطح فرهنگیو به یک کشور اروپایی مرفه با گسترده ترین روابط تجاری تبدیل شد. شدت توسعه اقتصادیاین کشور باعث و شکوفایی علم، فرهنگ، هنر در هلند شد. در کنار دستاوردهای درخشان نقاشی موفقیت بزرگبه موسیقی رسید حرفه ای خلاقیت آهنگسازدر هلند در ارتباط نزدیک با فولکلور، که سنت طولانی و غنی داشت، توسعه یافت. در اینجا بود که مدرسه پلی فونیک هلند - یکی از بزرگترین پدیده های موسیقی رنسانس - شکل گرفت. خاستگاه چند صدایی هلندی را می توان در ترانه سرایی انگلیسی، فرانسوی، آلمانی و ایتالیایی یافت. در همان زمان، هلندی ها تجربه بسیاری از مدارس ملی را تعمیم دادند و یک سبک آوازی-کرال اصیل چند صدایی ایجاد کردند که به مرحله مهمی در توسعه نوشتار سخت تبدیل شد. در اینجا تقلید اختراع شد - تکرار یک ملودی در برخی صداها بلافاصله پس از صدای دیگری. (بعدها، در زمان باخ، تقلید شالوده فوگ عالی ترین شکل چندصدایی را تشکیل داد.) از سوی دیگر، هلندی ها به طرز استادانه ای از تقلید در قوانین قرن 15 و 16 استفاده کردند. در هنر ایجاد چنین قوانینی، هنرپیشه های هلندی نبوغ و اختراع فنی زیادی از خود نشان دادند. این آهنگساز در یادداشت ها نوشت: "بی وقفه فریاد بزن." این به این معنی بود که قطعه را می‌توان بدون تمام مکث‌ها نواخت. "شب را به روز تبدیل کنید" - اجراکنندگان باید حدس بزنند که نت های سیاه را می توان سفید خواند و بالعکس. و این قطعه هم در ضبط معمولی و هم در ضبط تبدیل شده به همان اندازه خوب خواهد بود. آهنگساز Okeghem یک کانن 36 صدایی - یک آسمان خراش موزیکال از چهار کانون نه صدایی ساخته است.

نماینده برجسته و یکی از بنیانگذاران مکتب هلندی، گیوم دوفای (1400-1474) (دوفای) (حدود 1400 - 27/11/1474)، آهنگساز فرانسوی-فلاندری است. او بود که پایه های سنت چند صدایی را در موسیقی هلندی گذاشت (حدود 1400 - 1474). گیوم دوفای در شهر کامبری در فلاندر (استانی در جنوب هلند) به دنیا آمد و از کودکی در گروه کر کلیسا می خواند. به موازات آن، نوازنده آینده دروس خصوصی آهنگسازی را گذراند. دوفای در جوانی به ایتالیا رفت و در آنجا اولین ساخته های خود را نوشت - تصنیف ها و موته ها. در 1428-1437. او به عنوان خواننده در کلیسای پاپ در رم خدمت کرد. در این سالها به ایتالیا و فرانسه سفر کرد. در سال 1437 آهنگساز پذیرفت روحانیت. او در دربار دوک ساووی (1437-1439) برای مراسم و تعطیلات رسمی موسیقی ساخت. دوفای توسط مردم نجیب بسیار مورد احترام بود - به عنوان مثال، زوج مدیچی (حکام شهر فلورانس ایتالیا) در میان تحسین کنندگان او بودند. از سال 1445 کانون و سرپرست فعالیت های موسیقی کلیسای جامع در کامبری. استاد روحانی (توده های 3، 4 صدایی، متت ها) و همچنین سکولار

(3-، 4-صدایی شانسون های فرانسوی, آهنگ های ایتالیاییژانرهای تصنیف، روندو) مرتبط با چند صدایی عامیانه و فرهنگ اومانیستی رنسانس. هنر دوفای که دستاوردهای هنر موسیقی اروپا را جذب کرد، تأثیر زیادی در توسعه بیشتر موسیقی چندصدایی اروپا داشت. او همچنین یک اصلاح‌کننده نت‌نویسی موسیقی بود (دوفای را به معرفی نت‌هایی با سرهای سفید نسبت می‌دهند). آثار کامل دوفای منتشر شده در رم (6 جلد، 1951-1966). دوفای اولین نفر در میان آهنگسازانی بود که شروع به ساختن توده به عنوان یک ترکیب موسیقی یکپارچه کرد. برای ایجاد موسیقی کلیسا، استعداد فوق العاده ای مورد نیاز است: توانایی استفاده از منابع مادیبیان مفاهیم انتزاعی و غیر مادی دشواری در این است که چنین ترکیبی از یک سو شنونده را بی تفاوت نمی کند و از سوی دیگر حواس را از عبادت منحرف نمی کند و به تمرکز بیشتر بر نماز کمک می کند. بسیاری از توده‌های دوفای الهام گرفته‌اند، سرشار از زندگی درونی. به نظر می رسد کمک می کنند تا برای لحظه ای پرده وحی الهی برداشته شود.

اغلب، هنگام ایجاد یک توده، دوفای ملودی شناخته شده ای را می گرفت که ملودی خود را به آن اضافه می کرد. چنین قرض هایی از ویژگی های رنسانس است. بسیار مهم تلقی می شد که توده بر اساس یک ملودی آشنا باشد که عبادت کنندگان بتوانند به راحتی آن را حتی در یک قطعه چند صدایی تشخیص دهند. قطعه ای از سرود گریگوری اغلب استفاده می شد. آثار سکولار مستثنی نبودند. دوفای علاوه بر موسیقی کلیسایی، موت‌هایی برای متون سکولار. او همچنین در آنها از تکنیک پیچیده چند صدایی استفاده کرد.

نماینده مکتب پلی فونیک هلندی نیمه دوم قرن پانزدهم. Josquin Despres (حدود 1440-1521 یا 1524) بود که تأثیر زیادی بر کار آهنگسازان نسل بعدی داشت. در جوانی، او به عنوان یک گروه کر کلیسا در کامبری خدمت می کرد و از اوکگم درس موسیقی می گرفت. در سن بیست سالگی، این نوازنده جوان به ایتالیا آمد، در میلان با دوک های اسفورزا و در کلیسای پاپ در رم آواز خواند. در ایتالیا، دسپرس احتمالا شروع به آهنگسازی کرد. در همان آغاز قرن شانزدهم. او به پاریس نقل مکان کرد. در آن زمان، دسپرس قبلاً شناخته شده بود و توسط پادشاه فرانسه لوئیس دوازدهم به سمت موسیقیدان دربار دعوت شد. از سال 1503، دسپرس دوباره در ایتالیا، در شهر فرارا، در دربار دوک ساکن شد.

د "استه. دسپرس آهنگ های زیادی ساخت و موسیقی او به سرعت در گسترده ترین محافل به رسمیت شناخته شد: او هم مورد علاقه اشراف و هم مردم عادی بود. این آهنگساز نه تنها آثار کلیسا، بلکه آثار سکولار را نیز خلق کرد. به ویژه، او روی آورد. به ژانر آهنگ های محلی ایتالیایی - frottole (it. frottola، از frotta - "جمعیت")، که با ریتم رقص و سریع. دسپرس ویژگی های آثار سکولار را به موسیقی کلیسا آورد: لحن تازه و پر جنب و جوش، جدایی سخت را شکست و احساس شادی و پر بودن وجود را برانگیخت. با این حال، حس تناسب هرگز به آهنگساز خیانت نکرد. تکنیک پلی فونیک دسپرس با پیچیدگی متمایز نیست. آثار او با ظرافت ساده هستند، اما عقل قدرتمند نویسنده در آنها احساس می شود. این راز محبوبیت خلاقیت های اوست.

معاصران جوانتر گیوم دوفای یوهانس (ژان) اوکگم (حدود 1425-1497) و ژاکوب اوبرشت بودند. اوکگم مانند دوفای اهل فلاندر بود. تمام عمرش سخت کار کرد. او علاوه بر آهنگسازی، به عنوان سرپرست نمازخانه نیز فعالیت می کرد. این آهنگساز پانزده توده، سیزده موت، بیش از بیست آواز خلق کرد. مشخصه آثار اوکیوم سختگیری، تمرکز، و باز شدن طولانی خطوط ملودیک صاف است. او توجه زیادی به تکنیک چندصدایی داشت و تلاش کرد تا همه بخش های توده به عنوان یک کل درک شود. سبک خلاقانه آهنگساز را می توان در آهنگ های او نیز مشاهده کرد - آنها تقریباً فاقد سبکی سکولار هستند ، شخصیت آنها بیشتر یادآور موت ها و گاهی اوقات تکه هایی از توده ها است. یوهانس اوکگم هم در داخل و هم در خارج مورد احترام بود (او به عنوان مشاور پادشاه فرانسه منصوب شد). یاکوب اوبرشت در کلیساهای جامع شهرهای مختلف هلند یک خواننده خوان بود و کلیساها را رهبری می کرد. او برای چندین سال در دربار دوک دی استه در فرارا (ایتالیا) خدمت کرد. او نویسنده بیست و پنج توده، بیست موت، سی سانسون است. اوبرشت با استفاده از دستاوردهای پیشینیان خود، چیزهای جدیدی را به ارمغان آورد. موسیقی او پر از تضادها، جسورانه است، حتی زمانی که آهنگساز به ژانرهای سنتی کلیسا روی می آورد.

تطبیق پذیری و عمق خلاقیت Orlando Lasso. تاریخ موسیقی رنسانس هلند با کار اورلاندو لاسو (نام و نام خانوادگی واقعی رولاند د لاسو، حدوداً ۱۵۹۴-۱۵۳۲) تکمیل می‌شود که توسط معاصرانش «اورفیوس بلژیکی» و «شاهزاده موسیقی» خوانده می‌شود. کمند در مونس (فلاندر) به دنیا آمد. او از دوران کودکی در گروه کر کلیسا آواز می خواند و با صدای فوق العاده ای به اهل محله ضربه می زد. گونزاگا، دوک شهر مانتوآ ایتالیا، به طور تصادفی شنید که یک خواننده جوان، او را به کلیسای کوچک خود دعوت کرد. پس از مانتوآ، کمند برای مدت کوتاهی در ناپل کار کرد و سپس به رم نقل مکان کرد - جایی که مقام ریاست کلیسای کوچک یکی از کلیساها را دریافت کرد. در سن بیست و پنج سالگی، کمند قبلاً به عنوان آهنگساز شناخته شده بود و آهنگ های او در بین ناشران موسیقی مورد تقاضا بود. در سال 1555 اولین مجموعه آثار شامل موتت، مادریگال و سانسون منتشر شد. کمند تمام آنچه را که توسط پیشینیانش (آهنگسازان هلندی، فرانسوی، آلمانی و ایتالیایی) خلق شده بود، مطالعه کرد و از تجربیات آنها در کار خود استفاده کرد. لاسو که شخصیتی خارق‌العاده بود، به دنبال غلبه بر ماهیت انتزاعی موسیقی کلیسا بود و به آن فردیت بخشید. برای این منظور، آهنگساز گاهی اوقات از ژانرها و نقوش روزمره (مضامین آهنگ های محلی، رقص ها) استفاده می کرد و به این ترتیب سنت های کلیسا و سکولار را گرد هم می آورد. کمند پیچیدگی تکنیک چند صدایی را با احساسی عالی ترکیب کرد. او به ویژه در مادریگال ها، در متون آن، موفق بود وضعیت ذهنی بازیگرانبه عنوان مثال، اشک های سنت پیتر "(1593) به ابیات شاعر ایتالیایی لوئیجی ترانزیلو. آهنگساز اغلب برای تعداد زیادی صدا (پنج تا هفت) می نوشت، بنابراین اجرای آثار او دشوار است. از سال 1556، اورلاندو لاسو در مونیخ (آلمان) زندگی می‌کرد و در آنجا گروه کر را رهبری می‌کرد. تا پایان عمرش، قدرت او در محافل موسیقی و هنری بسیار بالا بود و شهرت در سراسر اروپا گسترش یافت.

مکتب پلی فونیک هلندی تأثیر زیادی در توسعه فرهنگ موسیقی اروپا داشت. اصول چندصدایی که توسط آهنگسازان هلندی ایجاد شده است جهانی شده است و بسیاری از آنها تکنیک های هنریدر آثار خود توسط آهنگسازان قرن بیستم استفاده شده است.

1.2 فرانسه

برای فرانسه، قرن های پانزدهم تا شانزدهم به دوران تغییرات مهم تبدیل شد: جنگ صد ساله (1337-1453) با انگلستان، در پایان قرن پانزدهم پایان یافت. اتحاد دولت تکمیل شد. در قرن شانزدهم این کشور جنگ های مذهبی بین کاتولیک ها و پروتستان ها را تجربه کرد. در یک دولت قوی با سلطنت مطلقه، نقش جشن های دربار و جشن های عامیانه افزایش یافت. این به توسعه هنر، به ویژه موسیقی، که با چنین اقداماتی همراه بود، کمک کرد. تعداد گروه‌های آواز و ساز (نمایشگاه‌ها و همسران) که متشکل از تعداد قابل توجهی از نوازندگان بود، افزایش یافت. در طول مبارزات نظامی در ایتالیا، فرانسوی ها با دستاوردهای فرهنگ ایتالیایی آشنا شدند. آنها عمیقاً این عقاید را احساس کردند و پذیرفتند رنسانس ایتالیایی- اومانیسم، میل به هماهنگی با دنیای بیرون، برای لذت بردن از زندگی.

اگر در ایتالیا رنسانس موسیقی در درجه اول با توده همراه بود، آهنگسازان فرانسوی، همراه با موسیقی کلیسا، توجه ویژه ای به آهنگ چند صدایی سکولار - شانسون داشتند. علاقه به آن در فرانسه در نیمه اول قرن شانزدهم، زمانی که مجموعه به وجود آمد نمایشنامه های موسیقیکلمنت ژانکوین (حدود 1485-1558). این آهنگساز است که یکی از خالقان این ژانر به حساب می آید.

در کودکی، ژانکین در گروه کر کلیسایی آواز خواند زادگاه Chatellerault (فرانسه مرکزی). در آینده، همانطور که مورخان موسیقی پیشنهاد می‌کنند، او نزد استاد هلندی Josquin Despres یا آهنگسازی از اطرافیانش تحصیل کرد. جنکین پس از دریافت مقام کشیشی، به عنوان نایب السلطنه (مدیر گروه کر) و نوازنده ارگ ​​مشغول به کار شد. سپس توسط دوک گیز به خدمت دعوت شد. در سال 1555، این نوازنده خواننده کلیسای سلطنتی شد و در 1556-1557. - آهنگساز دربار سلطنتی.

کلمنت ژانکوین دویست و هشتاد آهنگ (منتشر شده بین 1530 و 1572) خلق کرد. موسیقی کلیسا - توده ها، موتت ها، مزامیر نوشت. ترانه های او اغلب ماهیت تصویری داشتند. در مقابل چشم شنونده تصاویری از نبرد ("نبرد ماریگنانو"، "نبرد رنتا")، صحنه های شکار ("شکار")، تصاویری از طبیعت ("آواز پرندگان"، "بلبل")، صحنه های روزمره ( "پچ پچ زنان"). آهنگساز به طرز چشمگیری موفق شد فضای زندگی روزمره در پاریس را در آهنگ "گریه های پاریس" منتقل کند: او تعجب های فروشندگان را وارد متن کرد. ژانکوین تقریباً از تم های طولانی و روان برای صداهای فردی و دستگاه های پیچیده پلی فونیک استفاده نمی کرد و فراخوانی، تکرارها و انوماتوپه را ترجیح می داد.

جهت دیگر موسیقی فرانسوی با جنبش پان-اروپایی اصلاحات مرتبط است. در مراسم کلیسا، پروتستان های فرانسوی (هوگنوت ها) زبان لاتین و چند صدایی را کنار گذاشتند. موسیقی مقدس شخصیتی بازتر و دموکراتیک پیدا کرد. یکی از نمایندگان برجسته این سنت موسیقیکلود گودیمل (بین 1514 و 1520-1572) نویسنده مزمورهای متون کتاب مقدس و سرودهای پروتستانی شد.

یکی از ژانرهای موسیقی اصلی رنسانس فرانسه، chanson (fr. chanson - "آهنگ") است. خاستگاه آن در هنر عامیانه (آیات قافیه‌ای از داستان‌های حماسی به موسیقی تنظیم شده است)، در هنر تروبادورها و ترووورهای قرون وسطی است. از نظر محتوا و خلق و خو، سانسون می تواند بسیار متنوع باشد - آهنگ های عاشقانه، روزمره، بازیگوش، طنز و غیره وجود داشت. آهنگسازان اشعار عامیانه و شعر مدرن را به عنوان متن در نظر گرفتند.

1.3 ایتالیا

با شروع رنسانس در ایتالیا، ساخت موسیقی داخلی به این کشور گسترش یافت ابزارهای مختلف; حلقه های عاشقان موسیقی به وجود آمد. اشکال جدیدی از زندگی موسیقی و عمومی ظاهر می شود - آکادمی های موسیقی و موسسات آموزشی موسیقی حرفه ای از نوع جدید - هنرستان ها. در زمینه حرفه ای، دو تا از قوی ترین مدارس تشکیل شد: رومی و ونیزی.

در قرن شانزدهم، چاپ موسیقی برای اولین بار گسترش یافت، در سال 1501، چاپگر ونیزی، اوتاویانو پتروچی، Harmonice Musices Odhecaton، اولین مجموعه بزرگ موسیقی سکولار را منتشر کرد. این انقلابی در انتشار موسیقی بود و همچنین به این واقعیت کمک کرد که سبک فرانسوی-فلاندری در قرن بعد به زبان موسیقی غالب اروپا تبدیل شد، زیرا پتروچی به عنوان یک ایتالیایی عمدتاً موسیقی آهنگسازان فرانسوی-فلاندری را شامل می شد. در مجموعه او متعاقباً آثار و آهنگسازان ایتالیایی زیادی اعم از سکولار و معنوی منتشر کرد.

در دوران رنسانس، نقش ژانرهای سکولار افزایش یافت. در قرن چهاردهم. مادریگال در موسیقی ایتالیایی ظاهر شد (از لاتین matricale - "آهنگی به زبان مادری"). این بر اساس آهنگ های محلی (چوپان) شکل گرفت. مادریگال ها ترانه هایی برای دو یا سه صدای بودند که اغلب بدون همراهی ساز بودند. مادریگال به اوج پیشرفت خود رسید و به محبوب ترین سبک موسیقی آن دوران تبدیل شد. برخلاف مادریگال‌های اولیه و ساده دوره ترسنتو، مادریگال‌های رنسانس برای چندین صدا (4-6) نوشته می‌شدند، اغلب توسط خارجی‌هایی که در دادگاه‌های خانواده‌های بانفوذ شمالی خدمت می‌کردند. مادریگالیست ها به دنبال خلق کردن بودند هنر بالا، اغلب با استفاده از اشعار تجدید نظر شده شاعران بزرگ ایتالیایی اواخر قرون وسطی: فرانچسکو پترارکا، جیووانی بوکاچیو و دیگران. بارزترین ویژگی مادریگال عدم وجود قوانین ساختاری دقیق بود، اصل اصلی بیان آزادانه افکار و احساسات بود.

آهنگسازانی مانند نماینده مکتب ونیزی Cipriano de Rore و نماینده مکتب فرانسوی-فلاندری Roland de Lassu (Orlando di Lasso) در طول زندگی خلاق ایتالیایی خود با افزایش کروماتیسم، هارمونی، ریتم، بافت و سایر ابزارهای بیان موسیقی آزمایش کردند. . تجربه آنها ادامه خواهد داشت و در دوران منریست کارلو ژسوالدو به اوج خود می رسد. در طول قرن پانزدهم، آهنگسازان تقریباً به این سبک روی نیاوردند. علاقه به آن تنها در قرن شانزدهم احیا شد. ویژگیمادریگالا قرن شانزدهم پیوندی نزدیک بین موسیقی و شعر است. موسیقی به شکلی انعطاف‌پذیر متن را دنبال می‌کرد و وقایع توصیف‌شده در منبع شاعرانه را منعکس می‌کرد. با گذشت زمان، نمادهای ملودیک عجیبی توسعه یافتند که به آه‌های لطیف، اشک‌ها و غیره اشاره می‌کردند. در آثار برخی آهنگسازان، نمادگرایی فلسفی بود، به عنوان مثال، در مادریگال "من می‌میرم، بدبخت" (1611) Gesualdo di Venosa. اوج شکوفایی این ژانر در آستانه قرن XVI-XVII است. گاهی همزمان با اجرای آهنگ، طرح آن پخش می شد. مادریگال اساس کمدی مادریگال (ترکیب کرال بر اساس متن یک نمایشنامه کمدی) شد که ظاهر اپرا را آماده کرد.

1.3.1 مدرسه چند صدایی رومی

جیووانی دو پالستینا (1525-1594). رئیس مکتب رومی جیووانی پیرلوئیجی دا پالسترینا، یکی از بزرگترین آهنگسازان رنسانس بود. او متولد شده در شهر ایتالیا Palestrina، پس از آن نام خانوادگی خود را دریافت کرد. پالسترینا از کودکی در گروه کر کلیسا آواز می خواند و پس از رسیدن به بزرگسالی به سمت سرپرست گروه (رهبر گروه کر) در کلیسای سنت پیتر در رم دعوت شد. بعدها در کلیسای سیستین (نمایشگاه دربار پاپ) خدمت کرد.

رم، مرکز مذهب کاتولیک، بسیاری از نوازندگان برجسته را به خود جذب کرد. در زمان‌های مختلف، استادان پلی‌فونیک هلندی گیوم دوفای و ژوسکین دسپرس در اینجا کار می‌کردند. تکنیک آهنگسازی توسعه یافته آنها گاهی اوقات با درک متن سرویس تداخل می کرد: در پشت پیچیدگی نفیس صداها گم می شد و کلمات در واقع قابل شنیدن نبودند. بنابراین، مقامات کلیسا نسبت به این گونه آثار محتاط بودند و از بازگشت تک صدایی بر اساس سرودهای گریگوری حمایت می کردند. مسئله قابل قبول بودن چند صدایی در موسیقی کلیسا حتی در شورای ترنت کلیسای کاتولیک (1545-1563) مورد بحث قرار گرفت. نزدیک به پاپ، Palestrina رهبران کلیسا را ​​در مورد امکان خلق آثاری متقاعد کرد که در آن تکنیک آهنگساز با درک متن تداخل نداشته باشد. به عنوان مدرک، او "Mass of Papa Marcello" (1555) را ساخت که ترکیبی از چند صدایی پیچیده با صدای واضح و رسا هر کلمه است. بنابراین، این نوازنده موسیقی حرفه ای چند صدایی را از آزار و اذیت مقامات کلیسا "نجات داد". در سال 1577، آهنگساز برای بحث در مورد اصلاح تدریجی دعوت شد - مجموعه ای از سرودهای مقدس کلیسای کاتولیک. در دهه 80. پالسترینا دستورات مقدس را پذیرفت و در سال 1584 به عضویت انجمن استادان موسیقی درآمد - انجمنی از نوازندگان که مستقیماً تابع پاپ بود.

کار Palestrina با یک جهان بینی روشن آغشته است. آثاری که او خلق کرد معاصران خود را هم با بالاترین مهارت و هم با کمیت (بیش از صد جرم، سیصد موتت، صد مادریگال) تحت تأثیر قرار داد. پیچیدگی موسیقی هرگز به عنوان مانعی برای درک آن عمل نکرده است. آهنگساز می دانست که چگونه می تواند میانگین طلایی را بین پیچیدگی آهنگ ها و دسترسی آنها به شنونده بیابد. Palestrina وظیفه خلاق اصلی را در توسعه یک انتگرال می دید کار عالی. هر صدا در آوازهای او به طور مستقل رشد می کند، اما در عین حال یک کل واحد را با بقیه تشکیل می دهد، و اغلب صداها ترکیبی از آکوردها را تشکیل می دهند که زیبایی خود را خیره کننده است. اغلب به نظر می رسد که ملودی صدای بالا بالاتر از بقیه اوج می گیرد و "گنبد" چند صدایی را مشخص می کند. همه صداها صاف و توسعه یافته هستند.

هنر جووانی دا پالسترینا توسط نوازندگان نسل بعدی نمونه و کلاسیک تلقی شد. بسیاری از آهنگسازان برجسته قرن 18 و 18 بر روی ساخته های او مطالعه کردند.

1.3.2 مدرسه ونیزی

جهت دیگر موسیقی رنسانس با کار آهنگسازان مکتب ونیزی مرتبط است که بنیانگذار آن آدریان ویلارت (حدود 1485-1562) بود. شاگردان او ارگ نواز و آهنگساز آندره آ گابریلی (بین 1500 و 1520 - پس از 1586)، آهنگساز سیپریان دی پوپ (1515 یا 1516-1565) و سایر نوازندگان بودند. اگر آثار Palestrina با وضوح و محدودیت شدید مشخص می شود، پس ویلارت و پیروانش یک سبک کرال باشکوه ایجاد کردند. برای دستیابی به صدای فراگیر، نواختن تامبر، از چندین گروه کر در ترکیب بندی ها استفاده کردند که در مکان های مختلف معبد قرار داشتند. استفاده از رول کال بین گروه های کر باعث شد تا فضای کلیسا با جلوه های بی سابقه ای پر شود. این رویکرد آرمان‌های انسان‌گرایانه دوران را به‌طور کلی منعکس می‌کرد - با شادی، آزادی، و خود سنت هنری ونیزی - با تمایلش به هر چیزی روشن و غیر معمول. در کار استادان ونیزی، زبان موسیقی نیز پیچیده تر شد: با ترکیب های جسورانه آکوردها، هارمونی های غیرمنتظره پر شد.

شخصیت برجسته رنسانس کارلو گسوالدو دی ونوسا (حدود 1560-1613)، شاهزاده شهر ونوسا، یکی از بزرگترین استادان مادریگال سکولار بود. او به عنوان یک انسان دوست، نوازنده عود و آهنگساز به شهرت رسید. شاهزاده ژسوالدو با شاعر ایتالیایی تورکواتو تاسو دوست بود. جالب ترین نامه ها باقی مانده است که در آن هر دو هنرمند در مورد موضوعات ادبیات، موسیقی و هنرهای زیبا بحث می کنند. Gesualdo di Venosa بسیاری از اشعار تاسو را به موسیقی تنظیم کرد - اینگونه بود که تعدادی از مادریگال های بسیار هنری ظاهر شدند. به عنوان نماینده اواخر رنسانس، آهنگساز توسعه یافت نوع جدیدمادریگال، جایی که احساسات در وهله اول بود - طوفانی و غیرقابل پیش بینی. از این رو، نوسانات در حجم، لحن هایی شبیه به آه و حتی هق هق، آکوردهای تند و تند و تغییرات متضاد در سرعت، مشخصه آثار اوست. این تکنیک ها به موسیقی ژسوالدو شخصیتی رسا و تا حدودی عجیب و غریب می بخشید؛ موسیقی معاصران را تحت تأثیر قرار می دهد و در عین حال جذب می کند. میراث Gesualdo di Venosa از هفت مجموعه مادریگال های چند صدایی تشکیل شده است. در میان ترکیبات معنوی - "سرودهای مقدس". امروز هم موسیقی او شنونده را بی تفاوت نمی گذارد.

1.4 انگلستان

زندگی فرهنگی انگلستان در دوران رنسانس ارتباط تنگاتنگی با اصلاحات داشت. در قرن شانزدهم، پروتستانتیسم در سراسر کشور گسترش یافت. کلیسای کاتولیک موقعیت مسلط خود را از دست داد، کلیسای انگلیکن به دولتی تبدیل شد که از به رسمیت شناختن برخی جزمات (مفاد اساسی) کاتولیک خودداری کرد. بسیاری از صومعه ها دیگر وجود نداشتند. این رویدادها بر فرهنگ انگلیسی از جمله موسیقی تأثیر گذاشت.

هنر موسیقی انگلیسی رنسانس در نیمه اول قرن پانزدهم به طرز درخشانی خود را اعلام کرد و یک ویژگی منحصر به فرد را به نمایش گذاشت. شخصیت خلاقجان دانستبل، که قوی ترین تاثیر را در این قاره گذاشت. آثار دانستبل پیوند مهمی بین موسیقی قرون وسطی و چند صدایی رنسانس است. به طور کلی شناخته شده است نقش تاریخیاز آثار او برای توسعه چندصدایی در اروپای غربیهمچنین با سنت قابل توجهی از چند صدایی (که در قرون وسطی در انگلستان تأسیس شد)، که توسط Dunstable به ارث رسیده و توسعه یافته بود، از پیش تعیین شد. علاوه بر او، در قرن پانزدهم، نام بسیاری از آهنگسازان انگلیسی نیز شناخته شده بود که موت ها، بخش هایی از توده ها، گاه آهنگ ها و تصنیف ها را خلق کردند. برخی از آنها در این قاره کار می کردند، برخی بخشی از کلیسای کوچک دوک بورگوندی بودند. از این میان، لیونل پاور صاحب یکی از اولین توده ها در انگلستان است - همراه با توده Dunstable. معاصران آنها J. Bedingham، Forest، J. Benet، R. Morton بودند. در نیمه دوم قرن پانزدهم، J. Banaster، W. Lambe، R. Davi، W. Fry نقش آفرینی کردند. بیشتر آنها خوانندگان کلیساها بودند و موسیقی کلیسایی زیادی نوشتند. هم در انتخاب ژانرهای پایه و هم در توسعه مداوم مهارت چند صدایی، آنها از بسیاری جهات به مکتب هلندی نزدیک بودند، که به نوبه خود، مدیون نمونه سبکی Dunstable در آغاز آن بود.

در قرن شانزدهم، هنر موسیقی انگلستان به تنوع قابل توجهی می رسد. همراه با فرم های سنتی موسیقی کاتولیک و موتت های معنوی در متون لاتین، از اواسط قرن، مزامیر تک صدایی در زبان انگلیسی- یک پدیده مشخص از اصلاحات. جالب است که همان جان مربک (حدود 1510-1585) که در خدمت اسقف وینچستر، توده ها و موت های لاتینی خلق کرد، در سال 1549 اولین مجموعه مزامیر را در متون انگلیسی منتشر کرد. همراه با او، در نیمه اول قرن، چند صدایی انگلیسی، نویسندگان اشکال بزرگ جان تاورنر، جان ردفورد، نیکولای لودفورد وجود داشتند. کمی بیشتر طول کشید زندگی خلاقکریستوفر تای، توماس تالیس، رابرت وایت.

با این حال، مبانی انسان گرایانه عصر جدیددر قرن شانزدهم انگلستان به اولین شکوفایی عالی هنر موسیقی سکولار در هر دو فرم آوازی و ساز منجر شد. نسل‌های جدید آهنگسازان انگلیسی که در ربع آخر قرن شانزدهم ظهور کردند و دهه‌های اول قرن هفدهم را تسخیر کردند، مکتبی از مادریگالیست‌های انگلیسی ایجاد کردند. و آنها همچنین پایه و اساس زمینه جدیدی از موسیقی دستگاهی را ایجاد کردند - قطعاتی برای ویرجینال (نوعی هارپسیکورد) که قبلاً در قرن 17 رایج شد.

نویسندگان انگلیسی مادریگال ها ویلیام برد (1543 یا 1544 - 1623)، توماس مورلی (1557-1603)، جان ویلبی (1574-1638) و دیگران در ابتدا تا حدی بر مدل های مدرن ایتالیایی تکیه کردند (مادریگال، همانطور که می دانید، منشأ گرفته است. در ایتالیا)، به ویژه در مارنزیو، اما سپس آنها اصالت را نیز کشف کردند - اگر نه در تفسیر ژانر، سپس در ماهیت چند صدایی. در مرحله آخر توسعه چند صدایی، در نقطه عطف به یک جدید پدید آمد سبک XVIIقرن مادریگال انگلیسی از نظر بافت چند صدایی ساده تر از ایتالیایی است، هموفونیک تر و گاهی حتی ویژگی های ریتمیک رقص. برخلاف دوران دانستبل، مکتب پلی فونیک انگلیسی تا پایان قرن شانزدهم عمدتاً نشان دهنده منافع ملی(سنت های آن در قرن هفدهم منتقل شده و به پورسل می رسد)، اما با حرکت در مسیر خود، دیگر تأثیر قابل توجهی بر هنر موسیقی اروپای غربی ندارد.

همچنین باید به نقش قابل توجه موسیقی در تئاتر انگلیسی رنسانس اشاره کرد. این نقش در زمان خود مشخص است: در انگلستان برای مدت طولانی هیچ پیش نیازی برای ظهور اپرا وجود نداشت و هیچ چیز هنوز آن را آماده نکرده است. موسیقی در تئاتر درام عمدتاً به عنوان یک پدیده زندگی روزمره (اما نه به عنوان یک مؤلفه دراماتیک داخلی) به نظر می رسید و در ژانر "ماسک" در اجراهای باشکوه در دربار سلطنتی شرکت می کرد که جلوه های تماشایی، صحنه های باله، آواز و آواز را با هم ترکیب می کرد. قطعات ساز، متن شاعرانه.

در نمایشنامه‌های شکسپیر، آهنگ‌های رایج برای کلمات خاص یا رقص‌های شناخته‌شده، مانند، به عنوان مثال، گالیارد، اغلب در جریان عمل خوانده می‌شوند. موسیقی برای او پس‌زمینه اکشن شد، نوعی "محیط"، برخی از سایه‌های روان‌شناختی را معرفی کرد، به همین دلیل است که شکسپیر بیش از ژانرهای روزمره نیاز نداشت.

در همان زمان، بخش های موسیقی در دانشگاه های آکسفورد و کمبریج افتتاح شد.

1.5 آلمان

تا قرن شانزدهم در آلمان، قبلاً یک فولکلور غنی وجود داشت، در درجه اول آواز. موسیقی در همه جا پخش می شد: در جشن ها، در کلیسا، در رویدادهای اجتماعی و در یک اردوگاه نظامی. جنگ دهقانی و اصلاحات باعث جهش جدیدی در هنر آواز عامیانه شد. بسیاری از سرودهای لوتری رسا وجود دارد که نویسنده آنها ناشناخته است. آواز کرال به شکل جدایی ناپذیر پرستش لوتری تبدیل شده است. شعارهای پروتستانی تحت تأثیر قرار گرفت توسعه بعدیتمام موسیقی اروپایی اما اول از همه، در مورد موسیقیایی خود آلمانی ها، که حتی امروز آموزش موسیقی را کمتر از علوم طبیعی مهم نمی دانند - در غیر این صورت چگونه می توان در یک گروه کر پلی فونیک شرکت کرد؟

انواع فرم های موسیقی در آلمان در قرن شانزدهم. شگفت انگیز است: باله ها و اپراها در Shrovetide به صحنه رفتند. غیرممکن است که نام هایی مانند K. Paumann، P. Hofheimer را نام ببرید. اینها آهنگسازانی هستند که موسیقی سکولار و کلیسایی را در درجه اول برای ارگ ساخته اند. آهنگساز برجسته فرانسوی-فلاندری، نماینده مکتب هلندی O. Lasso به آنها پیوست. او در بسیاری از کشورهای اروپایی کار کرده است. او دستاوردهای مکاتب مختلف موسیقی اروپایی دوره رنسانس را تعمیم داد و به شکلی نوآورانه توسعه داد. استاد موسیقی کرال فرقه و سکولار (بیش از 2000 تصنیف.).

اما انقلاب واقعی در موسیقی آلمان توسط هاینریش شوتز (1585-1672)، آهنگساز، رهبر گروه، نوازنده ارگ ​​و معلم انجام شد. بنیانگذار ملی مدرسه آهنگسازی، بزرگترین پیشینیان I.S. باخ شوتز اولین اپرای آلمانی دافنه (1627)، اپرا باله اورفئوس و اوریدیک (1638) را نوشت. مادریگال ها، آهنگ های کانتات-اوراتوریو معنوی ("اشتیاق"، کنسرتو، موتت، مزمور و غیره).

بنیانگذار جنبش اصلاحات، مارتین لوتر (1483-1546)، معتقد بود که اصلاح موسیقی کلیسا لازم است. موسیقی، اولا، باید به مشارکت فعال تر اهل محله در عبادت کمک کند (این در هنگام اجرای آهنگ های چندصدایی غیرممکن بود)، و ثانیاً، باعث ایجاد همدلی با رویدادهای کتاب مقدس شود (که با انجام خدمات به زبان لاتین مانع شد). بنابراین، الزامات زیر بر آواز کلیسا تحمیل شد: سادگی و وضوح ملودی، حتی ریتم، و شکل واضح آواز خواندن. بر این اساس، سرود پروتستان به وجود آمد - ژانر اصلی موسیقی کلیسایی رنسانس آلمان. در سال 1522، لوتر عهد جدید را به آلمانی ترجمه کرد و اکنون امکان عبادت به زبان مادری فراهم شد.

خود لوتر و همچنین دوستش، تئوریسین موسیقی آلمانی یوهان والتر (1490-1570)، در انتخاب ملودی ها برای گروه های همخوانی مشارکت فعال داشتند. منابع اصلی چنین ملودی ها ترانه های عامیانه معنوی و سکولار بودند - که به طور گسترده شناخته شده و قابل درک است. ملودی هایی برای برخی از گروه های همخوانی که لوتر خودش ساخته است. یکی از آنها، "خداوند صخره ماست" در این دوره به نمادی از اصلاحات تبدیل شد جنگ های مذهبیقرن شانزدهم

1.6 اسپانیا

برای مدت طولانی تحت تأثیر کلیسا موسیقی اسپانیا بود که در آن ارتجاع فئودالی-کاتولیک بیداد می کرد. مهم نیست که هجوم ضد اصلاحات به موسیقی چقدر شدید بود، پاپ موفق نشد به طور کامل مواضع سابق خود را بازگرداند. برقراری روابط بورژوایی نظم جدیدی را دیکته کرد.

در اسپانیا، نشانه های رنسانس کاملاً در قرن شانزدهم آشکار شد و ظاهراً پیش نیازهای این امر حتی زودتر از آن پدید آمد. مشخص است که قبلاً در قرن 15 مدت طولانی و قوی وجود داشت ارتباطات موسیقیبین اسپانیا و ایتالیا، بین کلیساهای اسپانیایی و خواننده-آهنگسازان آنها - و کلیسای کوچک پاپی در رم، و همچنین کلیساهای دوک بورگوندی و دوک اسفورزا در میلان، بدون ذکر دیگر مراکز موسیقی اروپایی. از اواخر قرن پانزدهم، اسپانیا، همانطور که می دانیم، به دلیل ترکیبی از شرایط تاریخی (پایان تسخیر مجدد، کشف آمریکا، پیوندهای سلسله ای جدید در اروپا)، قدرت زیادی در اروپای غربی به دست آورد، در حالی که باقی مانده است. در عین حال یک دولت کاتولیک محافظه کار و تجاوز قابل توجهی در تصرف سرزمین های خارجی (که در آن زمان توسط ایتالیا کاملاً تجربه شد) از خود نشان می داد. بزرگترین نوازندگان اسپانیایی قرن شانزدهم مانند گذشته در خدمت کلیسا بودند. در آن زمان، آنها نمی توانستند تأثیر مکتب پلی فونیک هلند را با سنت های تثبیت شده اش تجربه نکنند. قبلاً گفته شد که نمایندگان برجسته این مکتب بیش از یک بار به اسپانیا سفر کرده اند. از سوی دیگر، استادان اسپانیایی، به استثنای معدود موارد، هنگامی که اسپانیا را ترک کردند و در رم مشغول به کار شدند، دائماً با آهنگسازان ایتالیایی و هلندی ملاقات می کردند.

تقریباً همه موسیقی‌دانان بزرگ اسپانیایی دیر یا زود خود را در کلیسای پاپ یافتند و در فعالیت‌های آن شرکت کردند و از این طریق بر سنت ریشه‌ای چند صدایی سخت‌گیرانه در بیان ارتدکس آن حتی محکم‌تر تسلط یافتند. بزرگترین آهنگساز اسپانیایی کریستوبال دو مورالس (1500 یا 1512-1553)، مشهور در خارج از کشورش، در سالهای 1535-1545 عضو کلیسای پاپ در رم بود، پس از آن او در تولدو ریاست متریزا و سپس کلیسای جامع کلیسای جامع مالاگا را بر عهده داشت. .

مورالس یک پلی‌فونیست بزرگ بود، مولف، موته‌ها، سرودها و دیگر آثار آوازی، عمدتاً کرال. هدایت کار او بر اساس سنتز بومی اسپانیا و تسلط چند صدایی هلندی ها و ایتالیایی های آن زمان شکل گرفت. برای سال‌ها (1565-1594)، بهترین نماینده نسل بعدی استادان اسپانیایی، توماس لوئیس د ویکتوریا (حدود 1548-1611)، در رم زندگی و کار می‌کرد که به سنت، اما نه خیلی دقیق، به او نسبت داده می‌شود. به مدرسه Palestino آهنگساز، خواننده، نوازنده ارگ، رهبر گروه، ویکتوریا توده‌ها، موتت‌ها، مزامیر و دیگر آهنگ‌های معنوی را به سبک سخت‌گیرانه چند صدایی کاپلا خلق کرد، نزدیک‌تر به Palestrina تا به هلند، اما هنوز با Palestrinosa منطبق نبود - استاد اسپانیایی محدودیت‌های سخت‌تری داشت. و بیان بیشتر علاوه بر این، در آثار بعدی ویکتوریا، تمایل به شکستن "سنت فلسطین" به نفع چند گروه کر، اجرای کنسرت، تضادهای تن و سایر نوآوری ها وجود دارد که به احتمال زیاد از مکتب ونیزی سرچشمه می گیرد.

دیگر آهنگسازان اسپانیایی که عمدتاً در زمینه موسیقی مقدس کار می کردند، اتفاقاً خوانندگان موقت کلیسای پاپ در رم بودند. در 1513-1523، A. de Ribera عضو کلیسا بود، از سال 1536 B. Escobedo یک خواننده در آنجا بود، در 1507-1539 - X. Escribano، کمی بعد - M. Robledo. همه آنها موسیقی مقدس چند صدایی را به سبکی سخت می نوشتند. فقط فرانسیسکو گوئررو (1528-1599) همیشه در اسپانیا زندگی و کار کرده است. با این وجود، توده‌ها، موت‌ها، آهنگ‌های او در خارج از کشور نیز موفق بودند و اغلب توجه نوازندگان عود و ویهولی را به عنوان موادی برای تنظیم‌های ساز به خود جلب می‌کردند.

از میان ژانرهای آوازی سکولار، رایج ترین آنها در اسپانیا در آن زمان، جنس آواز چند صدایی ویلانسیکو بود، گاهی اوقات چند صدایی تر، گاهی اوقات بیشتر به سمت هم آوایی گرایش پیدا می کرد، خاستگاه آن با زندگی روزمره، اما پیشرفت حرفه ای گذشته مرتبط بود. با این حال، ماهیت این سبک را باید بدون جدا کردن آن از موسیقی دستگاهی مورد بحث قرار داد. ویلانسیکو قرن شانزدهم اغلب آهنگی است که با ویهولا یا عود همراه می‌شود، که خلق یک نوازنده و آهنگساز اصلی برای ساز انتخابی او است.

و در تعداد بی‌شماری ویلانسیکو، و به طور کلی در موسیقی روزمره اسپانیا، ملودی ملی به‌طور غیرمعمول غنی و مشخص است - اصیل، و تفاوت‌های خود را با ملودی‌های ایتالیایی، فرانسوی و حتی بیشتر از آن آلمانی حفظ می‌کند. ملودی اسپانیایی این ویژگی را در طول قرن ها حمل کرد و توجه نه تنها ملی، بلکه توجه مردم را نیز به خود جلب کرد آهنگسازان خارجیتا زمان ما نه تنها ساختار لحنی آن عجیب است، بلکه ریتم آن عمیقاً بدیع است، تزئینات و شیوه بداهه نوازی بدیع است، ارتباط با حرکات رقص ها بسیار قوی است. اثر گسترده فوق الذکر فرانسیسکو دی سالیناس "هفت کتاب در مورد موسیقی" (1577) شامل بسیاری از ملودی های کاستیلی است که توجه یک موسیقیدان فرهیخته را عمدتاً از جنبه ریتمیک خود جلب کرده است. این قطعات ملودیک کوتاه، که گاهی فقط محدوده یک سوم را پوشش می‌دهند، از نظر ریتم به طرز شگفت‌انگیزی جالب هستند: همزمانی‌های مکرر در زمینه‌های مختلف، گسست‌های شدید ریتم، فقدان کامل حرکت ابتدایی، عموماً فعالیت ثابت احساس ریتمیک، بدون اینرسی آی تی! همین ویژگی ها از سنت عامیانه توسط سکولارها اتخاذ شد ژانرهای آوازیبیشتر از همه ویلانسیکو و انواع دیگر آهنگ ها همراه با ویهولا.

ژانرهای دستگاهی در اسپانیا به طور گسترده و مستقل توسط کار آهنگسازان ارگ، به رهبری بزرگترین آنها آنتونیو د کابزون (1510-1566)، و همچنین کهکشان کامل ویهوالیست های درخشان با تعداد بی شماری از آثار آنها، که تا حدی با ملودی آوازی با ریشه های مختلف (از آهنگ ها و رقص های محلی گرفته تا آهنگ های معنوی). ما به طور ویژه در فصل موسیقی دستگاهی رنسانس به آنها باز خواهیم گشت تا جایگاه آنها را در توسعه کلی آن مشخص کنیم.

مراحل اولیه در تاریخ تئاتر موسیقی اسپانیا نیز متعلق به قرن شانزدهم است که در پایان قرن گذشته به ابتکار شاعر و آهنگساز خوان دل انسینا شکل گرفت و برای مدت طولانی وجود داشت. تئاتر درامبا مشارکت گسترده موسیقی در مکان های عملی که مخصوصاً برای آن در نظر گرفته شده است.

در نهایت، فعالیت علمی موسیقیدانان اسپانیایی در خور توجه است، که رامیس دی پارخا قبلاً به دلیل پیشروی دیدگاه های نظری خود و فرانسیسکو سالیناس به دلیل توجه به فولکلور اسپانیایی که برای آن زمان منحصر به فرد بود مورد قدردانی قرار گرفته است. اجازه دهید به چندین نظریه پرداز اسپانیایی نیز اشاره کنیم که کار خود را به مسائل اجرا در سازهای مختلف اختصاص داده اند. آهنگساز، نوازنده (با ویلون - باس ویول دا گامبا)، استاد گروه دیگو اورتیز "رساله در مورد لغات" خود را در سال 1553 در رم منتشر کرد، که در آن قوانین تغییرات بداهه در گروه (ویولون و هارپسیکورد) را به تفصیل اثبات کرد. آهنگساز توماس د سانتا ماریا رساله "هنر نواختن فانتزی" (1565) را در وایادولید منتشر کرد - تلاشی برای تعمیم روشمند تجربه بداهه نوازی در ارگ: خوان برمودو، که "اعلامیه آلات موسیقی" خود را (1555) در گرانادا، علاوه بر اطلاعاتی در مورد سازها و نواختن آنها، برخی از سؤالات موسیقی نویسی (به ویژه به ازدحام چند صدایی مخالفت کرد) در آن پوشش داده شد.

بنابراین، هنر موسیقی اسپانیا به عنوان یک کل (همراه با تئوری آن)، بدون شک، رنسانس خود را در قرن شانزدهم تجربه کرد و هم پیوندهای هنری خاصی را با کشورهای دیگر در این مرحله آشکار کرد و هم تفاوت های چشمگیری را به دلیل سنت های تاریخی و مدرنیته اجتماعی اسپانیا آشکار کرد. خود

2. زیبایی شناسی موسیقی

2.1 توسعه ژانرها و فرم های موسیقی دستگاهی

موسیقی رنسانس اپرا meistersinger

ما دوره رنسانس را مدیون شکل گیری موسیقی دستگاهی به عنوان گونه های مستقلهنر در این زمان تعدادی قطعه ساز، واریاسیون، پیش درآمد، فانتزی، روندو، توکاتا ظاهر می شود. ویولن، هارپسیکورد، ارگ به تدریج به سازهای تک نواز تبدیل شدند. موسیقی نوشته شده برای آنها امکان نشان دادن استعداد نه تنها برای آهنگساز، بلکه برای مجری را نیز فراهم کرد. اول از همه، فضیلت گرایی (توانایی کنار آمدن با مشکلات فنی) ارزش گذاری شد که به تدریج برای بسیاری از نوازندگان به یک هدف و ارزش هنری تبدیل شد. آهنگسازان قرون هفدهم تا هجدهم معمولاً نه تنها موسیقی می ساختند، بلکه استادانه سازها را می نواختند، مطالعه می کردند. فعالیت آموزشی. رفاه هنرمند تا حد زیادی به مشتری خاص بستگی دارد. به عنوان یک قاعده، هر نوازنده جدی در آرزوی به دست آوردن جایگاهی در دربار یک پادشاه یا یک اشراف ثروتمند بود (بسیاری از نمایندگان اشراف ارکسترهای خود را داشتند یا خانه های اپرا) یا در معبد. علاوه بر این، بیشتر آهنگسازان به راحتی موسیقی کلیسا را ​​با خدمات حامی سکولار ترکیب کردند.

ماهیت بسیاری از آثار آوازی قرون 14 تا 15 توسط آهنگسازان ایتالیایی و فرانسوی بیشتر ابزاری است تا آوازی (از نظر دامنه، ماهیت صدای پیشرو، همبستگی با متن کلامی یا عدم وجود کلمات امضا شده). این به طور کامل در مورد caccia Ars nova ایتالیایی، به تعدادی از آثار دوره "انتقالی" در فرانسه (اوایل قرن پانزدهم) صدق می کند. هیچ نشانه مستقیمی مبنی بر استفاده از برخی سازها در نت موسیقی وجود ندارد. ظاهراً این امر به میل مجریان بسته به توانایی آنها واگذار شده بود، به خصوص که معمولاً خود نویسنده نیز در میان آنها بود.

در اصل، هر اثر آوازی بخشی از یک توده، موت، شانسون، فروتولا، مادریگال است (به استثنای توده هایی که برای کلیسای سیستین، در جایی که شرکت سازها مجاز نبود) - در عمل می توان آن را با دو برابر کردن قطعات آوازی با سازها یا به طور جزئی (یک یا دو صدا) فقط با سازها یا به طور کامل روی یک ارگ یا گروهی از سازها اجرا کرد. اساساً این یک نوع اجرا پایدار نبود، بلکه دقیقاً فرآیند وارد کردن سازها به پلی‌فونی است که منشأ آوازی داشت. به عنوان مثال، "توده های اندام" اینگونه به وجود آمد - یک پدیده میانی و انتقالی. در آن آهنگ‌هایی که صدای بالا از نظر اهمیت برجسته بود (همانطور که اغلب در مورد Dufay یا Benchois رخ می‌داد)، استفاده از سازها به احتمال زیاد با صداهای "همراه" ملودی یا با باس هارمونیک همراه بود. اما با "تراز کردن" قطعات در چندصدایی مخصوصاً توسعه یافته مکتب هلندی، می توان (مثلاً در خوانسون) هر نسبتی از نیروهای آوازی و ساز را تا اجرای کل اثر توسط گروهی از سازها فرض کرد. در عین حال، باید برخی از احتمالات خاص دیگر را نیز در نظر داشت که در نت موسیقی ثبت نشده اند. مشخص است که در ارگ، به عنوان مثال، در قرن پانزدهم، نوازندگان با تجربه، هنگام پردازش یک آهنگ، ملودی آن را "رنگی" (با تزئینات) می کردند. ممکن است یک نوازنده با مشارکت هر یک در اجرای موسیقی آوازی، تزیینات بداهه را نیز در قسمت خود وارد کند، که مخصوصاً اگر خود نویسنده در ارگ بنشیند، طبیعی بود. پس از همه اینها، جای تعجب نیست که در قرن شانزدهم، زمانی که ژانرهای ابزاری در حال شکل گیری بودند، آثار چندصدایی با نام "per cantare o sonare" ("برای آواز خواندن یا نواختن") هنوز هم اغلب به وجود آمدند. که بالاخره شناخت کامل رویه موجود بود!

در موسیقی روزمره، به ویژه در رقص ها، اگر با آهنگ همراه نمی شد (در اسپانیا، ترکیب آهنگ و رقص مکرر است)، سازها، به اصطلاح، فارغ از نمونه های آوازی باقی می ماندند، اما با اساس ژانر هر یک به هم متصل می شدند. رقص، ریتم، نوع حرکت. سنکرتیسم این نوع هنر همچنان پابرجا بود.

از این انبوه پدیده‌های جدایی ناپذیر، از رویه‌ای که در نت‌نویسی موسیقی منعکس نمی‌شود، از فرآیند طولانی‌مدت جذب اصول آوازی و ساز، در طول زمان، توسعه ژانرهای سازهای مناسب آغاز شد. تنها در قرن پانزدهم به سختی ظهور کرد، در طول قرن شانزدهم ملموس شد، راه استقلال هنوز طولانی بود، و تنها در برخی از اشکال (بداهه نوازی) سازگرایی واقعی نویسندگی موسیقی پدیدار شد. در همان مراحل اولیه مسیر موسیقی دستگاهی به سوی خود تعیینی، دو حوزه ژانری با گرایش های مشخصه خود پدید آمد. یکی از آنها عمدتاً با سنت چند صدایی، "آکادمیک"، با فرم های بزرگ مرتبط است. دیگری مبتنی بر سنت موسیقی، آواز و رقص روزمره است. اولی عمدتاً توسط ترکیبات برای اندام نشان داده می شود ، دومی - در درجه اول توسط رپرتوار عود. هیچ خط صعب العبوری بین آنها وجود ندارد. ما فقط می توانیم در مورد غلبه سنت های خاص صحبت کنیم، اما با نقاط تماس آشکار. بنابراین، در آثار برای عود، دستگاه های پلی فونیک منتفی نیست و تغییرات در آهنگ ها به زودی در موسیقی ارگ ظاهر می شود. و در هر دو ساز، توسعه فرم های بداهه آغاز می شود، که در آن دقیقاً ویژگی این ساز است که به وضوح برجسته می شود - تقریباً با آزادی کاملاز نمونه های آوازی این موفقیت های به ظاهر ناچیز ساز نوازی پس از آماده سازی طولانی حاصل شد که دقیقاً در رنسانس اتفاق افتاد و ریشه در همان تمرین موسیقی آن زمان داشت.

2.2 آلات موسیقی دوره رنسانس

در دوران رنسانس، ترکیب آلات موسیقی به طور قابل توجهی گسترش یافت، انواع جدیدی به سیم ها و بادی های موجود اضافه شد. در میان آنها، جایگاه ویژه ای توسط ویولاها اشغال شده است - خانواده ای از سیم های کمانی که زیبایی و اصالت صدا را شگفت زده می کند. از نظر شکل، آنها شبیه سازهای خانواده ویولن مدرن (ویولن، ویولا، ویولن سل) هستند و حتی پیشینیان بلافصل آنها به حساب می آیند (آنها تا اواسط قرن 18 در تمرین موسیقی همزیستی داشتند). با این حال، یک تفاوت وجود دارد و یک تفاوت قابل توجه. ویولاها دارای سیستم طنین زنی هستند. به عنوان یک قاعده، تعداد آنها به اندازه اصلی است (شش تا هفت). ارتعاش سیم‌های طنین‌دار صدای ویولا را نرم و مخملی می‌سازد، اما استفاده از ساز در ارکستر دشوار است، زیرا به دلیل تعداد زیاد سیم‌ها به سرعت از کوک خارج می‌شود. برای مدت طولانی صدای ویولا الگویی از پیچیدگی در موسیقی محسوب می شد. سه نوع اصلی در خانواده ویولا وجود دارد. ویولا دا گامبا ساز بزرگی است که نوازنده آن را به صورت عمودی قرار می دهد و با پاهای خود از دو طرف نیشگون می گیرد (کلمه ایتالیایی گامبا به معنای "زانو" است). دو گونه دیگر - viola da braccio (از آن. braccio - "ساعد") و viol d "amour (fr. viole d" amour - "viola of love") به صورت افقی جهت‌گیری می‌شدند و هنگام پخش روی شانه فشار می‌دادند. ویولا دا گامبا از نظر گستره صوتی به ویولن سل نزدیک است، ویولا دا براسیو به ویولن نزدیک است و ویولا دا گامبا نزدیک به ویولا است. سازهای کنده شدهمحل اصلی رنسانس توسط عود (لوتنیا لهستانی، از عربی "alud" - "درخت") اشغال شده است. این ساز در اواخر قرن چهاردهم از خاورمیانه به اروپا آمد و در آغاز قرن شانزدهم رپرتوار عظیمی برای این ساز وجود داشت. ابتدا آهنگ هایی به همراهی عود خوانده می شد. عود بدن کوتاهی دارد. قسمت بالایی صاف است و قسمت پایینی شبیه یک نیمکره است. یک گردن به گردن پهن وصل شده است که با فرک ها تقسیم می شود و سر ساز تقریباً با زاویه قائم به عقب خم می شود. در صورت تمایل می توانید شباهت آن به کاسه ای به شکل عود را مشاهده کنید. دوازده سیم به صورت جفت گروه بندی می شوند و صدا هم با انگشتان و هم با یک صفحه مخصوص - یک پلکتوم - استخراج می شود. در قرن پانزدهم تا شانزدهم، انواع مختلفی از صفحه کلید به وجود آمد. انواع اصلی چنین سازهایی - هارپسیکورد، کلاویکورد، جمبالو، ویرجینال - به طور فعال در موسیقی رنسانس استفاده می شد، اما اوج واقعی آنها بعداً رسید.

2.3 تولد اپرا (دوربین فلورانس)

پایان رنسانس با مهمترین رویداد در این کشور مشخص شد تاریخ موسیقی- تولد اپرا

گروهی از اومانیست ها، موسیقی دانان و شاعران در فلورانس تحت نظارت رهبر خود کنت جیووانی دی بردی (1534 - 1612) گرد هم آمدند. این گروه "kamerata" نام داشت، اعضای اصلی آن جولیو کاچینی، پیترو استروزی، وینچنزو گالیله (پدر ستاره شناس) بودند. گالیله گالیله)، گیلورامو می، امیلیو د کاوالیری و اتاویو رینوچینی در سال های جوانی.

اولین جلسه مستند این گروه در سال 1573 برگزار شد و فعال ترین سال های "فلورانس Camerata" 1577 - 1582 بود.

اسناد مشابه

ویژگی های متمایز کنندهفرهنگ موسیقی رنسانس: ظهور فرم های آواز (مادریگال، ویلانسیکو، فروتول) و موسیقی دستگاهی، ظهور ژانرهای جدید (آهنگ انفرادی، کانتاتا، اوراتوریو، اپرا). مفهوم و انواع اصلی بافت موسیقی.

چکیده، اضافه شده در 1391/01/18


موسیقی آوازی، دستگاهی و آوازی-ساز. ژانرهای اصلی و جهت گیری های موسیقی آواز و دستگاهی. محبوبیت نوع موسیقی دستگاهی در دوره رنسانس. ظهور اولین مجریان فاضل.

ارائه، اضافه شده در 2014/04/29


ویژگی های موسیقی روسی قرن هجدهم. باروک دورانی است که ایده هایی در مورد موسیقی باید شکل بگیرد، این فرم های موسیقی تا به امروز ارتباط خود را از دست نداده اند. نمايندگان بزرگ و آثار موسيقي دوران باروک.

چکیده، اضافه شده در 1389/01/14


برگه تقلب، اضافه شده در 11/13/2009


دوران رنسانس (رنسانس) به عنوان اوج شکوفایی انواع هنرها و جذابیت چهره های آنها به سنت ها و فرم های کهن است. قوانین هماهنگی ذاتی در فرهنگ موسیقی رنسانس. جایگاه پیشرو موسیقی مقدس: توده ها، موته ها، سرودها و مزامیر.

تست، اضافه شده در 2010/05/28


ضبط موسیقی بین النهرین. زمینه اصلی فعالیت خوانندگان و گروه های کر حرفه ای در مصر در دوران پادشاهی قدیم. استفاده از الفبای فنیقی در یونان باستان. هنر کرال دوران قرون وسطی، هند و چین. سابقه نامعتبر

ارائه، اضافه شده در 10/06/2015


موسیقی یکی از مهم ترین مکان ها در نظام هنرهای هند باستان را به خود اختصاص داد. خاستگاه آن به آداب عامیانه و مذهبی برمی گردد. ایده های کیهان شناختی هند باستان حوزه های موسیقی آوازی و دستگاهی را لمس می کرد. آلات موسیقی هندی

کار کنترل، اضافه شده در 2010/02/15


ژانر موسیقی به عنوان یک نوع اثر تاریخی تثبیت شده در وحدت فرم و محتوای آن. ژانرهای اصلی در موسیقی معاصر. ذات موسیقی الکترونیکی, سبک پاپ, موسیقی راک, رپ. ژانرهای جدید قرن بیست و یکم. غیر معمول ترین آلات موسیقی.

مقاله ترم، اضافه شده در 2017/12/20


خاستگاه های موسیقی راک، مراکز پیدایش آن، مؤلفه های موسیقی و ایدئولوژیک. موسیقی راک دهه 60، ظهور موسیقی سخت و ظهور گاراژ راک. فرهنگ موسیقی جایگزین موسیقی راک دهه 2000 و افراد خارجی در تمام دوران.

چکیده، اضافه شده در 01/09/2010


آواز Znamenny - تاریخ توسعه. شعر و سرود شناسی موسیقی. نویسندگی موسیقی روسیه باستان. موسیقی کرال و خلاقیت D. Bortnyansky. تاریخچه اپرای روسیه، ویژگی های زبان روسی تئاتر ملی. پرتره های خلاقانه آهنگسازان.