موسیقی قرن 19. موسیقی روسی نیمه اول قرن نوزدهم

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

نوشته شده در http://www.site/

تاریخمنفرهنگ موسیقی روسیه قرن نوزدهمآ

ویژگی های تاریخی فرهنگ موسیقی روسیه در قرن نوزدهم

قرن نوزدهم به عنوان دوره توسعه کامل و همه جانبه آن وارد تاریخ فرهنگ موسیقی روسیه شد. در این دوره M.I آثار جاودانه خود را خلق کرد. گلینکا، A.S. دارگومیژسکی، A.P. بورودین، م.پ. موسورگسکی، N.A. Rimsky-Korsakov، M.A. Balakirev، P.I. Tchaikovsky. توسعه بیشتر کلاسیک های موسیقی روسیه با نام های A.K. گلازونوف، A.K. لیادوا، S.I. تانیوا، A.N. اسکریابین و اس.و. راخمانینوف، بخش قابل توجهی از آثار او در قرن بیستم است.

روند ایجاد فرهنگ موسیقی روسیه به سرعت و با خشونت انجام شد. او به طور همزمان در مسیرهای مختلف رفت: در زمینه دستاوردهای خلاقانه جدید در ژانرهای مختلف، غنی سازی فعال وسایل بیانی، در توسعه اندیشه موسیقایی-انتقادی و زیبایی شناختی.

دستاوردهای نیمه اول قرن نوزدهم توسط دوره قبل تهیه شد، اما بسیاری از آنها کاملاً جدید بودند که به دلیل تغییرات در خود زندگی به وجود آمد. محتوا و جهت ایدئولوژیک و زیبایی‌شناختی توسعه هنر توسط وضعیت متشنج و پیچیده سیاسی-اجتماعی تعیین شد که نه تنها در روسیه، بلکه در اروپای غربی نیز ایجاد شد. توسعه اقتصادی و سیاسی تعدادی از کشورهای اروپایی به دلیل سیاست تهاجمی ناپلئون اول، که پس از شکست انقلاب فرانسه در پایان قرن 18 امپراتور فرانسه شد، با مشکل مواجه شد. کارزار نظامی علیه روسیه با شکست ناپلئون به پایان رسید. در جنگ میهنی 1812، تمام مردم روسیه برای دفاع از میهن ایستادند. این وقایع باعث خیزش بزرگ در جامعه شد ، باعث تجلی میهن پرستی شدید مردم ، رشد مدنی و خودآگاهی آنها شد. در همان زمان، پیروزی بر ناپلئون، نگاهی تازه به وضعیت توده ها را مجبور کرد. نارضایتی مردم در حال افزایش است، ناآرامی های دهقانی تشدید می شود، خلق و خوی مخالف در میان بهترین نمایندگان اشراف به وجود می آید، که تضاد وحشتناک بین نیروی قهرمان قدرتمند مردم و موقعیت محروم و مظلوم آنها را در کشور درک می کنند. این وقایع بود که قوی ترین انگیزه را به جنبش دکابریست داد که در سال 1825 به طرز وحشیانه ای سرکوب شد.

در تاریخ هنر روسیه، قیام دکبریست نقطه عطفی عمیق را رقم زد. ایدئولوژی Decembrists به عنوان خاکی بود که A.S. پوشکین. در آستانه قیام دسامبر ، پوشکین اولین تراژدی فولکلور واقع گرایانه "بوریس گودونوف" را نوشت ، گریبودوف کمدی اتهامی "وای از هوش" را نوشت ، سالهای دکبریست باعث شکوفایی بی سابقه ژانرهای شاعرانه شد.

در زمینه موسیقی نیز تغییرات تعیین کننده ای ایجاد شد. آهنگسازان اوایل قرن نوزدهم در زمینه ژانرهای تئاتری بسیار کار کردند. اپراهای افسانه ای شاهزاده نامرئی و ایلیا بوگاتیر، اپرای میهنی ایوان سوزانین اثر کاووس، موسیقی کوزلوفسکی برای تراژدی های V.A. اوزروف "ادیپ در آتن و فینگال"، "دبورا" اثر شاخوفسکی، سخنوری از S.A. دگتیارف "مینین و پوژارسکی" یا "آزادی مسکو".

Vaudeville - یک کمدی سبک با شماره های موسیقی - گسترده شده است. اولین ودویل روسی را نمایشنامه شاخوفسکی "شاعر قزاق" با موسیقی کاووس می دانند.

خلاقیت دستگاهی آهنگسازان روسی عمدتاً با ساخت موسیقی خانگی مرتبط بود. از آثار بزرگ، اورتور کنسرت، سمفونی یک موومان توسط A.A. آلیابیوا. به عنوان نویسنده ژانرها و قطعات مختلف پیانو، A.L. گوریلف. مهم ترین سونات، «24 پیش درآمد و فوگ». ژانر واریاسیون ها بسیار توسعه یافته بود. کوارتت ها و آثار دیگر برای گروه های ساز نیز خلق می شود. گیتار محبوبیت خاصی به دست آورد، بنیانگذار مدرسه گیتار A.O. سیکرا

آهنگسازان A.N. ورستوفسکی، A.A. آلیابیف، A.E. وارلاموف، A.L. گوریلف.

ورستوفسکی به عنوان آهنگساز تئاتر و نویسنده اپراهای عاشقانه وارد تاریخ موسیقی شد. این ورستوفسکی بود که اپرای روسی را احیا کرد. به مدت 10 سال حتی یک اثر قابل توجه در این ژانر خلق نشد. او در بهترین اپرای خود "قبر آسکلد" مضامین، تصاویر و ابزارهای جدیدی برای بیان موسیقی و نمایش ارائه کرد.

در دوره دهه 1920، M.I. گلینکا. دوره مورد نظر را می توان دوره گلینکا نامید. توانا فرد خلاقگلینکا موسیقی روسی را به سطح جدیدی از توسعه ارتقا داد و تقریباً همه چیزهایی را که توسط پیشینیان خود ساخته بود تحت الشعاع قرار داد. خالق روسی اپرای کلاسیکو رمانس کلاسیک، او همچنین پایه های سمفونیزم کلاسیک روسی را بنا نهاد. ویژگی های اصلی که او را در میان دیگر آهنگسازان ارتقا می دهد، وسعت دیدگاه او به جهان، ارتباط عمیق با زمان خود و زندگی مردمش است.

در نیمه دوم دهه 1930، نام جدیدی در موسیقی روسی مطرح شد - دارگومیژسکی. آغاز قرن نوزدهم در روسیه با توسعه سریع یک روند جدید مشخص شد که تمام کشورهای اروپا را فرا گرفت - رمانتیسم. رمانتیسم تأثیر زیادی بر سرنوشت هنر جهان گذاشت. از جدید ابراز نارضایتی کرد نسل جوانواقعیت پیرامون، اعتراض به ساختار اجتماعی ناعادلانه جهان. رویاهای آزادی شخصیت انسانی، تجلی آزاد نیروهای معنوی یک فرد با قدرت فوق العاده در کار بایرون منعکس شد. بزرگترین چهره های هنر - شوپن و میکیویچ، هوگو، برلیوز و لیست - نام خود را با ایدئولوژی "رمانتیسم ستیزه جو" مرتبط کردند.

از اهمیت ویژه ای برای توسعه هنر روسیه یک روند مهم رمانتیسم بود - مبارزه برای اصالت ملی اشکال هنری، سبک و ابزار بیان. رمانتیک ها در دفاع از هر چیزی فردی، اصلی، مشخصه بیرون آمدند. آنها سعی کردند به زندگی مردم بومی خود، در گذشته تاریخی آن، به ترانه ها، داستان ها و افسانه های عامیانه علاقه مند شوند. این جنبه های زیبایی شناسی رمانتیک بود که در درجه اول بر کار آهنگسازان دوره پوشکین تأثیر گذاشت و به آنها کمک کرد تا زبان و سبک موسیقی روسی را به میزان قابل توجهی غنی کنند.

در بهترین آثار دوران رمانتیسم، در عاشقانه های گلینکا، آلیابیف، در اپراهای ورستوفسکی، در اشعار خلقی وارلاموف، انعکاس روشنی از زندگی عامیانه، شخصیت ها و انواع، میل به نفوذ به اعماق پیدا می کنیم. روح انسان. غلبه بر افراط های زیبایی شناسی رمانتیک - ذهنیت گرایی، اغراق احساسات، تلاش برای "استثنایی" - آهنگسازان روسی، مانند هم عصران خود - شاعران، به سمت بازتولید واقعی تر و جامع تری از واقعیت می روند.

پوشکین تأثیر تعیین کننده ای در کل مسیر توسعه موسیقی روسیه داشت. مفهوم پوشکین داستان تاریخیمسیر گلینکا به اپرای فولکلور-قهرمانی "ایوان سوزانین" را آماده کرد. روسلان و لیودمیلا و روسالکا پوشکین که از نظر روحی و سبکی عمیقاً مردمی بودند، تعیین کننده توسعه بیشتر اپرای کلاسیک روسی توسط گلینکا و دارگومیژسکی بودند. اشعار غنایی او اساس رمانس کلاسیک روسی شد.

در اواسط قرن نوزدهم، کلاسیک های موسیقی روسی نمونه ای از وحدت محتوای عمیق و فرم هنری کامل را ارائه می دهد. ژانر اپرا به طور قابل توجهی تغییر کرده است. این دیگر شبکه ای از افراد نیست شماره های موسیقیبا یک طرح، اما یک اثر موسیقیایی و نمایشی یکپارچه با یک مفهوم موضوعی واحد و یک فرم یکپارچه متحد شده است. هسته توسعه چشمگیر تعارض است. گلینکا در اپراهای خود تصاویری از تاریخ روسیه ("ایوان سوزانین"، 1836)، حماسه حماسی ("روسلان و لیودمیلا"، 1842) باز کرد. دارگومیژسکی معاصر او در اپرای Rusalka درام نابرابری اجتماعی را نشان داد، درام یک انسان عادی.

موسیقی سمفونیک گلینکا، "کامارینسکایا" و "اورتور اسپانیایی" او پایه های موسیقی برنامه را پایه ریزی کرد. همان اصول توسعه سمفونیک توسط شاگرد او بالاکیرف، چایکوفسکی و آهنگسازان اجرا شد. مشت قدرتمند».

توسعه فرهنگ موسیقی در قرن نوزدهم پیچیده و پر از تضاد بود. آغاز قرن نوزدهم دوره توسعه ژانر عاشقانه است. رمانس روسی تحت تأثیر شعر روسی، به ویژه آثار A.S. Pushkin بود. فرهنگ موسیقی روسی

عاشقانه های روزمره روسی در آن زمان، به عنوان یک آزمایشگاه برای نوای خلاقانه، ایجاد یک سبک جدید موسیقی تبدیل شد. ملودی روسی و اوکراینی، ریتم های رقص روسی و اروپای غربی، گفتار و لحن های دکلمه ای در موسیقی آوازی، "ایتالیایی ها" جداگانه و چرخش های رایج موسیقی آلمانی، فرانسوی - همه اینها را می توان در ژانر عاشقانه روزمره یافت.

ویژگی های اصلی موسیقی عاشقانه روزمره: نقش اصلی در ملودی متعلق به لحن ششم است: پرش یک ششم به بالا و پرش یک فرقه به پایین به یک لحن مقدماتی هارمونیک با وضوح بعدی. استفاده گسترده از تکنیک های حفظ ملودیک؛ استفاده مکرر از یک رجیستر کم، که به موسیقی یک ویژگی خاص و رقت انگیز می بخشد. گنجاندن چرخش های تلاوت و اعلان به عنوان ابزار نمایش. غلبه مینور هارمونیک؛ انحراف مکرر در نزدیکترین کلیدها، کنار هم قرار دادن ماژور و مینور برای نشان دادن تغییر خلق و خو، استفاده مکرر از چهارمین درجه برجسته. استفاده از ریتم های رقص های روزمره، به ویژه والس، مازورکا، پولونیز، سرناد؛ ارتباط با موسیقی دستگاهی روزمره، که در استفاده از فیگوراسیون های گیتار مانند و چنگ بیان می شود. شکل عاشقانه اغلب دوبیتی است. گسترش سبک کولی اجرا.

روندهای رمانتیک خود را در ژانر تصنیف نشان دادند. تصنیف های قابل توجهی از ورستوفسکی، آلیابیف، وارلاموف ظاهر شد. تصنیف که در قالب آزاد یک مونولوگ دراماتیک گسترده ساخته شده بود، با پیچیدگی ترکیب متمایز شد.

ورستوفسکی را خالق تصنیف می دانند. تصنیف‌های «شال سیاه» او به قول A.S. پوشکین، "سه آهنگ یک اسکالد"، "خواننده بیچاره" به قول ژوکوفسکی. یکی از گسترده ترین ژانرها در موسیقی نیمه اول قرن نوزدهم "آهنگ روسی" است که به عنوان تقلیدی از موسیقی محلی بوجود آمد. اینها آهنگهای فولکلور هستند. اهمیتاین ژانر را از Alyabyev، Gurilev، Varlamov دریافت کرد. "ترانه های روسی" آنها از نظر محتوا غنی و متنوع است.

در عصر پوشکین، مرثیه به نوع خلاقیت مورد علاقه شاعران و موسیقی دانان تبدیل می شود - نوع خاصعاشقانه، که تحت سلطه تفکر، تأمل، مراقبه عمیق است. مرثیه های پوشکین، سرشار از محتوای فلسفی و مدنی، آهنگسازان بسیاری را به خود جذب کرد. مرثیه گنیشتا به سخنان پوشکین "نور روز خاموش شد" مشهور است. قابل توجه است مرثیه گلینکای جوان "وسوسه نکن" به سخنان باراتینسکی. جایگاه ویژه ای در هنر آوازی روسی توسط ترانه های نوشیدن و راهپیمایی اشغال شده است که در آنها موضوع قهرمانانه-میهنی لمس می شود.

شاهد رشد فرهنگ موسیقی روسیه در ربع دوم قرن نوزدهم، آثار آلیابیف، وارلاموف و گوریلف بود.

علیابیفA.A.(1787-1851)

الکساندر الکساندرویچ آلیابیف در توبولسک متولد شد. او مانند بسیاری از معاصران بزرگ خود از خانواده ای اصیل متولد شد و در کودکی آموزش عالی و همه کاره ای دریافت کرد. او از کودکی استعداد خلاقیت خود را نشان داد. در سال 1812م داوطلبانه برای هنگ حصار شرکت کرد، در بسیاری از نبردها شرکت کرد، مجروح شد و برای شایستگی نظامی جوایزی دریافت کرد. از سال 1823 در مسکو زندگی کرد. به همراه A.N. ورستوفسکی و اف. چ. شولز موسیقی پیش درآمد "پیروزی موسوم" را برای افتتاحیه تئاتر بولشوی نوشتند. در سال 1825 به دروغ متهم به قتل شد و با سلب همه حقوق و عنوان اشراف به سیبری تبعید شد. دلیل این حکم شدید ظاهراً نزدیکی او به محافل دکابریست بوده است. در سال 1828 آلیابیف به توبولسک فرستاده شد. اینجا او رهبری کرد ارکستر سمفونیو یک گروه کر، به عنوان رهبر ارکستر و پیانیست. او با وجود ناتوانی سلامتی اش زیاد می نویسد. با او، مضامین میهن پرستی و عشق به آزادی وارد عاشقانه روسیه شد. ارتباط با A.S برای او مهم بود. گریبایدوف، شاعران - دکبریست ها، دارگومیژسکی.

آلیابیف سهم قابل توجهی در موسیقی دستگاهی مجلسی داشت. 3 نوشتند کوارتت زهی، 2 تریو پیانو، کوئنتت پیانو، کوارتت های بادی و پنج نفره، قطعات و چرخه های تغییرات برای سازهای مختلف، موسیقی برای اجراهای دراماتیک، اپراهای شب مهتابی یا براونی، طوفان، ادوین و اسکار، ماهیگیر و پری دریایی، امالات بک.

علیابیف که معاصر گلینکا و دارگومیژسکی است، در بهترین آثار خود به روش خلاقانه این آهنگسازان نزدیک می شود. بسیاری از اپرای او روی صحنه نرفتند و در دست نوشته باقی ماندند. جایگاه ویژه ای در آثار علیابیف توسط "ترانه های روسی" و عاشقانه ها - مونولوگ ها اشغال شده است. نویسنده معروف "بلبل" ​​به قول دلویگ، آلیابیف جریانی رمانتیک را وارد موسیقی آوازی روسی کرد.

او یکی از اولین آهنگسازانی است که تعداد زیادی رمان به کلام پوشکین نوشت ("دوستت داشتم" ، "بیداری" ، "جاده زمستان" و غیره). جایگاه ویژه ای توسط عاشقانه ها - مونولوگ های مرتبط با موضوع تنهایی ، تبعید ، سرگردانی های سنگین اشغال شده است: "ایرتیش" ، "زنگ های عصر". در آثار دهه 1940، او به موضوعاتی با اهمیت اجتماعی روی می آورد: "میخانه"، "کلبه"، "نگهبان دهکده" به سخنان N.P. Ogarev، "گدا" به سخنان Beranger، که در آنها تصاویری از فقرا وجود دارد. نشان داده شده. این آهنگ ها آثار بدیع دارگومیژسکی ("تب") و موسورگسکی ("کالیسترات"، "گوپاک"، "ترپاک") را آماده کردند.

آلیابیف به دنبال به روز رسانی ابزار بیان بود. او عناصر دکلماتور ملودی آوازی را توسعه داد، معنای بیانی هارمونی و بافت را افزایش داد و به بخش پیانوی عاشقانه اهمیت مستقل داد.

وارلاموفA.E.(1801-1848)

الکساندر اگوروویچ وارلاموف آهنگساز، خواننده، معلم و خواننده و رهبر ارکستر روسی است. او تحصیلات موسیقی خود را در کلیسای کوچک دادگاه سنت پترزبورگ، جایی که خواننده خوان بود و نزد مدیر کلیسای کوچک D.S. بورتنیانسکی.

در سال 1819م به عنوان معلم خوانندگان نمازخانه دربار روسیه در هلند منصوب شد. در اینجا کار خود را به عنوان رهبر گروه کر، خواننده مجلسی و گیتاریست آغاز کرد. در سال 1823 به سن پترزبورگ بازگشت و به عنوان معلم آواز در یک مدرسه تئاتر مشغول به کار شد. در سال 1843 او مقام "آهنگساز موسیقی" و دستیار رهبر ارکستر تئاترهای شاهنشاهی را دریافت کرد.

در سال 1833 او اولین مجموعه عاشقانه ها و ترانه ها و اولین راهنمای روش شناختی روسی را برای آموزش آواز "مدرسه کامل آواز" منتشر کرد. او خود خواننده ای با استعداد، استاد کنتیلنا، مترجمی ظریف و متفکر بود.

وارلاموف به عنوان استاد عاشقانه وارد تاریخ موسیقی روسیه شد. عاشقانه های او منعکس کننده ساختار فیگوراتیو آهنگ فولکلور روسی، ویژگی های زبانی و مودال آن است. دانش ظریف هنر آوازیبه او کمک کرد تا نمونه‌های واضحی از کنتیلنا ​​روسی ایجاد کند، ملودی‌های آزادانه تنفس گسترده. سبک وارلاموف بسیار تحت تأثیر شیوه اجرای خوانندگان کولی بود.

وارلاموف حدود 200 رمان و آهنگ را بر اساس اشعار شاعران روسی M.Yu خلق کرد. لرمانتوف، A.N. Pleshcheeva، A.A. فتا، A.V. کولتسووا و دیگران.

در میان "آهنگ های روسی" وارلاموف، 2 ژانر غالب است - طولانی ترانه و رقص سریع. در آهنگ های کشیده - سخاوت ملودیک، انعطاف پذیری ملودی آواز، استفاده از تکنیک های آهنگ فولکلور روسی - توسعه آوازهای مختلف، آوازهای درون هجا ("اوه، زمان، زمان"، "تو اوایل چه هستی، علف") . نوع دوم شامل آهنگ هایی با ریتم فعال است: "کولاک در امتداد خیابان می چرخد" ، "بلبل ولگرد".

تأثیر فولکلور شهری با ریتم های رقص معمولی اش در عاشقانه های "سحرگاه او را بیدار نکن" ، "آواز نخوان بلبل" ​​، "برای من خیاط نکن ، مادر ، سراسران سرخ" منعکس شد (کلمات توسط Tsyganov). همراه با "زنگ" گوریلف و "بلبل" ​​آلیابیف، رمان عاشقانه "به من نزن، مادر، سارافون قرمز" به مالکیت عمومی درآمد.

نزدیک به اشعار مرثیه ای از M.I. Glinka و A.S. Dargomyzhsky، عاشقانه های Varlamov "Loneliness"، "Mountain Peaks". مونولوگ دراماتیک "یادآوری"، "غمگینی"، تصنیف "من یک اسب را زین خواهم کرد"، عاشقانه خلق و خوی به قول لرمانتوف "بادبان تنها سفید می شود" سنت خاص خود را در اشعار روسی ایجاد کردند و در اثر پاسخ یافتند. از ع.ش. دارگومیژسکی، پی.آی.چایکوفسکی، اس.و.رخمانینوف.

آثار اصلی: باله "تفریح ​​سلطان یا برده فروش"، "پسر حیله گر و آدمخوار"، 200 عاشقانه و آهنگ، گروه های آواز، گروه های کر، موسیقی برای اجراهای دراماتیک.

گوریلفA.L.(1803-1858)

الکساندر لوویچ گوریلف - آهنگساز روسی، ویولونیست، معلم پیانیست. پسر یک نوازنده سرف در مسکو به دنیا آمد. او موسیقی را زیر نظر پدرش آموخت. از کودکی در ارکستر قلعه ویولن و ویولا می نواخت. در سال 1831 به همراه پدرش آزادی خود را دریافت کرد. به عنوان آهنگساز، پیانیست و معلم مشهور می شود. شرایط سخت مادی و بیماری شدید روحی در سال های آخر عمر مانع فعالیت خلاقانه او شد. اما با وجود این تعداد زیادی اثر نوشت.

پوشش ژانرها در میراث پیانوی گوریلف گسترده است - قطعات کوچک، فانتزی های کنسرت با مضامین اپرای دونیزتی "لوکرزیا بورجیا"، فانتزی با مضامین اپرای گلینکا "ایوان سوزانین"، تغییرات در مضامین عاشقانه های آلیابیف "بلبل، شب من". "، وارلاموف "در سپیده دم او را بیدار نکن"، تغییراتی در مضامین ترانه های فولکلور روسی، پولونز، 2 والس، 5 مازورکا، و غیره. طیف گسترده ای از تکنیک های هارمونیک، روانی در تکنیک نوشتن پیانو، ویرتوز گستره این موضوع دلیلی برای صحبت از گوریلف به عنوان یک آهنگساز با استعداد، و به عنوان یک نوازنده ظریف، یک نوازنده با مهارت های عالی پیانو است. او عاشقانه های زیادی به سخنان Y. Lermontov، A.N. کولتسف، ای. ماکاروف، ن. تصاویر جذاب دختران در آهنگ های "مادر کبوتر"، "غم دختر"، "سارافان" داده شده است. همه آنها با ویژگی ژانر خود، نرمی حرکت سه قسمتی در ریتم والس متمایز می شوند.

بهترین عاشقانه های گوریلف با اشعار گلینکا و دارگومیژسکی طنین انداز می شود. ما تأثیر گلینکا را در چرخش های لحنی، روش های معمولی پرش به سمت بالا و پر کردن آن، آواز خواندن صدای مرکزی توسط چهره هایی مانند گروپتو و غیره می یابیم.

اما در بهترین عاشقانه ها، گوریلف جذاب ترین جنبه های استعداد غنایی خود را آشکار می کند. از جمله عاشقانه های او "تو غم من را نمی فهمی" ، "موسیقی درونی" ، "جدایی". نزدیکی با دارگومیژسکی را می توان در رمان عاشقانه به کلمات لرمانتوف "هم خسته کننده و هم غم انگیز" مشاهده کرد. انبار دکلماتور ملودی، دامنه فشرده آن، لهجه های گفتاری بیانگر به موسیقی شخصیت گفتگو با خود می دهد. آلیابیف، وارلاموف، گوریلف تا حد زیادی پیش بینی کردند، مسیر آینده عاشقانه روسی را آماده کردند.

روسیموسیقیهجدهمواولیننیمنوزدهمقرن

موسیقی روسی مسیر طولانی و باشکوهی را در توسعه خود طی کرده است. چند آهنگساز بزرگ: گلینکا، دارگومیژسکی، بورودین، موسورگسکی، ریمسکی-کورساکوف، چایکوفسکی، اسکریابین، راخمانینوف، گلازونوف و بسیاری دیگر! هنر آنها میهن ما را تجلیل کرد. موسیقی آنها در تمام کشورهای جهان به صدا در می آید و احساسات روشن، مهربان و پاک را در قلب مردم بیدار می کند. شکوفایی فرهنگ موسیقی در قرن 19 توسط کل دوره توسعه آن در روسیه آماده شد. قرن هاست که چشمه های گرانبهای هنر موسیقی در میان مردم انباشته شده است. خلاقیت شعری و موسیقی عامیانه وجود داشت زمان های قدیمو تمام زندگی و تاریخ مردم را منعکس می کرد: آداب و رسوم آنها، کار و مبارزه آنها برای آزادی، امیدها و رویاهای آنها یک زندگی بهتر. آهنگ های خشن و شجاعانه زیادی در مورد استپان رازین، املیان پوگاچف و دیگر رهبران در میان مردم ایجاد شد. قیام های دهقانیو جنگ ها شاعر بزرگ روسی A.S. پوشکین از آهنگ های رازین و پوگاچف بسیار قدردانی کرد. پوشکین در داستان خود "دختر کاپیتان" از آهنگ "صدا نکن، مادر جنگل بلوط سبز" استناد می کند و از آن به عنوان آهنگ مورد علاقه پوگاچف یاد می کند. آهنگسازان کلاسیک روسی ما آهنگ بومی خود را با دقت جمع آوری و مطالعه کردند. برخی از آنها - بالاکیرف، ریمسکی-کورساکوف، لیادوف - مجموعه هایی از آهنگ های روسی را برای صدا همراه با پیانو گردآوری کردند. در آثار خود اغلب از ملودی های روسی استفاده می کردند. و هنگام آهنگسازی ملودی های خود ، آهنگ ها ، آوازها و چرخش های ملودیک مشخصه آهنگ های روسی را به آنها وارد کردند. موسیقی گلینکا و چایکوفسکی، بورودین و موسورگسکی دقیقاً به این دلیل که سرشار از ملودی های زیبا و آواز است برای مخاطبان گسترده قابل درک و قابل دسترس است. در قرن 18، خانوار شهری ترانه، با همراهی هارمونیک آکورد، در ویژگی بیانی جدید. آواز شهری که ساختارش ساده‌تر است، بر اساس ملودیک یک آواز عامیانه قدیمی که اغلب «آواز دهقانی» نامیده می‌شود، پدید آمد. و تقریباً در هر آهنگ شهری تا حدودی از نغمه ها و ویژگی های مودال و ریتمیک یک آهنگ قدیمی استفاده شده است. آثار شاعران روسی تأثیر قابل توجهی در توسعه آواز شهری داشت. نمونه ای از این آهنگ "چگونه تو را ناراحت کردم" است که توسط خوانندگان محلی با کلمات کمی تغییر یافته شاعر مشهور روسی قرن 18 A. Sumarokov ساخته شده است. در قرن 18 وجود دارد نت آهنگ سوابقآهنگ های محلی روسی. اولین مجموعه از آهنگ های محلی توسط خواننده-گوسلیست V. Trutovsky منتشر شد. پس از آن مجموعه ای گسترده توسط شاعر مشهور روسی N. Lvov با همکاری I. Prach گردآوری شد. این مجموعه ها نه تنها محبوب ترین و محبوب ترین آهنگ های قدیمی مردم، بلکه آهنگ های جدیدتر شهری را نیز شامل می شد. مجموعه ها عاشقان موسیقی را با ملودی های زیبای روسی آشنا کردند. بسیاری از آهنگ ها متعاقباً توسط آهنگسازان در اپراها و در آثار دستگاهی مورد استفاده قرار گرفت. در طول قرن هجدهم، آهنگ‌های معمولی ترانه‌های عامیانه به طور فزاینده‌ای در نمایش‌های مختلف دستگاهی، در موسیقی برای نمایش‌های تئاتر و در اپرا شنیده می‌شود. البته علاقه به ملودی های عامیانه بلافاصله ایجاد نشد. در ابتدا، ساکنان هر دو پایتخت روسیه از آثار آهنگسازان خارجی راضی بودند. در دربار در سن پترزبورگ، نمایش های باشکوه اپرا اغلب برای حلقه محدودی از شنوندگان به صحنه می رفت. اما فعالیت گروه های کوچک اپرا که اغلب از سن پترزبورگ و مسکو بازدید می کردند، از دهه 30 بسیار مهم تر بود. قیمت های مناسب به در دسترس بودن کلی اجراها کمک کرده است. اینها اپراهای کمیک خنده دار ایتالیایی و فرانسوی بر اساس صحنه های روزمره بودند که در آنها آواز خواندن اغلب با دیالوگ های محاوره ای متناوب می شد. با پیروی از الگوی اپراهای گفتاری، به مرور زمان خلق و اولین روس ها اپراها. در ابتدا، اینها کمدی های روزمره بی تکلف با درج های موسیقی بر اساس ملودی های آهنگ های روسی بودند. برخی از آنها زندگی و آداب و رسوم طبقات مختلف - بازرگانان، مقامات ("سن پترزبورگ گوستینی دوور" توسط نوازنده سرف M. Matinsky) را به سخره گرفتند. و این، بدون شک، پیوند اولین اپرای روسی را با ادبیات پیشرفته روسی (به ویژه با آثار فونویزین) نشان داد. در آن سال ها، «تئاتر روسی» در دسترس عموم در سن پترزبورگ بسیار معروف بود. هنرمندان با استعداد روسی، مانند، به عنوان مثال، E. Sandunova، در استیج های سن پترزبورگ و مسکو اجرا کردند. زینت تئاتر خانگی شرمتیف بازیگر فوق العاده رعیت پاراشا ژمچوگووا بود (آهنگ "آخر عصر از جنگل" در مورد سرنوشت خارق العاده او در بین مردم شکل گرفت). با این حال، سرنوشت بازیگران و نوازندگان با استعداد روسی در شرایط روسیه فئودالی اغلب غم انگیز بود، بسیاری از نوازندگان نابهنگام مردند. علیرغم موقعیت دشوار و محروم موسیقیدانان، در ربع آخر قرن هجدهم، روسیه در حال توسعه مکتب آهنگسازی خود بود. آهنگسازان جوان عاشقانه ها و اقتباس های رسا از آهنگ های روسی، قطعات پیانو و ویولن، اورتورهای سمفونیک، موسیقی برای اجرا و در نهایت اپرا خلق می کنند. از جمله آنها دوبیانسکی، برزوفسکی، بورتنیانسکی، فومین، خاندوشکین و دیگران بودند.

به سایت ارسال شد

اسناد مشابه

شناسایی چشم اندازها برای گسترش دامنه فرآیند آموزشی و اجرایی به منظور برانگیختن علاقه دانش آموزان به موسیقی پیانو آهنگسازان روسی. تجزیه و تحلیل آثار پیانو گلینکا، معاصران او: آلیابیف، گوریلف، وارلاموف.

پایان نامه، اضافه شده در 1394/07/13


نیمه دوم قرن نوزدهم زمان اوج شکوفایی موسیقی روسی است. "مشت توانا" یک جامعه خلاق از آهنگسازان روسی است که در اواخر دهه 1850 و اوایل دهه 1860 شکل گرفت. میخائیل ایوانوویچ گلینکا به عنوان بنیانگذار موسیقی کلاسیک روسیه.

ارائه، اضافه شده در 2014/12/20


ویژگی ها و جهت گیری های شکل گیری فرهنگ موسیقی در روسیه در دوره تاریخی مورد مطالعه، ظهور و استفاده از ارگ، کلاویکورد، فلوت، ویولن سل. مسیر توسعه موسیقی چندصدایی روسی در دوره باروک. خوانندگی کنسرت.

ارائه، اضافه شده در 10/06/2014


ویژگی های موسیقی لهستانی در آغاز قرن نوزدهم. شوپن، گلینکا، لیست - مبتکران جنبش برای ایجاد مدارس ملی. شوپن به عنوان بیشترین نماینده روشنفرهنگ موسیقی لهستان تصویر لهستان و تصاویری از گذشته باشکوه آن، آهنگ های محلی.

مقاله ترم، اضافه شده 06/12/2012


ویژگی های موسیقی روسی قرن هجدهم. باروک دورانی است که ایده هایی در مورد موسیقی باید شکل بگیرد، این فرم های موسیقی تا به امروز ارتباط خود را از دست نداده اند. نمایندگان بزرگ و آثار موسیقیدوران باروک

چکیده، اضافه شده در 1389/01/14


زندگی و کار V.F. اودویفسکی. نقش V.F. اودویفسکی در فرهنگ موسیقی روسیه. تحلیل موسیقی کلیسا تجزیه و تحلیل حرفه ای از ویژگی های ابزار بیانی موسیقی، ویژگی های چند صدایی باخ. نشانه های روانشناسی در موسیقی

چکیده، اضافه شده در 1392/02/12


تاریخچه فرهنگ موسیقی ویولن چک از پیدایش آن تا قرن نوزدهم. عناصر موسیقی محلی در آثار آهنگسازان برجسته چک. بیوگرافی و آثار آهنگساز چک A. Dvorak، آثار او در ژانر کوارتت کمان.

چکیده، اضافه شده در 1392/05/19


بررسی تاریخچه تولد بلوز به عنوان یک فرم و ژانر موسیقی در پایان قرن نوزدهم. ویژگی ها و انواع جاز. ژانرهای شانسون کلاسیک. ویژگی های متمایز آهنگ نویسنده یا موسیقی بارد. عناصر اصلی رگی و رپ مدرن.

ارائه، اضافه شده در 2015/11/23


جایگاه موسیقی راک در فرهنگ موسیقی انبوه قرن بیستم، تأثیر عاطفی و ایدئولوژیک آن بر مخاطبان جوان. وضعیت فعلی راک روسی به عنوان مثال از کار V. Tsoi: شخصیت و خلاقیت، رمز و راز یک پدیده فرهنگی.

مقاله ترم، اضافه شده 12/26/2010


ویژگی بارز گروه های ازبکستانی. علاقه روزافزون محققان روسی به مطالعه فرهنگ موسیقی ازبکستان در دهه 20 قرن بیستم. نمایندگان مدرسه نمایش بخارا. تاریخچه ایجاد سازهای محلی ازبکستان.

نیمه اول قرن نوزدهم اوج آهنگ های روزمره شهری و عاشقانه های روزمره بود. آنها توسط آلیابیف، وارلاموف، گوریلف، بعدها گلینکا و دارگومیژسکی ساخته شدند. عاشقانه های مرثیه و "آهنگ های روسی" پرطرفدار به طور محکم در زندگی روزمره تثبیت شد و محبوب شد، به عنوان مثال، "سارافان قرمز" وارلاموف، "بلبل" ​​آلیابیف، "بل" گوریلف.

این ترانه ها و عاشقانه ها قبل از هر چیز حال و هوای اشرافیت اشراف را بیان می کرد. تفکر غمگین، صمیمیت عمیق بیان، اندوه ناامیدکننده، انگیزه ناامیدانه برای شادی، ویژگی خلق و خوی بسیاری از مردم دهه 1930 و 1940 بود. قرن آخر.

راز عشق خاموش نشدنی هموطنان ما به اشعار این آهنگسازان در ویژگی های متقابل شخصیت روسی پنهان است که در عاشقانه های او اسیر شده است. روح یک فرد روسی همه از تضادها بافته شده است.

قرن نوزدهم در روسیه اوج یک فرهنگ نجیب درخشان است.

مکتب آهنگسازان روسی در قرن نوزدهم با آهنگسازانی آغاز شد که فرم اروپایی و روح روسی را در موسیقی ترکیب کردند.

1.میخائیل ایوانوویچ گلینکا (1804-1857)

میخائیل ایوانوویچ گلینکا اولین آهنگساز روسی با اهمیت جهانی در تاریخ، بنیانگذار آثار کلاسیک موسیقی روسیه است.

در روستای Novospasskoye، استان اسمولنسک، در خانواده یک صاحب زمین متولد شد. بعدها در یک مدرسه شبانه روزی در مؤسسه آموزشی اصلی در سن پترزبورگ تحصیل کرد.

دو رویداد دیدگاه او را تعیین کرد. اولی جنگجوی پیروز ۱۸۱۲ است. با ناپلئون، که در آن مردم روسیه هم قدرت نظامی و هم صلابت بی‌سابقه‌ای از خود نشان دادند.

رویداد دوم قیام دمبریست ها، اعدام و تبعید مردم شریف و صادق روسیه است.

معاصران و همتایان گلینکا - پوشکین، گوگول، باراتینسکی، ژوکوفسکی، تیوتچف. نه سال بزرگتر - گریبایدوف، ده سال جوانتر - لرمانتوف.

گلینکا کار خود را به عنوان آهنگساز با آهنگسازی عاشقانه آغاز کرد. یکی از معروف ترین "بی جهت مرا وسوسه نکن" به سخنان باراتینسکی. بعداً شاهکارهایی مانند "من یک لحظه شگفت انگیز را به یاد می آورم" ، "تردید" ، "Lark" ظاهر می شود ... مثال ها ...

گلینکا برای مدت طولانیمن به دنبال راه هایی برای فراتر رفتن از موسیقی روزمره بودم.

در اوایل دهه 1830 خدمت در وزارت راه آهن را ترک کرد و به یک سفر طولانی مدت به اروپا رفت و در آنجا آهنگسازی خواند. در ایتالیا، گلینکا با ایده ایجاد یک اپرای ملی روسی، ملی هم از نظر طرح و هم از نظر زبان موسیقی، مطرح شد.

طرح توسط ژوکوفسکی پیشنهاد شد: شاهکار دهقان Iv. سوزانین در زمان های پر دردسر.

اپرا بر اساس واقعی است واقعه تاریخی- شاهکار میهن پرستانه یک دهقان در روستای دومنینو، نزدیک کوستروما، ایوان اوسیپوویچ سوزانین، که در آغاز سال 1613 انجام شد. در آن زمان مسکو از دست مهاجمان لهستانی آزاد شده بود، اما گروه‌های مهاجم همچنان در سرزمین روسیه پرسه می‌زدند. برای جلوگیری از آزادی کامل روسیه، یکی از این دسته ها می خواست تزار تازه منتخب روسیه میخائیل فدوروویچ رومانوف را که در نزدیکی کوستروما زندگی می کرد، دستگیر کند. اما سوزانین، که دشمنان سعی کردند او را راهنمایی کنند، مهاجمان را به داخل جنگل انبوه هدایت کرد و آنها را کشت، در حالی که خودش می‌مرد.

موفقیت بزرگ بود، اپرا با اشتیاق پذیرفته شد. یک اعتراف به M.I. Glinka رسید ("زندگی برای تزار، 1836.) یک قهرمان روسی، دهقان ایوان سوزانین، روی صحنه اپرا ظاهر شد. تصویر او بهترین ویژگی های شخصیت ملی را جمع آوری کرد. روز بعد، گلینکا برای او نوشت. مادر:

دیروز عصر بالاخره آرزوهایم برآورده شد و کار طولانی من تاج درخشانی را رقم زد. تماشاگران با اشتیاق فوق العاده اپرای من را پذیرفتند، بازیگران با غیرت از کوره در رفتند... حاکم - امپراتور... از من تشکر کرد و مدت ها با من صحبت کرد...

اپرای دوم جادوی بزرگ "روسلان و لیودمیلا" (1842) است.بر اساس شعری به همین نام از A.S. پوشکین. کار روی اپرا در پس زمینه مرگ پوشکین و در شرایط دشوار زندگی آهنگساز انجام شد. این اپرا به عنوان یک اکشن دراماتیک برای گلینکا کاملاً موفق نبود. با این حال، موسیقی بسیاری از شماره های اپرا درخشان است که بیش از آن کاستی های دراماتورژی را جبران می کند.

رقص های دو اپرای گلینکا سنت موسیقی رقص کلاسیک روسی را هم از نظر روح و هم در کمال هنری ایجاد کرد.

ازدواج ناموفق برای او غم و اندوه و دردسر زیادی به همراه داشت تا اینکه به طلاق ختم شد.

گلینکا دوباره آخرین دوره زندگی خود را در سفر می گذراند - اسپانیا، فرانسه، لهستان ... گلینکا از آهنگسازی دست بر نمی دارد. 2 اورتور معروف اسپانیایی "Jota of Aragon" و "Night in Madrid" ظاهر می شود. و مهمترین اثر سمفونیک او "کامارینسکایا" یک اورتور فانتزی در دو موضوع روسی است. عاشقانه های کلاسیک گلینکا زیبا هستند. معروف ترین - در اشعار پوشکین - "من یک لحظه فوق العاده را به یاد می آورم."

در برلین بر اثر آنفولانزا درگذشت. بعداً خاکستر به روسیه منتقل شد و در لاورای الکساندر نوسکی دفن شد.

گلینکا اصل اساسی مکتب آهنگسازان روسی - ملیت و میهن پرستی را تأیید کرد.

آهنگساز صاحب کلمات شگفت انگیز است: "... مردم موسیقی می آفرینند و ما هنرمندان فقط آن را تنظیم می کنیم." این ایده مورد پسند قرار گرفت و به یک قانون تغییر ناپذیر تبدیل شد که توسط بسیاری از آهنگسازان دنبال می شد. با اتحاد با این ایده، مکتب آهنگسازان روسی شروع به شکل گیری کرد.

گلینکا بالاترین آهنگساز حرفه ای است. هر یک از آثار او با یکپارچگی و هماهنگی فرم، دقت و وضوح بیان موسیقی جذب می شود. موسیقی ناب و شفاف او که به سادگی روح را التیام می بخشد.

موسیقی گلینکا به کلاسیک و رمانتیسم تعلق ندارد. او سبک اصلی خود را بر اساس اصول رئالیسم هنری روسی دوره پوشکین توسعه داد.

او اولین آهنگساز روسی بود که تصویر یک فرد روسی را در صحنه اپرا خلق کرد.

گلینکا اولین آهنگساز کلاسیک روسی شد. موسیقی روسی با کار او وارد مسیر هنر جهانی شد.

میراث گلینکا: اپرای "ایوان سوزانین" و "روسلان و لیودمیلا"؛ اورتورهای سمفونیک - فانتزی آراگونی جوتا، "شب در مادرید"، "کامارینسکایا"، "والس فانتزی" و دیگران؛ بیش از 70 رمان عاشقانه؛ گروه سازهای مجلسی و آثار پیانو.

نور، شخصیت مؤید زندگی، هماهنگی فرم ها، زیبایی و ملودی های رسا، ظرافت هارمونی و سازها از ارزشمندترین ویژگی های موسیقی گلینکا هستند.

گلینکا اولین کسی است که در میان آهنگسازان روسی آثار خود را بر اساس موسیقی فولکلور روسیه خلق کرده است.. گلینکا را خالق مکتب ملی روسیه در موسیقی می دانند. آثار او بر تمام آهنگسازان روسی نیمه اول قرن نوزدهم تأثیر گذاشت.

***
به نقل از M.I. Glinka: "برای ایجاد زیبایی، باید از نظر روح پاک بود."

نقل قول در مورد M.I. Glinka: "کل مدرسه سمفونیک روسیه، مانند کل درخت بلوط در بلوط، در فانتزی سمفونیک "کامارینسکایا" موجود است. P.I. چایکوفسکی

حقیقت جالب: میخائیل ایوانوویچ گلینکا از نظر سلامتی تفاوتی نداشت و از کودکی خود را "میموزا" می نامید. با این حال او خیلی راحت بود و جغرافیا را خوب می دانست، شاید اگر آهنگساز نمی شد، مسافر می شد. او شش زبان خارجی از جمله فارسی می دانست.

از op. ایوان سوزانین. رقص های لهستانی از پرده 2 (پاره ها)، آریا سوزانینا "تو طلوع من برمی خیزی"، گروه کر "شکوه"،

از op. روسلان و لودمیلا». 1. Overture.2. آهنگ سوم بیان. 3. مارس چرنومور. 4. صحنه با سر.

اورتور اسپانیایی (قطعه) و کامارینسکایا. فانتزی والس.

عاشقانه "وسوسه نکن"، "من یک لحظه فوق العاده را به یاد می آورم."

الکساندر سرگیویچ دارگومیژسکی (1813-1869)

نجیب زاده. در املاک پدرش در استان تولا به دنیا آمد. در چهار سالگی با تمام خانواده به سن پترزبورگ نقل مکان کرد. توانایی های موسیقایی زود تحت تأثیر قرار گرفت و شروع به آموزش موسیقی به او کردند.

در سال 1834 با میخائیل گلینکا آشنا شد و این آشنایی نقش تعیین کننده ای در سرنوشت آینده او داشت.

کار او با ایده ها مرتبط است واقع گرایی انتقادیدر ادبیات دارگومیژسکی به عنوان یکی از بنیانگذاران هنر رئالیستی وارد تاریخ موسیقی روسیه شد. موسورگسکی، نماینده مجلس، دارگومیژسکی را "معلم بزرگ حقیقت" خواند.

کار اصلی آهنگساز اپرا است. پری دریایی"(بر اساس درام A. S. Pushkin)، که در سال 1856 به صحنه رفت. درام نابرابری اجتماعی بین دختران عاشق آسیابان ناتاشا و شاهزاده آهنگساز را با ارتباط موضوع جذب کرد. روسالکا اولین اپرای روانی-غزلی روزمره روسی است.

دارگومیژسکی به دنبال انتقال روانشناسی از طریق گفتار انسان بود. لحن گفتار ابزار اصلی بیان در موسیقی او شد. این یک آزمایش بسیار مشکوک و بی‌امید بود.

آخرین اپرای دارگومیژسکی، " مهمان سنگیبر روی متن کامل تراژدی کوچک پوشکین نوشته شده است. نه آریا دارد، نه گروه، نه گروه کر. این یک اپرای تلاوت مجلسی است.

دارگومیژسکی ژانر جدیدی خلق می کند: عاشقانه طنز. "کرم" در کوروچکین. صحنه طنز تمسخر جوانمردی. نکته اصلی قسمت آوازی است. قسمت پیانو بسیار متواضع است. تغییر لحن - C-dur-As-dur. "چه خوشبختی."

"مشاور عنوانی" در واینبرگ. B-dur. موسیقی هر کلمه ای از متن را دنبال می کند. از طریق فرم بخش 1 - B-dur ، بخش 2 - مستشار.

بسیاری از عاشقانه های دارگومیژسکی صحنه های مبهم دراماتیکی هستند. بارزترین نمونه "سرجوخه قدیمی" در کوروچکینا است. مونولوگ سرجوخه پیر محکوم به اعدام به دلیل توهین به افسر جوان. از چندین بخش تشکیل شده است که در انتهای هر یک از آنها یک رفرین وجود دارد. در قسمت آوازی خوانندگی زیادی وجود دارد: "بچه ها ادامه دهید، یک، دو" (خودداری کنید). آیه 2 - «به افسری دشنام دادم». هر بیت دراماتیک تر از قبل است. در پایان، دارگومیژسکی گروه کر را اینگونه معرفی می کند: "به همین منوال ادامه دهید، بچه ها، یک، دو." معمولا توسط پیانو اجرا می شود.

دارگومیژسکی در فعالیت های انجمن موسیقی روسیه که در سال 1859 تأسیس شد، شرکت فعال داشت. خانه او که زمانی خانه پدر و مادرش بود، محل ملاقات هنرمندان، نقاشان و شاعران برجسته آن زمان شد. "مشت توانا" از همان ابتدای پیدایش حامی خود را در دارگومیژسکی پیدا کرد.

در آخرین تور اروپا در 1864-1865. دارگومیژسکی به لایپزیگ، بروکسل، پاریس و لندن سفر کرد و در آنجا اپرای خود را روی صحنه برد. با بازگشت به سن پترزبورگ، او به کار سخت برای خلق اپرای مهمان سنگی ادامه داد، که مرگ او را از تکمیل آن باز داشت.

میراث غنی آهنگساز دارگومیژسکی شامل چندین اثر ارکسترال است: سه سمفونی، قزاق کوچک روسی، فانتزی چوخونسکایا (1867). "بابا یاگا، یا از ولگا ناخ ریگا" (1862). با این حال، آثار اپرایی و آوازی او بیشترین اهمیت را دارند.

گوش کنید:"من غمگینم" در مورد لرمانتوف، "سرجوخه پیر"، "مشاور عنوانی"، آریا ملنیک از op. "پری دریایی".

3. دوره سوم: هنر موسیقی دوران پس از اصلاحات (نیمه دوم قرن نوزدهم)

در سال 1861، رعیت با فرمان سلطنتی لغو شد، که منجر به آزادسازی زندگی عمومی روسیه شد.

در آن زمان ادبیات، هنر پیشرو در روسیه بود و اپرا بر موسیقی تسلط داشت.

حتی موسیقی سمفونیک آن زمان با ادبیات وارد ازدواج قانونی شد. ثمره این اتحادیه موسیقی سمفونیک برنامه است. او طرح های خود را از تمام ادبیات جهان (از متون سنتی پوشکین گرفته تا آثار شکسپیر) می کشد و آنها را از دیدگاه مدرنیته بازنگری می کند. نمونه ای از این………

دستاورد اصلی موسیقی این دوره خلق یک سمفونی روسی - غنایی-دراماتیک توسط P.I. Tchaikovsky و حماسی توسط A.P. Borodin بود.

باله کلاسیک روسی نیز ظاهر می شود که در آن جوهر دراماتیک طرح با ابزار سمفونیک موسیقی آشکار می شود.

انجمن موسیقی روسیه (RMO) سازماندهی شد، اولین هنرستان ها در سن پترزبورگ (1862) و مسکو افتتاح شد. برادران روبینشتاین نقش مهمی در آموزش موسیقی روسیه داشتند.

آنتون گریگوریویچ بزرگ (1829-1894) بیشتر از یک آهنگساز واقعی، یک پیانیست فاضل بود، اگرچه او تعداد زیادی آهنگ نوشت. در بیشتر موارد، موسیقی او فاقد اصالت است. این یک سبک رایج اروپایی است. به راحتی می توان او را مثلاً با مندلسون اشتباه گرفت. مضمون گرایی رنگ پریده است، غالباً در ابهام قرار می گیرد. درست است ، نمی توان چندین موفقیت واقعی را انکار کرد ، یکی از آنها گروه کر "Nochenka" از اپرای "دیو" است. و البته در زیرکی و حرفه ای بودن آهنگسازش شکی نیست. کوچکیست ها از او (به ویژه موسورگسکی) حمایت نکردند، آنها او را توپینشتاین نامیدند.

مدرسه ترکیب پترزبورگ. انتخاب قدرتمند

در دهه 60، حلقه نوازندگان به رهبری میلی آلکسیویچ بالاکیرف (1837-1910) مرکز زندگی موسیقی سنت پترزبورگ شد. این دایره به عنوان "مشت توانا" در تاریخ ثبت شد. این نام توسط منتقد ولادیمیر واسیلیویچ استاسوف به دایره داده شد. آنها خود را "مدرسه موسیقی جدید روسیه" نامیدند. در خارج از کشور به آنها "پنج روسی" می گویند.

این حلقه شامل آهنگسازان مبتدی بود که آموزش حرفه ای ندیده بودند. بالاکیرف در همه موارد برای آنها استاد بود: Ts.A. Cui (1835-1918)، A.P. Borodin، M.P. موسورگسکی (1839-1881)، N.A. ریمسکی-کورساکوف (1844-1908).

بالاکریف خودسرانه به "کوچکیست‌های" آینده نوشتن سمفونی را آموزش داد، اگرچه خود او موفق شد یکی از سمفونی‌های خود را به مدت چهل سال بنویسد (1856-1897!) به اندازه کافی عجیب، آنها هنوز (نه همه) نوشتن موسیقی سمفونیک را یاد گرفتند و از معلم خود پیشی گرفتند. بسیاری از اهداف

کوچکیست ها خود را وارثان گلینکا می دانستند و هدف خود را در توسعه موسیقی ملی روسیه می دیدند.

مواضع زیباشناختی «کوچکیست ها» بر اساس اندیشه های رادیکال پوپولیستی شکل گرفت. اعضای "مشت توانا" معتقد بودند که هنر ملی از فولکلور رشد می کند و وظیفه آهنگساز روسی این است که تصویر مردم، تاریخ و آرمان های اخلاقی آنها را به موسیقی ترجمه کند. گلینکا را به یاد بیاور ملیت و میهن پرستی

"مشت توانا" پایه های موسیقی ملی روسیه را پایه گذاری کرد و به دوره ای در توسعه هنر موسیقی روسیه و جهان تبدیل شد.

در دهه 70، "Mighty Handful" به عنوان یک گروه نزدیک وجود نداشت.

بالاکیرف اولین آهنگساز روسی بود که اثری سمفونیک با موضوعی ادبی نوشت.

قرن نوزدهم - عصر کلاسیک های اپرای روسی. آهنگسازان-کوچکیست های روسی شاهکارهایی در ژانرهای مختلف هنر اپرا خلق کردند.

اپرای اصلی M. P. Mussorgsky (1839-1881) " بوریس گودونوف"(1872) و" خونشچینا". آهنگساز آنها را "درام های موسیقی عامیانه" نامید، زیرا مردم در مرکز هر دو اثر قرار دارند. ایده اصلی "بوریس گودونوف" (بر اساس تراژدی به همین نام توسط پوشکین) یک درگیری است: تزار - مردم. این ایده یکی از مهم ترین و حادترین در دوران پس از اصلاحات بود. موسورگسکی می‌خواست قیاسی با زمان حال در وقایع گذشته روسیه آشکار کند.

منتقد استاسوف گفت: "موسورگسکی به تعداد افرادی تعلق دارد که آیندگان برای آنها بناهایی بنا می کنند."

طرح اپرا A. P. Borodina(1833-1887)" شاهزاده ایگور"به عنوان "داستان کمپین ایگور" خدمت کرد. بورودین اپرا را به مدت 17 سال نوشت، اما هرگز اپرا را به پایان نرساند. شاهزاده ایگور توسط ریمسکی-کورساکوف و گلازونوف تکمیل شد.

N. A. Rimsky-Korsakov یک داستان نویس اپرا است.بهترین اپرای افسانه ای او عبارتند از: دوشیزه برفی"(1881)" سادکو"(1896)" Koschei جاودانه"(1902) و" خروس طلایی"(1907).

اپرا جایگاه ویژه ای دارد. افسانه از شهر نامرئیکیتژ و دوشیزه فورونیا"(1904)، نوشته شده بر اساس افسانه های عامیانه در مورد حمله تاتار-مغول.

ریمسکی-کورساکوف جادوگر موسیقی روسی و معلم نسل جدیدی از نوازندگان روسی است.

2. الکساندر پورفیریویچ بورودین (1833-1887)

الکساندر پورفیریویچ بورودین، یکی از آهنگسازان برجسته روسی نیمه دوم قرن نوزدهم. او علاوه بر استعداد آهنگسازی، شیمیدان، پزشک، معلم، منتقد و دارای استعداد ادبی بود.
در سن پترزبورگ به دنیا آمد. از کودکی عشق او به موسیقی و علوم طبیعی آشکار شد. پس از فارغ التحصیلی از زورخانه و سپس آکادمی پزشکی و جراحی، چندین سال به عنوان پزشک نظامی و شیمیدان مشغول به کار شد. در دانشکده پزشکی به بورودین عنوان استاد اعطا شد. او در تمام عمرش شیمی را حرفه خود می دانست اما هر کدام رایگانیک دقیقه را به خلاقیت موسیقی اختصاص داد.

بورودین در درجه اول به عنوان آهنگساز وارد تاریخ فرهنگ جهانی شد. بورودین دو سرگرمی داشت - دو حرفه: شیمی و موسیقی.

بورودین هیچ معلم موسیقی حرفه ای نداشت. او به طور مستقل بر تکنیک آهنگسازی تسلط داشت. شکل گیری A.P. Borodin تحت تأثیر کار M.I. گلینکا.

ودر اوایل دهه 1860، دو رویداد انگیزه ای برای اشغال نزدیک آهنگسازی در اوایل دهه 1860 ایجاد کرد - اول، آشنایی و ازدواج با پیانیست با استعداد E.S. Protopopova، و دوم، ملاقات با M.A. bunch.

بورودین اپرای «شاهزاده ایگور» را نوشت (با رقص های معروف پولوفتسی (1869-1890)) این اپرا نمونه ای از حماسه قهرمانانه ملی در موسیقی است. در "شاهزاده ایگور"، ایده اصلی کل کار آهنگساز منعکس شد - شجاعت، عظمت آرام، اشراف معنوی بهترین مردم روسیه و قدرت قدرتمند مردم روسیه، که در دفاع از سرزمین مادری

A.P. Borodin یکی از پدران موسیقی سمفونیک روسیه است. او سه سمفونی (پرطرفدارترین "بوگاتیرسکایا" دوم) نوشت، یک شعر سمفونیک "در آسیای مرکزی"، دو کوارتت (یکی از آنها شامل "شب" که اغلب اجرا می شود)، آهنگ ها و آثار پیانو.

در موسیقی سمفونی "Bogatyr"، بورودین به رنگارنگی روشن، ملموس دست می یابد تصاویر موزیکال. به گفته استاسوف، او می خواست مجموعه ای از قهرمانان روسی را در ساعت 1، در آندانته (ساعت 3) بکشد - شکل بیان، در پایان - صحنه جشن قهرمانانه. نام "بوگاتیرسکایا" که توسط استاسوف به سمفونی داده شد، به شدت در آن جا افتاده بود.

بورودین زندگی را به طور عینی و خوش بینانه، به عنوان منبع قدرت و شادی، با ایمان به قدرت انسان، به پیروزی عقل و زیبایی درک کرد.

موسیقی بورودین مانند یک وقایع زمانی فراغت است که رویدادها و افراد پشت سر هم ظاهر می شوند. اصل اصلی دراماتورژی موسیقی بورودین، کنار هم قرار دادن تصاویر متضاد است. ملودی ها به آرامی و روان جریان دارند، شبیه به آهنگ های دهقانی روسی. بورودین هرگز ملودی های عامیانه را نقل نمی کند، او تصاویر موسیقی خود را با استفاده از بارزترین ویژگی های فولکلور خلق می کند.

بورودین توانایی آهنگسازی به سبک آهنگهای محلی را داشت. ارتباط نزدیک با فولکلور روسی بارزترین ویژگی کل آثار آهنگسازان The Mighty Handful است.

بورودین سمفونی حماسی روسی را خلق کرد و همچنین نوع اپرای حماسی روسی را تأیید کرد.

نقل قول در مورد A.P. Borodin: "استعداد بورودین هم در سمفونی و هم در اپرا و عاشقانه به همان اندازه قدرتمند و شگفت انگیز است. ویژگی های اصلی او قدرت و وسعت غول پیکر، وسعت عظیم، سرعت و تند تند، همراه با اشتیاق شگفت انگیز، لطافت و زیبایی است." V.V. Stasov.

3. متواضع پتروویچ موسورگسکی (1839-1881)

مودست پتروویچ موسورگسکی - یکی از درخشان ترین آهنگسازان روسی قرن نوزدهم، عضو "مشتی توانا".
در استان پسکوف در یک خانواده صاحب زمین فقیر به دنیا آمد. او از کودکی به موسیقی استعداد نشان داد، در سن پترزبورگ تحصیل کرد و طبق سنت خانواده، یک مرد نظامی بود.

رویداد تعیین کننده در زندگی موسورگسکی ملاقات او با M.A. Balakirev و پیوستن به "مشت توانا" بود. موسورگسکی پس از رها کردن حرفه نظامی خود به توصیه مصرانه بالاکیرف و ورود به خدمات کشوری، شروع به کار سخت و سخت به عنوان آهنگساز کرد.

موسورگسکی ثابت‌ترین نماینده فولک و رئالیسم در موسیقی بود. در اپراهای "بوریس گودونوف" و "خوانشچینا" او نه تنها تراژدی های افراد، بلکه همچنین افرادی را که در آغاز قرن هفدهم زمان مشکلات را تجربه می کردند یا شکستن پایه های باستانی در هنگام به قدرت رسیدن پیتر را به تصویر کشید. این اپراها جزو پرطرفدارترین اپراهای روسی در جهان هستند این اپراها در دنیا بی نظیر هستند. هنر موسیقیبا قدرت و عمق تجسم تصاویر، با صداقت و روشنایی تصویر توده ها. موسورگسکی اولین آهنگسازی بود که مردم روسیه را به صحنه اپرا آورد.

در اپرای بوریس گودونوف، درام شخصی بوریس در پس زمینه درام یک ملت رخ می دهد. با صحنه‌ای از شورش مردمی در نزدیکی کرومی و پیش‌گویی بزرگ احمق مقدس به پایان می‌رسد: «گریه کن، گریه کن، سرزمین روسی، گریه کن، مردم روسی.

موسورگسکی یک موسیقی‌دان واقع‌گرا، یک موسیقی‌دان پوپولیست، با گوگول و لئو تولستوی بود.

او تمام ویژگی های آهنگ فولکلور روسی را جذب کرد، و اگرچه به ندرت از آهنگ واقعی استفاده می کرد. انگیزه های عامیانهاما کل انبار ملودی او، بسیار منعطف و مشخص، دارای اثری عامیانه است که در اصل، مدولاسیون های ناگهانی، در غنای ریتمیک و در خود فرم، بر انقلاب های هارمونیک تأثیر می گذارد. نقطه قوت اصلی سبک آوازی M. دکلماسیون بیانی است که از لحن طبیعی کلام ناشی می شود و بنابراین کاملاً از متن جدا نمی شود. در این، M. وارث مستقیم دارگومیژسکی است.

موسورگسکی علاوه بر اپرا، سوئیت "تصاویر در یک نمایشگاه" را نوشت (بهترین رونویسی سوئیت برای ارکستر توسط ام. راول در سال 1922 ساخته شد)، تصویر سمفونیک "شبی در کوه طاس"، بسیاری از آهنگ ها و عاشقانه ها، از جمله آنها. که برای آن زمان بسیار بدیع هستند - "آهنگ ها و رقص های مرگ"، آثار کرال و پیانو.

موسورگسکی تلاش کرد تا موسیقی او در هر عنصر یک شخصیت ملی و کاملاً روسی داشته باشد.

همه چیز در زندگی موسورگسکی وجود داشت - هم عظمت و هم تراژدی. به عنوان یک شخص، او همیشه با خلوص معنوی واقعی و بی خودی متمایز بود. در سال 1859، M. خدمت سربازی را ترک کرد، اما فقدان وسایل زندگی و ناتوانی در دستیابی به فعالیت موسیقایی خود منجر به زندگی فلاکت باری شد.

اپرای او "بوریس گودونوف" برای مدت طولانی از کارنامه حذف شد. دیگر ساخته های او مدت ها توسط هنرمندان و مردم نادیده گرفته شد. م. در یک سال و نیم آخر عمر خود که بدون خدمت مانده بود به عنوان همنواز درآمد کسب کرد.

یکنواختی افسرده کننده زندگی روزمره و شرایط سخت مادی، موسورگسکی را به اعتیاد به الکل سوق داد. افسردگی عمیق تر شد.

او در سن 42 سالگی در یکی از بیمارستان های نظامی سن پترزبورگ درگذشت.

موسورگسکی در طول زندگی خود 701 روبل با موسیقی به دست آورد. 50 کوپ.

به نقل از نماینده مجلس موسورگسکی: "صداهای گفتار انسان، به عنوان مظاهر بیرونی اندیشه و احساس، باید بدون اغراق و تجاوز، به موسیقی واقعی و دقیق، اما هنرمندانه و بسیار هنرمندانه تبدیل شود."

نقل قول در مورد M.P. Mussorgsky: "در هر کاری که موسورگسکی انجام داد، صدای بومی روسی است" N.K. Roerich

یک واقعیت جالب: در پایان زندگی خود، موسورگسکی، تحت فشار "دوستان" خود استاسوف و ریمسکی-کورساکوف، حق چاپ آثار خود را رد کرد و آنها را به ترتی فیلیپوف ارائه کرد.

4. پیتر ایلیچ چایکوفسکی (1840-1893)

روسیه دارای دو پایتخت و دو مدرسه موسیقی است. مدرسه آهنگسازان مسکو توسط P.I. Tchaikovsky اداره می شد. در آثار چایکوفسکی، رمانتیسم موسیقی روسی به اوج توسعه رسید.

پیوتر ایلیچ چایکوفسکی، بزرگترین آهنگساز روسی قرن نوزدهم، بزرگ شد. ارتفاع بی سابقههنر موسیقی روسیه.

چایکوفسکی اولین آهنگساز "حرفه ای" روسی است - او تئوری و آهنگسازی موسیقی را در کنسرواتوار جدید سنت پترزبورگ آموخت. چایکوفسکی در زمان حیاتش برخلاف چهره های عامیانه «مشت توانا» یک آهنگساز «غربی» به حساب می آمد.

چایکوفسکی شاهد ظهور و سقوط جنبش پوپولیستی در فرهنگ روسیه بود. چایکوفسکی معاصر آهنگسازان مشت قدرتمند بود.

در تعبیر «ملی» و «مردمی» مسیری متفاوت از «کوچکیست ها» را طی کرد. فولکلور روسی برای او منبع جهانی و پایه اساسی زبان موسیقی نبود. او لحن های موسیقی است بیشتربرگرفته از زندگی موسیقی شهری است تا فولکلور دهقانی.

در Votkinsk، در اورال، در خانواده یک مهندس متولد شد. او در بزرگسالی شروع به پرداختن جدی به موسیقی کرد، مانند بورودین. چایکوفسکی پس از فارغ التحصیلی از دانشکده حقوق در دانشگاه، چندین سال در وزارت دارایی سن پترزبورگ کار کرد و تنها پس از آن تصمیم گرفت وارد کنسرواتوار سن پترزبورگ شود و در سال 1866 با درجه ممتاز از آن فارغ التحصیل شد. بلافاصله به او سمت معلمی هارمونی در هنرستان پیشنهاد شد. او این پیشنهاد را پذیرفت و به مدت 11 سال در کرسی استادی ماند و در تمام این مدت فعالیت خلاقانه خود را قطع نکرد و با اجرای آثارش در کنسرت ها اجرا کرد که باعث استقبال پرشور کل جامعه موسیقی روسیه شد.

در 37 سالگی نقطه عطفی در زندگی چایکوفسکی رخ می دهد. کنتس فون مک، ستایشگر ثروتمند استعداد او، به آهنگساز حقوق بازنشستگی بالایی برای مادام العمر اعطا کرد و او را قادر ساخت که تمام وقت خود را منحصراً به آهنگسازی اختصاص دهد. تنها شرطی که او مطرح کرد این بود که هرگز ملاقات حضوری نداشته باشند. از آن زمان، چایکوفسکی خود را کاملاً وقف خلاقیت موسیقی کرد و فقط گاهی به عنوان رهبر ارکستر عمل می کرد.

او در طول سفرهای خود به کشورهای مختلف اروپایی - لهستان، آلمان، اتریش، ایتالیا، سوئیس، فرانسه، انگلیس - فولکلور موسیقی هر یک از این کشورها را مطالعه کرد. بخصوص تاثیر قویساخته شده بر اساس چایکوفسکی ایتالیا و موسیقی ایتالیایی که در آثار او منعکس شده است. در بازگشت به سن پترزبورگ در سال 1893 و در جریان همه گیری وبا، خود نیز به این بیماری مبتلا شد و درگذشت.

این آهنگساز معلم، رهبر ارکستر، منتقد، شخصیت عمومی بود، در دو پایتخت کار کرد، تور اروپا و آمریکا را انجام داد. چایکوفسکی از نظر عاطفی فردی بی ثبات بود. اشتیاق، ناامیدی، بی تفاوتی، عصبانیت، خشم شدید - همه این حالات اغلب در او تغییر می کند. او که فردی بسیار اجتماعی بود، همیشه برای تنهایی تلاش می کرد.
بهترین چیز را از کار چایکوفسکی انتخاب کنید - کار دشواراو تقریباً در تمام ژانرهای موسیقی - اپرا، باله، سمفونی، موسیقی مجلسی، چندین اثر با اندازه مساوی دارد.

موسیقی چایکوفسکی به زبانی اصیل و در عین حال جهانی صحبت می کند که لحن های سنتی رمانتیک اروپایی و موسیقی فولکلور روسی را ترکیب می کند. چایکوفسکی معتقد بود «موسیقی اروپایی خزانه‌ای است که هر ملیتی از خود برای منافع عمومی در آن مشارکت می‌کند».

چایکوفسکی - سمفونیست اصلی، نمایشنامه نویس و ترانه سرای برجسته موسیقی. او 15 اپرا (به رهبری یوجین اونگین و ملکه پیک نوشته شده بر روی طرح های پوشکین)، 3 باله (در وهله اول دریاچه قو، زیبای خفته و فندق شکن)، 6 سمفونی، 5 شعر سمفونیک، اورتور، 3 کنسرتو پیانو خلق کرد. ، کنسرتو ویولن، آثار مختلف برای ارکستر.

چایکوفسکی به سبک رمانتیسیسم متأخر آهنگسازی کرد و در عین حال به آثار خود شخصیتی کاملاً روسی داد. این ترکیب بسیار مطلوب بود. او موسیقی روسی را به صحنه های اروپایی آورد. چایکوفسکی پر اجراترین آهنگساز روسی در جهان است.

آثار چایکوفسکی تأثیر زیادی بر معاصران او گذاشت. نام او قبلاً مرتبط بود بزرگترین نمایندگانفرهنگ روسیه وقتی او وارد سالن شد، ارکستر ایستاد.

چایکوفسکی در کنار گلینکا بنیانگذار مکتب ملی روسیه در موسیقی جهان است.

نقل قول آهنگساز:
"من هنرمندی هستم که می‌توانم و باید به سرزمین مادری‌اش افتخار بیاورم. قدرت هنری بزرگی را در خود احساس می‌کنم، هنوز حتی یک دهم کاری را که می‌توانم انجام نداده‌ام انجام داده‌ام. و می‌خواهم آن را با تمام توانم انجام دهم. روح."
"زندگی تنها زمانی جذابیت دارد که متشکل از تناوب شادی ها و غم ها، مبارزه بین خیر و شر، نور و سایه، در یک کلام، تنوع در وحدت باشد."
"استعداد بزرگ مستلزم کار سخت بزرگ است."

نقل قول در مورد آهنگساز: "من شب و روز آماده هستم تا در ایوان خانه ای که پیتر ایلیچ در آن زندگی می کند نگهبان افتخار باشم - تا حدی به او احترام می گذارم" A.P. چخوف

حقیقت جالب: دانشگاه کمبریج به صورت غیابی و بدون دفاع از پایان نامه به چایکوفسکی عنوان دکترای موسیقی و همچنین آکادمی پاریس اعطا کرد. هنرهای زیبااو را به عنوان عضو متناظر انتخاب کرد.

5. نیکلای آندریویچ ریمسکی-کورساکوف (1844-1908)

نیکولای آندریویچ ریمسکی-کورساکوف یکی از مهم ترین چهره های تاریخ موسیقی روسیه است.

در استان نووگورود در خانواده ای اصیل در شهر تیخوین متولد شد. طبق سنت خانوادگی، او افسر نیروی دریایی شد، با یک کشتی جنگی در بسیاری از کشورها در اروپا و دو قاره آمریکا سفر کرد.

او ابتدا از مادرش موسیقی آموخت، سپس دروس خصوصی را نزد پیانیست F. Canille گذراند. بعداً M.A. Balakirev ، سازمان دهنده "Mighty Handful" ریمسکی-کورساکوف را به جامعه موسیقی معرفی کرد و بر کار او تأثیر گذاشت.

او تحصیلات حرفه ای موسیقی خود را در کنسرواتوار سن پترزبورگ در رشته پیانو و آهنگسازی دریافت کرد. او اولین سمفونی خود را در نوزده سالگی نوشت. با این حال، ریمسکی-کورساکوف بلافاصله سرنوشت خود را با موسیقی مرتبط نکرد. چندین سال در نیروی دریایی خدمت کرد و در آنجا درجه افسری گرفت. در همان زمان به فعالیت های خلاقانه می پرداخت و در سال 1871 عنوان استاد ساز در کنسرواتوار سن پترزبورگ به او اعطا شد. سپس کلاس ترکیب نیز به آن منتقل می شود. در همان زمان به عنوان مدیر مدرسه موسیقی و بازرس موسیقی ارکسترهای نیروی دریایی روسیه منصوب شد.
مکان مرکزی در میراث ریمسکی-کورساکوف 15 اپرا است. دو جهت اصلی کار آهنگساز را متمایز می کند: اولی تاریخ روسیه است، دومی دنیای افسانه ها و حماسه است که به همین دلیل او لقب "قصه گو" را دریافت کرد.
علاوه بر فعالیت خلاقانه مستقل، N.A. Rimsky-Korsakov به عنوان یک روزنامه نگار، گردآورنده مجموعه های آهنگ های محلی و همچنین به عنوان فینالیست آثار دوستان خود - دارگومیژسکی، موسورگسکی و بورودین شناخته می شود.

در میان آهنگسازان مشت توانا، او دارای بیشترین نبوغ خلاق و کامل ترین تکنیک بود. مهمترین فتوحات خلاقانه او در زمینه رنگ ارکسترال نهفته است.

او اپراهای معروف جهانی مانند «سادکو»، «دوشیزه برفی»، «خروس طلایی» و غیره را نوشت، علاوه بر این، سه سمفونی، سوئیت سمفونیک عالی «شهرازاده»، اوورتور «عید پاک روسی»، «کاپریچیو اسپانیایی» شعر سمفونیک "سادکو" (علاوه بر اپرایی به همین نام)، آهنگ های متعدد و همچنین کرال و کارهای اتاقی. تمام آثار او که به سبک نئورومانتیسم تداوم یافته است، عمیقاً با "روح روسی" آغشته شده است.

ریمسکی-کورساکوف را بزرگترین استاد سازها می دانند. کتاب درسی «مبانی ارکستراسیون» یکی از بهترین کتاب های درسی در این زمینه است و دانش آموزان حتی امروز هم از کتاب درسی هارمونی آن استفاده می کنند.

ریمسکی-کورساکوف بنیانگذار مدرسه آهنگساز بود، به عنوان معلم و رئیس کنسرواتوار سن پترزبورگ، حدود دویست آهنگساز، رهبر ارکستر، موسیقی شناس، از جمله پروکوفیف و استراوینسکی را تولید کرد.

کار بی غرض ریمسکی-کورساکوف در تکمیل شاهکارهای ارکسترال و اپرا موسورگسکی نقش تعیین کننده ای در حضور آنها در صحنه کنسرت و صحنه اپرا داشت.

پشتکار متعصب در درک علم موسیقی او را به یک پدرسالار مستبد تبدیل کرد.

ریمسکی-کورساکوف - "آهن فلیکس" موسیقی روسی. او که از خطاناپذیری خود متقاعد شده بود، بدون درنگ برای آهنگسازان جوانی که در محدوده ذوق موسیقی او قرار نمی گرفتند، سخنوری را در چرخ قرار داد. به عنوان مثال، او سرسختانه مانع از ورود اولین سمفونی کالینیکوف به صحنه سن پترزبورگ شد، حتی پس از آن که با موفقیت پیروزمندانه در مراکز بزرگ موسیقی اروپایی مانند برلین، پاریس، وین و پراگ اجرا شد.

آثار آهنگسازان روسی اواخر 19 - نیمه اول قرن 20 ادامه کل نگر سنت های مکتب روسی است. در عین حال، مفهوم رویکرد به وابستگی "ملی" این یا آن موسیقی تغییر کرده است، عملاً هیچ نقل قول مستقیمی از ملودی های عامیانه وجود ندارد، اما اساس زبان روسی، روح روسی، باقی مانده است.

4. دوره چهارم: "عصر نقره" در هنر موسیقی روسیه (1890s - 1917)

پایان قرن نوزدهم و آغاز قرن بیستم برای موسیقی روسی در درگیری‌های گرایش‌های متضاد پیش می‌رفت که آشتی ناپذیر و متقابل به نظر می‌رسید. گرایش های فرهنگ «عصر نقره» چهره هنر موسیقی را عمیقاً تغییر داد. آهنگسازان - "سنت گرایان" عصر نقره A.K. Glazunov (1865-1936) و A.K. - A.S. آرنسکی، V.S. کالینیکوف، م.م. ایپولیتوف-ایوانف.

سمبولیست A.N. Skryabin، نئوکلاسیک N.K. Medtner، نئورمانتیست S.V. راخمانینوف، نئوفولکلوریست I.F. استراوینسکی، مکعب آینده نگر S.S. پروکوفیف

اکتشافات آنها در زمینه حالت، هارمونی، فرم به شکل گیری تصاویر و وسایل جدید کمک کرد بیان هنریدر موسیقی قرن بیستم

در زمینه موسیقی کلیسایی روسیه نیز تغییرات قابل توجهی رخ داد. آهنگسازان مکاتب آهنگسازی سن پترزبورگ و مسکو از ملودی های باستانی معتبر آواز زنی استفاده می کردند. ساخته های آنها هم برای عبادت و هم برای اجرای کنسرت در نظر گرفته شده بود. سبک جدید در موسیقی مقدس به سرعت و پربار توسعه یافت. آهنگسازان به دقت سرودهای باستانی را مطالعه کردند و سعی کردند بر اساس آنها اصول هماهنگی ملودی های کلیسا را ​​برجسته کنند.

بزرگترین نمایندگان موسیقی کلیسا در آن زمان S.V. اسمولنسکی، اس.و.رخمانینوف، آ.ت. گرچانینوف، ای.د. کاستالسکی و دیگران. آنها را "مدرسه سینودال" می نامند.

6. الکساندر نیکولایویچ اسکریابین (1872 - 1915)

الکساندر نیکولایویچ اسکریابین آهنگساز و پیانیست روسی، نمادگرای موسیقی، "ایدئالیست-عارف"، یکی از برجسته ترین شخصیت های فرهنگ موسیقی روسیه و جهان است.

کار اصلی اسکریابین به دلیل نوآوری خود حتی در پس زمینه تولد بسیاری از روندهای جدید در هنر در آغاز قرن بیستم برجسته بود.
Scriabin از دوران کودکی توانایی های موسیقی برجسته ای را نشان داد. در حین تحصیل در کادت ، او دروس خصوصی پیانو را گذراند ، پس از فارغ التحصیلی از سپاه وارد کنسرواتوار مسکو شد ، همکلاسی او S.V.Rahmaninov بود.

جستجوهای هنری اسکریابین تا حد زیادی توسط شاعران نمادگرا و همچنین آموزه های فلسفی و عرفانی معاصر تعیین شد. شعار خلاقانه این جمله بود: "من به مردم می گویم که آنها قوی و قدرتمند هستند."

اسکریابین دنیای موسیقی خود را خلق کرد و در تجربه هنری پیشینیان خود به دنبال حمایت نبود.

او به خداجویی و ذات الهی کیهانی انسان علاقه داشت. میل شدید به درک هماهنگی دو جهان در موسیقی او انگیزه هایی را به سمت عظمت، جهانی، کلان و در عین حال میل به کندوکاو در "جهان صغیر" روح انسانی، در اصل اساسی ناخودآگاه آن ایجاد می کند. با Scriabin، رمز و راز وارد موسیقی شد. قبل از او در موسیقی روسی در واقع عرفان وجود نداشت.

Scriabin - Tsiolkovsky در موسیقی. او اولین کسی بود که به فضا رفت.

او در آثارش به دنبال انتقال دنیای تجربیات ناپایدار و پالایش شده انسانی بود.

اسکریابین یک رویاپرداز ایده آلیست بود. اسکریابین در طول زندگی حرفه ای خود جذب ایده سنتز هنر شد. در شعر آتش، همچنین به نام پرومتئوس (1910) که در آن صدا و رنگ را با هم ترکیب کرد.

اسکریابین با درک شدید تضادهای دوران دشوار خود، رویای هماهنگی جهانی بشر را در سر می پروراند. رویای گرامی او معبدی در هند در ساحل دریاچه ای کوهستانی برای به صحنه بردن یک اثر تحقق نیافته از اسرار بود.

او به دنبال یک دقیقه برای سرگرمی نبود،

برای دلداری و تسخیر با آهنگ.

بالاترین را در خواب دید: برای تجلیل از خدا

و اعماق روح را در صداها روشن کن.

V. Ya. Bryusov

اسکریابین به آن اعتقاد داشت قدرت الهیخلاقیت و در هنرمند خالق جهان، بشریت را به سعادت می رساند. "معمای" او تلاشی است برای دگرگونی بشریت با کمک جادوی هنر.

آهنگساز، همانطور که بود، «با لمس»، از طریق احساساتی که تغییرپذیر، گریزان و قابل تحلیل عقلانی نیستند، سروده است. موسیقی اسکریابین با ریتم‌های پیچیده، «سرگردانی» خارج از تن، بافتی که در هارمونی از پیکربندی‌های هارمونیک پوشانده شده است، اشباع شده است.

آهنگساز بیش از ده سال روی آن کار کرد. او فهمید که سخت ترین کار را بر عهده می گیرد، اما به تحقق یک عمل بزرگ معنوی ایمان داشت. نسخه اولیه تجسم "مستر" "اقدام مقدماتی" نامیده می شود. این یک اجرای کلیسای جامع یا خدمات باشکوه است که تمام بشریت در آن شرکت می کند. موسیقی "اقدام مقدماتی" فقط در قطعات (40 برگ طرح های خشن) باقی مانده است. این جزء اصلی یک کنش مصنوعی بود، از جمله "سمفونی" صداها، عطرها، رنگ ها، رقص ها، راهپیمایی ها، معماری متحرک، پرتوهای غروب خورشید، لباس های آیینی شرکت کنندگان - اجراکنندگان و تماشاگران.

معبد در هند باستان، جایی که قرار بود "راز" اتفاق بیفتد، توسط آهنگساز به عنوان یک محراب غول پیکر بر فراز زمین تصور شد. اسکریابین به طور جدی تلاش کرد تا پروژه برنامه ریزی شده را اجرا کند و حتی طبق برخی اطلاعات، برای خرید یک قطعه زمین در هند برای ساخت معبد مذاکره کرد. این آهنگساز با اندیشیدن به «معمای» گفت: من تحقق چیزی را نمی‌خواهم، بلکه اوج بی‌پایان فعالیت خلاقانه را می‌خواهم که ناشی از هنر من باشد.

از آثار برتر اسکریابین می توان به شعر خلسه (1907) اشاره کرد. این اثر بزرگ سرود قدرت همه جانبه روح انسان است. این می گوید که چگونه روح انسان از طریق پیشگویی های مبهم و اضطراب به بالاترین شادی معنوی می رود و قدرت و انرژی فوق العاده ای به دست می آورد.

شعر با فضای متشنج انقلاب اول روسیه، پیشگویی فجایع قریب الوقوع اشباع شده است. شعر خلسه برای اولین بار در سال 1909 در روسیه اجرا شد. این شعر موفقیت بزرگی بود. برای یازدهمین بار، یک فارغ التحصیل از کنسرواتوار مسکو جایزه گلینکا را دریافت کرد.

اسکریابین متوجه اضطراب، ناآرامی و هیاهوی دنیوی مردم نشد. آهنگساز دنیای خاصی خلق کرد بیان موسیقی، پیش از زمان خود، بسیاری از نوآوری های هنری قرن بیستم را پیش بینی می کند.

سرنوشت بعدی آهنگساز غم انگیز بود: او در سن 44 سالگی به طور غیر منتظره بر اثر مسمومیت خون درگذشت. بسیاری از معاصران به مرگ اسکریابین واکنش نشان دادند، از جمله شاعر مشهور V. Ya. Bryusov:

او جرات داشت فلز ملودی ها را آب کند

و من می خواستم فرم های جدید را در فرم های جدید بریزم.

او بی امان آرزوی زندگی و زندگی را داشت،

برای برپایی یک بنای تاریخی تکمیل شده ...

اسکریابین نویسنده نوزده شعر پیانو، سه سمفونی، یک کنسرتو برای پیانو و ارکستر، ده سونات، یک مازورکا، والس و اتود است. در هر اثر، استعداد و مهارت بی‌نظیر آهنگساز تأثیر می‌گذاشت.

خوشبختانه سرنوشت این شاعر محقق شد: اسکریابین "ستاره ای با قدر اول" در فرهنگ موسیقی جهان بود و باقی می ماند.

سرنوشت این آهنگساز غم انگیز بود: او در سن 44 سالگی به طور غیر منتظره در اثر مسمومیت خون درگذشت.

نقل قول توسط A.N. Scriabin: "من به آنها (مردم) می گویم که آنها ... از زندگی هیچ انتظاری ندارند جز آنچه که می توانند برای خود ایجاد کنند ... من به آنها می گویم که چیزی برای اندوه وجود ندارد. در مورد، که هیچ ضرری وجود ندارد "تا آنها از ناامیدی نترسند، که به تنهایی می تواند باعث پیروزی واقعی شود. قوی و قدرتمند کسی است که ناامیدی را تجربه کرده و بر آن غلبه کند."

نقل قول در مورد A.N. Scriabin: "خلاقیت اسکریابین زمان او بود که در صداها بیان می شد. اما زمانی که موقتی، گذرا خود را در خلاقیت می یابد. هنرمند بزرگ، معنایی دائمی پیدا می کند و ماندگار می شود." G. V. Plekhanov

7. سرگئی واسیلیویچ رحمانیف (1873 - 1943)

کار سرگئی واسیلیویچ راخمانینوف (1873-1943)، همچنین فارغ التحصیل کنسرواتوار مسکو، که با مدال طلا فارغ التحصیل شد، کمتر معروف نبود. بر خلاف اسکریابین نمادگرا، رحمانینف روسی ترین آهنگساز روسی با اهمیت جهانی در قرن بیستم باقی ماند. او موفق شد سنت های موسیقی مدرسه آهنگسازی مسکو و سن پترزبورگ را با هم ترکیب کند.

در استان نووگورود متولد شد و از چهار سالگی زیر نظر مادرش شروع به تحصیل موسیقی کرد. او در کنسرواتوار سن پترزبورگ تحصیل کرد، پس از 3 سال تحصیل به کنسرواتوار مسکو منتقل شد و با مدال بزرگ طلا فارغ التحصیل شد. تا زمانی که او از هنرستان فارغ التحصیل شد، او قبلاً چندین آهنگ ساخته بود که از جمله آنها می توان به پیش درآمد معروف "بل" در مینور، اولین کنسرتو پیانو، اپرای "الکو" اشاره کرد.

در بیست سالگی، تماشاگران مشتاق او را در سالن های کنسرت تشویق کردند. ستایشگران او L. N. Tolstoy، A. P. Chekhov، I. E. Repin، K. S. Stanislavsky، F. I. Chaliapin، M. Gorky و بسیاری از شاعران عصر نقره بودند. اما زندگی راخمانینوف آرام و آرام به نظر نمی رسد: او نه تنها فرازها، بلکه افتها را نیز می دانست.

قاطع و قدرتمند در عملکرد و خلاقیت، راخمانینوف ذاتاً فردی آسیب پذیر بود و اغلب دچار تردید به خود می شد. شوک شدید ناشی از شکست اولین سمفونی او در سال 1897 به یک بحران خلاقانه منجر شد. راخمانینوف برای چندین سال هیچ آهنگسازی نکرد، اما فعالیت اجرایی او به عنوان نوازنده پیانو فعال‌تر شد و اولین رهبر ارکستر را آغاز کرد.

راخمانینف به ویژه برای آهنگسازی پیانو خود مشهور بود. اکثر مقاله معروفدومین کنسرتو پیانو (1901) است که بهترین ویژگی های استعداد آهنگسازی او را آشکار کرد. اثری با "زیبایی خارق العاده و شگفت انگیز" (S. S. Prokofiev). برای این کار، راخمانینوف در سال 1904 جایزه گلینکا را دریافت کرد.

سبک جدید موسیقی او به طور ارگانیک، ترانه سرایی کلیسایی روسی، رمانتیسم اروپایی خروجی، امپرسیونیسم مدرن و نئوکلاسیک را متحد کرد.

او در سال 1909 سومین کنسرتو پیانو درخشان خود را ساخت.

استعداد چندوجهی راخمانینوف در بسیاری از ژانرهای موسیقی خود را نشان داد. او دو اپرا ("شوالیه خسیس" و "فرانچسکا دا ریمینی")، شعر آوازی-سمفونیک "زنگ ها" (1913)، سونات، بداهه، پیش درآمد خلق کرد. او همچنین موسیقی مقدسی را ساخت که به سرودهای باستانی روسی برمی‌گردد (نمایش جان کریسوستوم، 1909، و شب زنده‌داری، 1915).

راخمانینوف شاهد دو جنگ جهانی و دو انقلاب روسیه بود. او با شور و شوق از فروپاشی رژیم تزاری استقبال کرد، اما کودتای اکتبر را نپذیرفت.

در پایان سال 1917، راخمانینف و خانواده اش مجبور شدند روسیه را ترک کنند، همانطور که معلوم شد، برای همیشه. او بیش از یک ربع قرن در ایالات متحده زندگی کرد و این دوره عمدتاً پر از کنسرت طاقت فرسا بود که تابع قوانین ظالمانه تجارت موسیقی بود.

اولین سالهای اقامت خود در خارج از کشور، راخمانینوف فکر از دست دادن الهام خلاق را ترک نکرد: "پس از ترک روسیه، میل به آهنگسازی را از دست دادم. با از دست دادن وطن خود، خودم را از دست دادم." تنها 8 سال پس از ترک خارج از کشور، راخمانینوف به خلاقیت بازگشت، چهارمین کنسرتو پیانو، سمفونی سوم، "رقص های سمفونیک" را ایجاد کرد. این آثار آخرین و بالاترین ظهور راخمانینوف هستند. احساس غم انگیز از دست دادن جبران ناپذیر، اشتیاق سوزان برای روسیه باعث ایجاد هنری با قدرت غم انگیز عظیم می شود که در "رقص های سمفونیک" به اوج خود می رسد. بنابراین در تمام آثار راخمانینف او مصونیت از اصول اخلاقی، معنویت بالا، وفاداری و عشق اجتناب ناپذیر به میهن را حمل می کند که تجسم آن هنر او بود.

در تمام 25 سال مهاجرت، او به شدت به آنچه در وطنش می گذشت علاقه مند بود. در طول جنگ بزرگ میهنی، آهنگساز بارها وجوه از کنسرت های خود را برای حمایت از ارتش سرخ انتقال داد. امروزه آثار راخمانینوف در بسیاری از سالن‌های کنسرت کشورمان شنیده می‌شود؛ مسابقات و جشنواره‌های موسیقی به مناسبت‌های متعددی به افتخار او برگزار شده است.

سرگئی راخمانینوف بر اثر سرطان ستون فقرات در بورلی هیلز درگذشت.
نقل قول در مورد S.V. Rachmaninov:
"رخمانینف از فولاد و طلا ساخته شده بود: فولاد در دستان او، طلا در قلبش. نمی توانم بدون اشک به او فکر کنم. من نه تنها در برابر هنرمند بزرگ تعظیم کردم، بلکه مرد درون او را دوست داشتم." آی. هافمن
"موسیقی رحمانیف اقیانوس است. امواج آن - موسیقایی - آنقدر فراتر از افق شروع می شود و شما را آنقدر بالا می برد و به آرامی پایین می آورد ... که این قدرت و نفس را احساس می کنید." A. Konchalovsky
نقل قول از S.V. Rachmaninov:
"من احساس می کنم شبحی تنها در دنیایی که با او بیگانه است سرگردان است."
بالاترین کیفیت هر هنری صداقت آن است.
"آهنگسازان بزرگ همیشه و بالاتر از همه به ملودی به عنوان اصلی ترین اصل در موسیقی توجه داشته اند. ملودی موسیقی است، پایه اصلی همه موسیقی ها ... نبوغ ملودیک، به معنای عالی کلمه، هدف اصلی زندگی آهنگساز است. ... توسط آهنگسازان بزرگ گذشته به همین دلیل علاقه زیادی به ملودی های عامیانه کشورهای خود نشان دادند.
ب. آسافیف، موسیقی شناس، اس. رحمانینوف را "مردی با قلب زخمی برای همیشه" نامید.
یک واقعیت جالب: در طول جنگ بزرگ میهنی، راخمانینوف چندین کنسرت خیریه برگزار کرد، پول جمع آوری شده از آن به صندوق ارتش سرخ برای مبارزه با مهاجمان نازی فرستاد.

کالینیکوف واسیلی سرگیویچ(1866-1901). احتمالاً بی‌مولدترین آهنگساز جهان. او در طول عمر کوتاه خود موفق به نوشتن دو سمفونی، 4 اثر کوچک ارکسترال، 8 رمان عاشقانه و 4 مینیاتور برای پیانو شد. یعنی در واقع همه چیز به جز چند تصنیف ناتمام یا منتشر نشده. با این حال، او موفق به شکستن شد المپ موزیکالبه لطف اولین سمفونی او که در سراسر جهان محبوبیت یافت. این "مقصر" است، قبل از هر چیز، هدیه ملودیک آهنگساز، که در قلب دوستداران موسیقی در تمام قاره ها طنین انداز شد. به طور دقیق، یک یافته ملودیک شاد - بخشی جانبی از موومان اول، احتمالاً نقش تعیین کننده ای در اینجا داشت. این حقیقت عبارت گیرا استراوینسکی را به ذهن متبادر می کند: «نغمه برای ادراک در دسترس ترین و کمترین در دسترس بودن به عنوان هدیه است»، به نظر می رسد. آهنگساز دچار مصرف شیطانی شد، اما بیماری ظالمانه تأثیری بر موسیقی او که تقریباً همیشه پرنشاط و شاد بود، نداشت.

8. ایگور فئودوروویچ استراوینسکی (1882-1971)
ایگور فئودوروویچ استراوینسکی (1882-1971) به عنوان یک مبتکر جسور، یکی از تأثیرگذارترین آهنگسازان جهان در قرن بیستم، رهبر نئوکلاسیک، که مسیرهای خود را در هنر روشن کرد، وارد تاریخ فرهنگ موسیقی جهان شد.

مسیر استراوینسکی در موسیقی - از رمانتیسیسم و ​​امپرسیونیسم تا نئوکلاسیک، دوازده صدایی، موسیقی آوانگارد.

او در سال‌های پایانی زندگی‌اش علاقه شدیدی به هنر جاز و دستاوردهایی در زمینه موسیقی الکترونیک داشت.

ایگور فئودوروویچ استراوینسکی به "آینه" دوران موسیقی قرن بیستم تبدیل شد؛ آثار او منعکس کننده سبک های متعددی است که دائماً تلاقی می کنند و طبقه بندی آنها دشوار است. او آزادانه ژانرها، فرم ها، سبک ها را با هم ترکیب کرد و آنها را از قرن ها تاریخ موسیقی انتخاب کرد و آنها را تابع قوانین خود کرد.
در نزدیکی سن پترزبورگ متولد شد، در دانشکده حقوق دانشگاه سن پترزبورگ تحصیل کرد، به طور مستقل رشته های موسیقی را مطالعه کرد، دروس خصوصی را از N. A. Rimsky-Korsakov گذراند. این تنها مکتب آهنگسازی استراوینسکی بود که به لطف آن در تکنیک آهنگسازی تا حد کمال تسلط یافت. ملاقات با S. P. Diaghilev در سال 1909 تا حد زیادی سرنوشت شخصی و خلاقانه آهنگساز را تعیین کرد.

او نسبتاً دیر شروع به آهنگسازی حرفه ای کرد، اما رشد سریع بود - مجموعه ای از سه باله: مرغ آتش (1910)، پتروشکا (1911) و آیین بهار (1913) بلافاصله او را به تعداد آهنگسازان درجه اول رساند. . استراوینسکی به ریشه ها روی آورد و روسیه بت پرست و باستان را به عنوان پایه ای برای موسیقی ملی روسیه در قرن بیستم در نظر گرفت.

نمایش باله پرنده آتشین در سال 1910 بر روی صحنه اپرای بزرگ پاریس، آغاز شهرت جهانی استراوینسکی بود. موسیقی با شکوه صداهای ارکسترال، غیرعادی بودن ریتم ها، و فراوانی نمادهای افسانه ای تحسین برانگیز بود. مشهورترین شماره از باله "رقص ناپسند پادشاهی کشچف" است - تصویری وحشتناک از شر و خشونت.

یک سال بعد - باله جدید "Petrushka". استراوینسکی توجه اصلی خود را بر درام عمیق روانشناختی قهرمان محبوب مردمی پتروشکا متمرکز کرد که ناامیدانه عاشق بالرین احمق است که مور خود راضی را ترجیح می دهد. استراوینسکی در مورد رنج قهرمان داستان، مهربان، شیطون و هرگز دلسرد نشد، به طرز درخشانی به زبان موسیقی گفت.

صحنه آخر وداع پتروشکا با زندگی بسیار چشمگیر بود. یافته شگفت‌انگیز این آهنگساز، صدای تند «گریه کردن»، «بازدم» فلوت‌ها و صدایی عجیب از تنبوری بود که روی زمین پرتاب می‌شد. تا همین اواخر، جمعیتی که بی بند و بار می رقصند در مقابل مرد در حال مرگ یخ می زنند. در لحظه غم انگیز عزیمت روح پتروشکا به دنیای بهتر، موسیقی شگفت انگیزی به صدا در می آید که هیجان زندگی در حال گذر را منتقل می کند. پژواک غرفه ماسلنیتسا و هیاهوهای نافذ پتروشکای احیا شده عمل را کامل می کند.

نویسندگان همکار استراوینسکی در این اثر M. M. Fokin (1880-1942) طراح رقص و A. N. Benois نویسنده کتاب، هنرمند بودند. نقش های اصلی را تامارا کارساوینا و واتسلاو نیژینسکی ایفا کردند. باله "پتروشکا" به یکی از برجسته ترین فصول روسی S. P. Diaghilev تبدیل شد.

اولین نمایش سومین باله استراوینسکی، نه کمتر معروف، «آیین بهار» (1913)، رسوایی بی‌سابقه‌ای را در پاریس ایجاد کرد. نویسنده بعداً یادآور شد:

«وقتی پرده بالا رفت و گروهی از لولیتاها در حال پریدن روی صحنه بودند که زانوهایشان را به سمت بیرون چرخانده بودند و بافته‌های بلندشان ... طوفانی در گرفت. پشت سرم فریادهای "ببند ببند!" با عصبانیت سالن را ترک کردم.

گوش نوازنده شنوندگان که به صداهای شیرین و بی حال عادت کرده بود، عنصر بت پرست بیگانه را می شنید. تصادفی نیست که عنوان فرعی این باله "تصاویر روسیه بت پرست" بود. استراوینسکی تلاش کرد تا شدت اولیه آداب و رسوم قبایل بت پرست را در موسیقی بازآفرینی کند که در راس آنها Elder-Wise بود. ناهماهنگی های تنش، ریتم های پیچیده و تضادهای غیرمنتظره برای انتقال قدرت جادویی طلسم های طبیعت، فال بهاری، آیین باستانی بوسه زمین، تجلیل از برگزیده در نظر گرفته شده بود. حرکات و ژست های بازیگرانی که فنون باله کلاسیک را کنار گذاشته بودند سنگین و زاویه دار بود.

چند سال بعد، «آیین بهار» که به عنوان یک اثر سمفونیک اجرا شد، طوفانی از تشویق تماشاگران را برانگیخت و به یک موفقیت جهانی در موسیقی مدرن تبدیل شد.

در سال 1914، استراوینسکی سرانجام روسیه را ترک کرد، همانطور که تقریبا برای همیشه مشخص شد (در سال 1962 تورهای کوتاهی به اتحاد جماهیر شوروی وجود داشت). استراوینسکی یک جهان وطن است که مجبور شده چندین کشور را تغییر دهد - روسیه، سوئیس، فرانسه، و در نهایت در ایالات متحده زندگی می کند.

کار او به سه دوره تقسیم می شود - "روسی"، "نئوکلاسیک"، "تولید سریال" آمریکایی، دوره ها نه بر اساس زمان زندگی در کشورهای مختلف، بلکه با "دست خط" نویسنده تقسیم می شوند.
استراوینسکی فردی بسیار تحصیلکرده، اجتماعی و دارای شوخ طبعی فوق العاده بود. حلقه آشنایان و خبرنگاران او شامل موسیقیدانان، شاعران، هنرمندان، دانشمندان، بازرگانان، دولتمردان.
آخرین ترکیباستراوینسکی - "رکوئیم" (سرودهایی برای مردگان) (1966) تجربه هنری قبلی آهنگساز را جذب و ترکیب کرد و به یک آپوتئوز واقعی کار استاد تبدیل شد.
یک ویژگی منحصر به فرد در کار استراوینسکی برجسته است - "بی نظیر بودن" ، بیهوده نبود که او را "آهنگساز هزار و یک سبک" نامیدند ، تغییر مداوم ژانر ، سبک ، جهت طرح - هر یک از آثار او منحصر به فرد است. ، اما او دائماً به ساخت و سازهایی که منشاء روسی در آنها قابل مشاهده است بازگشت ، ریشه های روسی را شنید.

نقل قول از I.F. Stravinsky: "من در تمام زندگی ام روسی صحبت می کنم، یک هجای روسی دارم. شاید در موسیقی من این بلافاصله قابل مشاهده نباشد، اما ذاتی آن است، در ماهیت پنهان آن است.

نقل قول در مورد آی اف استراوینسکی: "استراوینسکی یک آهنگساز واقعاً روسی است... روح روسی در دل این استعداد واقعاً بزرگ و چندوجهی، زاده شده از سرزمین روسیه و پیوند حیاتی با آن، نابود ناپذیر است." D. Shostakovich.

واقعیت جالب (دوچرخه):
«یک روز در نیویورک، استراوینسکی سوار تاکسی شد و از خواندن نام خود بر روی تابلو متعجب شد.
- شما از بستگان آهنگساز نیستید؟ از راننده پرسید
- آیا آهنگسازی با چنین نام خانوادگی وجود دارد؟ - راننده تعجب کرد. - برای اولین بار آن را بشنوید. با این حال، استراوینسکی نام صاحب تاکسی است. من با موسیقی کاری ندارم - اسم من روسینی است ... "

9. الکساندر کنستانتینوویچ گلازونوف
(1865-1936)

پسر یک ناشر پترزبورگ. از اوایل کودکیاو دروس پیانو را گذراند و سپس وارد هنرستان در کلاس آهنگسازی شد که توسط ریمسکی-کورساکوف رهبری می شد.

گلازونف در شانزده سالگی اولین سمفونی خود را نوشت. به خصوص توسط ناشر موسیقی Belyaev که کنسرت هایی را ترتیب داد که در آن آثار آهنگساز جوان اجرا می شد ، کمک زیادی به او می شود. روابط دوستانه او با "مشتی توانا" و پی.آی چایکوفسکی نیز از جهات زیادی به او کمک کرد.

از سال 1884، آثار گلازونوف نه تنها در روسیه، بلکه در خارج از کشور نیز شناخته شده است. در سال 1899 سمت استادی ساز در کنسرواتوار سن پترزبورگ را پذیرفت.

در سال 1905، در اعتراض به اخراج ریمسکی-کورساکوف، گلازونف از این سمت استعفا داد.

در سال 1907 به آهنگساز عنوان افتخاری دکترای دانشگاه های کمبریج و آکسفورد اعطا شد.

بعد از انقلاب اکتبرگلازونوف، همزمان با کار خلاقانه، درگیر فعالیت های سازمانی و عمومی سازی گسترده ای شد. تا سال 1928 به عنوان مدیر کنسرواتوار لنینگراد خدمت کرد. در سال 1929، آهنگساز تور اروپا را انجام داد و آمریکای شمالیوی همچنین از لهستان دیدن کرد.

گلازونف در سال 1936 در پاریس درگذشت و برای معالجه به آنجا رفت.

میراث خلاق گلازونوف شامل هشت شعر سمفونیک، باله (شامل ریموندا، چهار فصل)، اورتور، کنسرتوهای ویولن، کنسرتوهای پیانو، آثار سمفونیک، مجلسی، پیانو و آواز متعدد است.

موسیقی او با ملودی فوق العاده، وضوح فرم کلاسیک، ویژگی های ملی "روح روسی" مشخص می شود. با توجه به ترکیب ارگانیک عناصر کاملاً روسی و اروپای غربی در آن، به موسیقی چایکوفسکی و ریمسکی-کورساکوف نزدیک است. گلازونوف با روندهای نوآورانه شیک وسوسه نشد. او قبل از هر چیز وظیفه خلق آثاری در سطح بالای هنری را بر عهده خود قرار داد. و همین ویژگی کار اوست که گلازونف را در خط مقدم آهنگسازان روسی قرار می دهد.

در قرن 20 به روسی، شوروی و بعد از آن موسیقی روسیدو عامل بسیار مهم جهانی تحت تأثیر قرار گرفتند:

نفوذ متقابل و اختلاط فرهنگ های اقوام مختلف، به اصطلاح، " جهانی شدن فرهنگی"

ظهور یک زبان موسیقی جدید، اختراع شده توسط آهنگساز اتریشی شوئنبرگ (1874-1951) - دوازده صدایی.

اصل تعیین شده در این زبان (شما نمی توانید یک نت را تا زمانی که یازده نت دیگر نواخته شده است تکرار کنید) از یک طرف فرصت ایجاد یک ملودی کاملاً منحصر به فرد (که توسط هیچ آهنگساز دیگری تکرار نشده است) را می دهد، اما از طرف دیگر ، منجر به بی شخصیت شدن ملودی، از بین رفتن مقداری یا «شناسایی» و ارتباط با موسیقی ملی شد.

10. سرگئی سرگیویچ پروکوفیف (1891-1953)

سرگئی سرگیویچ پروکوفیف - یکی از بزرگترین آهنگسازان روسی قرن بیستم، پیانیست، رهبر ارکستر.
متولد شد در منطقه دونتسکدر خانواده یک کشاورز او از کودکی به موسیقی پرداخته است. پروکوفیف تنها یکی از "واندرکیندهای" موسیقی روسیه است، از سن 5 سالگی آهنگسازی خواند، در 9 سالگی دو اپرا نوشت (البته این آثار هنوز ناپخته هستند، اما تمایل به خلقت را نشان می دهند) در سن 13 سالگی امتحانات را در کنسرواتوار سن پترزبورگ گذراند.

از جمله معلمان او N.A. ریمسکی-کورساکوف. آغاز کار حرفه ای او باعث طوفانی از انتقادات و درک نادرست از سبک اساساً ضد رمانتیک و به شدت مدرنیست فردی او شد.

با این حال، تناقض این بود که، علیرغم شکستن قوانین آکادمیک، ساختار ساخته های او به اصول کلاسیک وفادار ماند و متعاقباً به نیروی بازدارنده شکاکیت مدرنیستی انکارکننده تبدیل شد.

پس از اتمام کنسرواتوار سنت پترزبورگ در سال 1914، تصمیم گرفت اولین کنسرتو خود را در مقابل کمیته امتحان بنوازد. موسیقی تماشاگران را جذب کرد و پروکوفیف یک دیپلم با افتخارات و جایزه A. G. Rubinstein (پیانوی باشکوهی به عنوان هدیه) دریافت کرد.

پروکوفیف از همان ابتدای کار خود اجرا و تورهای زیادی انجام داد. در سال 1918 به یک تور بین المللی از جمله بازدید از اتحاد جماهیر شوروی رفت و سرانجام در سال 1936 به میهن خود بازگشت. او در خارج از کشور اپرا باله عشق برای سه پرتقال را ساخت.

کشور تغییر کرده و خلاقیت "آزاد" پروکوفیف مجبور شده است جای خود را به واقعیت های مطالبات جدید بدهد. با گذشت زمان ، او موفق شد زبان مشترکی با شنوندگان جدید پیدا کند ، فرم های موسیقی جدیدی را در کار خود ایجاد کند که با سلیقه های زیبایی شناختی جامعه جدید مطابقت دارد. استعداد پروکوفیف با قدرتی تازه شکوفا شد - او اپرا، باله، موسیقی برای فیلم می نویسد - موسیقی تیز، با اراده، بسیار دقیق با تصاویر و ایده های جدید، پایه و اساس موسیقی کلاسیک شوروی و اپرا را گذاشت.

با وجود تمایل صریح به ترکیب موسیقی با ایدئولوژی دولت شوروی، پروکوفیف، برنده شش جایزه استالین، همیشه خود، مردی با شخصیت ثابت و مستقل باقی ماند.

در سال 1948، سه رویداد غم انگیز تقریباً به طور همزمان رخ داد:

1. به ظن جاسوسی، اولین همسر اسپانیایی او دستگیر و به اردوگاه تبعید شد.

2. فرمان پولیبرو کمیته مرکزی حزب کمونیست اتحاد بلشویک ها صادر شد که در آن پروکوفیف، شوستاکوویچ و دیگران مورد حمله قرار گرفتند و به «فرمالیسم» و خطرات موسیقی آنها متهم شدند.

3. اتفاق افتاد زوال شدیدسلامتی آهنگساز، او به کشور بازنشسته شد و عملا آن را ترک نکرد، اما به آهنگسازی ادامه داد.

ساخته های دورانی در تاریخ موسیقی شوروی عبارت بودند از اپراهای "جنگ و صلح"، "داستان یک مرد واقعی". باله های "رومئو و ژولیت"، "سیندرلا"، "داستان گل سنگی"، با انتقال های موسیقی فوق العاده. که به استاندارد جدیدی از موسیقی باله جهانی تبدیل شده اند. موسیقی برای فیلم های "الکساندر نوسکی" و "ایوان وحشتناک"؛ سمفونی شماره 5،6،7; کار پیانو با این حال، بیشتر آنها فقط او را به یاد می آورند افسانه موزیکال"پیتر و گرگ".

پروکوفیف در سال 1953 در مسکو در همان روز استالین درگذشت.
سرگئی پروکوفیف برخلاف دیگران موسیقی عجیبی نوشت. آثار پروکوفیف از نظر تطبیق پذیری و گستردگی مضامین قابل توجه است، اصالت تفکر موسیقایی، طراوت و اصالت او یک دوره کامل در فرهنگ موسیقی جهانی قرن بیستم را تشکیل داد و تأثیر قدرتمندی بر بسیاری از آهنگسازان شوروی و خارجی گذاشت.

نقل قول از S.S. Prokofiev:
«آیا هنرمند می‌تواند از زندگی دور بماند؟.. من معتقدم که آهنگساز، مانند شاعر، مجسمه‌ساز، نقاش، به خدمت انسان و مردم فرا خوانده می‌شود... اول از همه، او باید شهروند باشد. هنر او، از زندگی انسان سرود و انسان را به آینده ای روشن تر هدایت کند...
"من مظهر زندگی هستم که به من قدرت می دهد تا در برابر همه چیزهای غیر معنوی مقاومت کنم"

نقل قول در مورد S.S. Prokofiev: "... همه جنبه های موسیقی او زیبا هستند. اما یکی کاملاً وجود دارد. چیز غیر معمول. به نظر می رسد همه ما برخی از شکست ها، تردیدها، فقط یک روحیه بد داریم. و در چنین لحظاتی، حتی اگر من بازی نکنم و به پروکوفیف گوش ندهم، اما فقط به او فکر کنم، انرژی باورنکردنی دریافت می کنم، تمایل زیادی برای زندگی کردن، بازی کردن احساس می کنم." E. Kissin

یک واقعیت جالب: پروکوفیف بسیار به شطرنج علاقه داشت و با ایده ها و دستاوردهای خود، از جمله شطرنج "نه" که او اختراع کرد - یک تخته 24x24 با نه مجموعه مهره که روی آن قرار داده شده بود، بازی را غنی کرد.

10. دیمیتری دیمیتریویچ شوستاکوویچ (1906 - 1975)

دیمیتری دیمیتریویچ شوستاکوویچ یکی از برجسته ترین و اجرا شده ترین آهنگسازان جهان است. این بتهوون روزگار ماست. تأثیر او بر موسیقی کلاسیک معاصر بی‌اندازه است. آثار او سالنامه حوادث دشوار قرن بیستم، تراژدی انسان و بشر است.
او که در سن پترزبورگ متولد شد، اولین درس های موسیقی خود را از مادرش دریافت کرد، از کنسرواتوار سنت پترزبورگ فارغ التحصیل شد، پس از ورود، الکساندر گلازونوف، رئیس آن، او را با موتزارت مقایسه کرد - او با حافظه عالی موسیقی، گوش تیزبین و هدیه آهنگساز، همه را تحت تاثیر قرار داد. .

اولین سمفونی (1926) که توسط یک جوان نوزده ساله فارغ التحصیل کنسرواتوار لنینگراد نوشته شده بود، با خوش بینی و طراوت صدا مخاطب را تحت تأثیر قرار داد. مشخص شد که آهنگساز با اهمیت جهانی در روسیه ظاهر شد. این سمفونی بلافاصله وارد کارنامه رهبران ارکستر داخلی و خارجی شد.

شهرت جهانی شوستاکوویچ پس از برنده شدن در اولین مسابقه بین المللی شوپن در سال 1927 به دست آمد.
دیمیتری شوستاکوویچ در دوران سختی زندگی می کرد - وقتی قدرت تغییر کرد ، اخلاق تغییر کرد ، نگرش نسبت به آثار او نیز تغییر کرد. به عنوان مثال، امروز کار با صدای بلند مورد استقبال قرار گرفت - و فردا آن را هو کردند.

شوستاکوویچ قبل از اجرای اپرای "بانو مکبث منطقه Mtsensk" به عنوان یک هنرمند آزاد - "آوانگارد" کار می کرد و سبک ها و ژانرها را آزمایش می کرد. محکومیت شدید این اپرا در سال 1936 و سرکوب‌های سال 1937 آغازی برای مبارزه داخلی بعدی شوستاکوویچ برای بیان دیدگاه‌هایش با ابزار خود در یک دولت توتالیتر بود.

در زندگی او سیاست و خلاقیت بسیار به هم گره خورده است، او مورد ستایش مقامات و آزار و اذیت آنها قرار گرفت، مناصب بالایی داشت و از آنها برکنار شد، جایزه گرفت و خود و نزدیکانش در آستانه دستگیری قرار گرفت.
او که فردی نرم، باهوش، ظریف بود، شکل خود را از بیان اصول خلاقانه در سمفونی ها یافت، جایی که می توانست حقیقت زمان را تا حد امکان آشکارا بگوید. از میان تمام آثار گسترده شوستاکوویچ در همه ژانرها، 15 سمفونی او جایگاه اصلی را به خود اختصاص داده است. دراماتیک ترین سمفونی های 5،7،8،10،15 هستند که به اوج موسیقی سمفونیک شوروی تبدیل شده اند.

شوستاکوویچ در طول نیم قرن خلاقیت، تقریباً در همه ژانرهای موسیقی آثاری خلق کرد: 15 سمفونی، 15 کوارتت، دو اپرا (دماغ و لیدی مکبث منطقه متسنسک)، سه باله (عصر طلایی، پیچ و مهره و روشن). استریم)، ​​شش کنسرتو ساز، چرخه‌های عاشقانه، مجموعه‌ای از پیش درآمدهای پیانو و فوگ‌ها، کانتات‌ها، اوراتوریو ("آواز جنگل‌ها").

جایگاه ویژه ای در کار آهنگساز توسط موسیقی فیلم ها و اجراهای دراماتیک اشغال شد. حتی در پتروگراد پس از انقلاب، شوستاکوویچ به عنوان نوازنده پیانو در سالن‌های کوچک سینما کار می‌کرد و در جریان نمایش فیلم‌های صامت بر روی پیانو بداهه‌پردازی می‌کرد. هنگامی که دوران موسیقی فیلم در سال 1928 آغاز می شود، او با لذت وارد سینما می شود و در آنجا چندین اثر موسیقایی درخشان برای فیلم های "سه گانه درباره ماکسیم"، "ایوان میچورین"، "ملاقات در الب"، "گارد جوان" خلق می کند. "، "سقوط برلین"، "گادفلای"، "هملت"، "کر

قرن XIX دلار "عصر طلایی" فرهنگ روسیه نامیده می شود. این دوره شکوفایی قدرتمند همه جنبه های مؤلفه فرهنگی معنوی است. این در مورد موسیقی نیز صدق می کند. سنت های فرهنگ موسیقی تا پایان قرن هجدهم توسعه یافته بود و در قرن بعد، آهنگسازان برجسته پایه گذار بسیاری از گرایش ها و ژانرهای جدید شدند. "عصر طلایی" در موسیقی با نام هایی همراه است:

• A. Alyabeva،
• ام. گلینکا،
• A. دارگومیژسکی،
• پی چایکوفسکی،
• اس. روبینشتاین،
• ام. موسورگسکی،
• A. Borodin،
• N. Rimsky-Korsakov.

صحبت از موسیقی روسی نیمه اول و دوم قرن نوزدهم سنتی است.

موسیقی نیمه اول قرن نوزدهم

اعتقاد بر این است که در این دوره بود که یک مدرسه موسیقی ملی در روسیه تشکیل شد. و اولین نام در این زمینه A. Alyabyev است که "بلبل" ​​او را همه جهان می شناسند. "زنگ های عصر"، "جاده زمستان"، "من تو را دوست داشتم" او کمتر معروف نیستند.

آثار موسیقی این آهنگساز کمک بزرگی به فرهنگ موسیقی روسیه در دوران به اصطلاح پیش از گلینکا است.

ام گلینکا را بنیانگذار موسیقی کلاسیک روسیه می دانند. او در خاستگاه دو جهت ایستاده است - درام عامیانه موزیکال و اپرای فوق العاده حماسی. او معتقد بود که موسیقی توسط مردم ساخته می شود و آهنگساز تنها به عنوان تنظیم کننده عمل می کند. ملودی آثار او واقعاً روسی بود و بیانگر آرزوهای مردم بود. قهرمان اپرای او زندگی برای تزار یا ایوان سوزانین برای اولین بار یک دهقان میهن پرست بود. صحنه هایی از زندگی روسیه باستان و داستان های شرقی در اپرای روسلان و لیودمیلا غنی است. M. Glinka عاشقانه های بسیاری را برای آیات شاعران برجسته ای مانند V. Zhukovsky، M. Lermontov، E. Baratynsky نوشت.

آ.دارگومیژسکی نیز در همین راستا کار کرد که رئالیسم را در موسیقی روسی تقویت کرد. او صاحب اولین اپرای موزیکال خانگی "پری دریایی" است. در آن، آهنگساز تصویر یک آسیابان را ایجاد کرد - یک مرد کوچک، که غیرممکن است برای او احساس همدردی نکنید. دارگومیژسکی در عاشقانه ها و ترانه های خود تضادهای معنوی پیچیده ای را منتقل کرد و مشکلات اجتماعی جامعه روسیه را منعکس کرد.

تبصره 1

در اواسط قرن نوزدهم، سنت های رئالیسم روسی به طور کامل در موسیقی شکل گرفته بود. جهان به طور فزاینده ای از اهمیت فرهنگ روسیه آگاه شد و تصاویر موسیقی آن توسط فرهنگ جهانی جذب شد.

موسیقی نیمه دوم قرن نوزدهم

این دوره شکوفایی قدرتمند فرهنگ موسیقی روسیه در نظر گرفته می شود. این ظهور در پس زمینه تضادهای اجتماعی تشدید شده رخ می دهد که منجر به اصلاحات و در نتیجه فعالیت های عمومی بزرگ شد.

در این زمان اولین هنرستان روسی در سن پترزبورگ افتتاح شد که مدیر آن A. Rubinshtein بود. و چهار سال بعد، در مسکو، هنرستان نیز تحت هدایت نیکلای، برادر آنتون روبینشتاین، کار خود را آغاز کرد.

اولین فارغ التحصیلان آنها، که در میان آنها پی چایکوفسکی بود، مایه افتخار کشور شدند و آن را تجلیل کردند. در این دوره جایگاه ویژه ای متعلق به انجمن آهنگسازان مشهور است که به آن «مشت توانا» یا «مکتب جدید روسیه» می گفتند. موسس آن بالاکیرف بود، علاوه بر او چهار آهنگساز دیگر وجود داشت: کوئی، موسورگسکی، بورودین و ریمسکی-کورساکوف.

مواضع زیبایی شناختی آنها تحت تأثیر وی. استاسوف، منتقد مشهور موسیقی و هنر روسیه شکل گرفت. آنها خود را پیرو M. Glinka بزرگ می دانستند و در خلاقیت های خود سنت های موسیقی کلاسیک را که توسط گلینکا و دارگومیژسکی وضع شده بود ادامه دادند.

تبصره 2

آهنگسازان "مشت توانا" موسیقی ملی روسیه را توسعه دادند و وظیفه اصلی خود را بازتاب واقعی زندگی مردم در موسیقی دانستند که برای شنوندگان توده ای قابل درک باشد.

مقدمه

برای روسیه، قرن 19 به دوران شکل گیری یک مدرسه موسیقی ملی تبدیل شد

سنت های اپرا، موسیقی مجلسی- آواز و سمفونیک در این قرن توسعه یافت. این فرآیند از یک طرف تأثیر قاطعانه ای داشت، فرهنگ اروپای غربیو از سوی دیگر - فولکلور روسی.

میخائیل ایوانوویچ گلینکا

او پس از دریافت آموزش جدی موسیقی در اروپا، اولین کسی بود که ویژگی های موسیقی ملی روسیه را عمیقاً درک کرد. مهارت آهنگسازی گلینکا به وضوح در دو اپرا متجلی شد - "یک زندگی برای تزار" ("ایوان سوزانین") و "روسلان و لیودمیلا".

صحنه ای از اپرا ایوان سوزانین» گلینکا

"روسلان و لیودمیلا" گلینکا

داستان اپرا "روسلان و لیودمیلا" در طرح شعری به همین نام توسط A.S. پوشکین. ارکستر نقش مهمی در خلق تصویر دارد.

چایکوفسکی پیتر ایلیچ

خلاقیت P.I. چایکوفسکی صفحه ای روشن در تاریخ نه تنها هنر موسیقی داخلی بلکه خارجی است. میراث خلاق این آهنگساز شامل 6 سمفونی است

معروف ترین آثار عبارتند از: اولین کنسرتو پیانو (1875)، کنسرتو ویولن (1878) و تغییرات با تم روکوکو (1876).

صحنه ای از باله دریاچه قو"چایکوفسکی. 1876

صحنه ای از باله "فندق شکن" اثر چایکوفسکی. 1892

صحنه ای از باله زیبای خفته اثر چایکوفسکی. 1889

متواضع پتروویچ موسورگسکی
(1839-1881)

اپراهای "بوریس گودونوف" (1869)، "خوانشچینا" (1872)، "نمایشگاه سوروچینسکی" به یک پدیده قابل توجه در موسیقی روسیه تبدیل شدند.

صحنه ای از اپرای "بوریس گودونوف" اثر موسورگسکی. 1869

الکساندر سرگیویچ دارگومیژسکی. (1813-1869)

از بهترین آثار دارگومیژسکی می توان به اپرای پری دریایی (1855) و اپرای ناتمام مهمان سنگی (1866-1869) اشاره کرد. عاشقانه ها در آثار آهنگساز جایگاه اصلی را به خود اختصاص می دهند. (بیش از 100 رمان عاشقانه.). معروف ترین

- "من تو را دوست داشتم (به اشعار A.S. پوشکین)، "و این خسته کننده و غم انگیز است"، "من غمگین هستم" (به اشعار

M.Yu. Lermontov).

نیکولای آندریویچ ریمسکی - کورساکوف (1844 - 1908)

اساس میراث خلاق اپراها بود که بسیاری از آنها بر اساس آثار نویسندگان روسی نوشته شده بودند.

"دختر برفی" (1881 بر اساس نمایشنامه استروفسکی)

دوشیزه برفی (1881 بر اساس نمایشنامه استروفسکی) ریمسکی-کورساکوف

صحنه ای از اپرای Scheherazade Rimsky-Korsakov

اروپای غربی موسیقی

قرن 19 - دوران اوج فرهنگ موسیقی اروپای غربی. راه‌های جدیدی برای بیان موسیقی پدیدار می‌شود که فردیت عمیق پتانسیل آهنگسازان را آشکار می‌کند

آثار آهنگسازان رمانتیک، که غنای دنیای تجربیات معنوی یک فرد، سایه های احساس شخصی او را منتقل می کند، اساس رپرتوار کنسرت مدرن را تشکیل می دهد. رمانتیسیسم فقط غزل نیست، بلکه غلبه احساسات، احساسات، عناصر معنوی است که فقط در گوشه و کنار روح خود فرد شناخته می شود.

فرانتس پیتر شوبرت

آهنگساز اتریشی، یکی از بزرگترین نمایندگان مکتب موسیقی کلاسیک وین و یکی از بنیانگذاران رمانتیسم در موسیقی.

آو ماریا. شوبرت

رابرت شومان (1810-1856)

او نیز مانند روبرت شومان، خالق ژانر جدیدی از آهنگ آلمانی Lied است

فردریک شوپن (1810-1849)

یک بار از شوپن پرسیده شد که چه کلمه ای می تواند حال و هوای اصلی موسیقی او را توصیف کند. آهنگساز پاسخ داد که چنین کلمه ای در زبان مادری لهستانی او وجود دارد - این<<жаль>> (زال)

ریچارد واگنر (1813-1883)

یکی از برجسته ترین آهنگسازان آلمانی، نوازنده ای با استعداد نابغه، که آثارش عمیق ترین اثر را در تاریخ هنر موسیقی اروپا بر جای گذاشت.

اشتراوس، یوهان (پدر)
(1804-1849 )

آهنگساز، نوازنده ویولن و رهبر ارکستر اتریشی. او را به حق جد سلسله موسیقی اشتراوس می دانند. سه تن از پسران او - یوهان، جوزف و ادوارد - نیز آهنگسازان مشهوری شدند. میراث این آهنگساز شامل 251 خلقت (شامل 152 والس!) است.

یوهان اشتراوس (پسر)
(1825-1899)

او را "پادشاه والس" می نامند. آثار او کاملاً با روح وین با سنت دیرینه عشق به رقص آغشته است. الهام پایان ناپذیر همراه با بالاترین مهارت، اشتراوس را به کلاسیک واقعی موسیقی رقص تبدیل کرد. به لطف او، والس وین از قرن نوزدهم فراتر رفت. و بخشی از زندگی موسیقی امروز شد.

صحنه ای از اپرای Die Fledermaus Strauss (پسر)

جواکینو آنتونیو روسینی (1792-1868)

روسینی عمدتاً آهنگساز اپراهای کمیک بود، به اصطلاح اپراهای بوفه، که برخی از آنها هنوز در صحنه های اپرا تا به امروز اجرا می شوند.

قبض ازدواج

مورد عجیب

راه پله ابریشمی

سنگ مانع

رقص "Tarantella" روسینی

جوزپه وردی (1813-1901

آخرین کلاسیک بزرگ در تاریخ سه قرنی اپرای ایتالیا. هیچ تئاتر موزیکالی در جهان وجود ندارد که اپرای وردی در آن به صحنه نرود.

صحنه ای از تراویاتای وردی

نتیجه

قرن 19 - عصر پیروزی "ادبیات" پیانو. نه تنها طراحی پیانو در حال بهبود است، بلکه تکنیک نواختن آن، توانایی آن در ایجاد یک کنتیلنا ​​آواز، خطوط ملودیک رسا نیز آشکار می شود. ریتم آهنگسازان از "غل و زنجیر" سزارها و منظم بودن شدید چهره های رقص رها شد. آهنگ‌های عاشقانه با سهولت بداهه پر می‌شوند، زمانی که ملودی از تغییرپذیری حرکات احساسات پیروی می‌کند، همانطور که نویسنده قصد دارد و اجراکننده قادر به احساس آن است. نقش نوانس و نقش اجرای موسیقی در حال افزایش است

فهرست منابع

http://www.richard-wagner.ru/

http://www.krugosvet.ru/articles/htm

http://ru.wikipedia.org/wiki/

http://fchopin.ru/

با تشکر از توجه شما!

(کاست شماره 9. سمت A)

هنر موسیقایی رمانتیک پدیده ای بزرگ، پیچیده و متناقض است. این هر دو گرایش ارتجاعی و مترقی را که به رئالیسم نزدیک می شوند، بسیاری از مکاتب ملی و سبک های فردی را که از نظر زیبایی شناسی، سبکی، ژانر و تنظیمات لحنی متفاوت بودند، ترکیب کرد.

رمانتیسم، از جمله موسیقی، پس از اعلام خود در اواخر قرن 18 - 19، تا پایان قرن نوزدهم مسیر طولانی توسعه را طی کرد و اغلب دیدگاه های زیبایی شناختی عمدتاً متضاد را با هم ترکیب می کرد.

بینش عاشقانه جهان در هنر با شرایط بسیاری آماده شد. مهم ترین فرض اجتماعی-تاریخی آن واکنشی به نتایج انقلاب بورژوازی فرانسه، ناامیدی از آرمان های برادری و اتحاد خلق ها، از آرمان های شادی جهانی و جهانی است. نگرش های منطقی، روشن، منطقی و خوش بینانه روشنگری دیگر با فضای تیرگی و افسردگی که قرن هجدهم تا نوزدهم را رقم زد، مطابقت نداشت.

اولین گرایش های رمانتیک در مکاتب ادبی آلمان (مکتب ینا) و انگلستان در پایان قرن هجدهم به وجود آمد. در نقاشی در آغاز قرن، گرایش های رمانتیک آثار نقاشان فرانسوی - ژریکو و دلاکروا و استادان آلمانی - F. O. Runge، K. D. Friedrich را رنگ آمیزی می کنند. در ادبیات و نقاشی، روند رمانتیک تا اواسط قرن نوزدهم. اساسا خودش را خسته کرد. در موسیقی، رمانتیسیسم برای زندگی بسیار طولانی تر تعیین شده بود.

در دهه 20 قرن نوزدهم. نگرش‌های رمانتیک در آثار E. T. A. Hoffmann، K. M. Weber، F. Schubert شکل می‌گیرد.

دهه 30 - 50 - زمان بلوغ خلاق رمانتیسیسم موسیقی، که توسط آثار R. Schumann، F. Chopin، G. Berlioz، F. List مشخص شده است. پیچیده ترین و مبهم ترین مرحله اواخر توسعه موسیقی رمانتیک بود که با نام های R. Wagner، I. Brahms، F. Liszt، A. Bruckner، G. Mahler همراه بود و نشان دهنده ترکیبی از رئالیستی، کلاسیک و رمانتیک بود. امکانات. دهه 90 به اوج هنر موسیقی رمانتیک در فنلاند، نروژ تبدیل شد - در کارهای جی سیبلیوس و ای. گریگ. رمانتیسیسم ایتالیایی که به طور جدایی ناپذیری با نگرش های واقع گرایانه در آثار G. Verdi، G. Puccini، P. Mascagni پیوند خورده است، ظاهری استثنایی داشت.

با تمام غنا و منحصر به فرد بودن سبک ها و گرایش های فردی و ملی، هنر موسیقی رمانتیک در درون خود یک سیستم زیباشناختی و فیگوراتیو نسبتاً واضح را در خود داشت.

ارتباط زمانی با عصر روشنگری و در عین حال آگاهی از رمانتیسیسم موسیقایی به عنوان واکنشی به آن، نگرش بسیار ویژه و مبهم نسبت به آن را شکل داد. وضعیت مشابهی در سایر انواع هنر نیز ایجاد شد. شاعران مکتب "دریاچه" انگلستان - وردزورث، کولریج - به شدت از ایده های روشنگری و زیبایی شناسی و تصویرسازی کلاسیک انتقاد کردند، شلی و بایرون - از سنت انقلابی و جهت گیری مدنی هنر حمایت کردند.

نوعی پیوند بین کلاسیک گرایی و رمانتیسم در آلمان، جنبش Sturm und Drang، اثر گریلپارزر، Fr. هلدرلینگ. هنر رمانتیک موسیقی آلمان به‌ویژه به شدت با میراث کلاسیک مرتبط بود.

با این حال، ویژگی رمانتیسیسم موسیقایی به هیچ وجه با منحصر به فرد بودن پیوند با سنت هنری قبلی تمام نمی شود.

تصویر جهان در نگاه رمانتیک ها و جایگاه انسان در آن فوق العاده بدیع است. به جای یک جهان بینی یکپارچه و خوش بینانه، به جای یک ایده ی تماما انسانی، جهانی می آید که به دو حوزه متضاد تقسیم می شود. یکی از آنها دنیایی بی رحم، بی ادب، نامفهوم و طردکننده است. دوم دنیای افسانه ها، رویاها، تعصب جادویی، تجسم یک رویای ایده آل است.

تمایز شدید تصویر یکپارچه قبلی از جهان - از یک طرف - و مستلزم - از طرف دیگر - ظهور یک تفسیر کاملاً جدید از تصویر انسان بود. قهرمان، مبارزی برای خوشبختی تمام بشریت، یک تایتان، در مبارزه خود شکست سختی را متحمل می شود. او با یک مرد کوچک جایگزین می شود - یکی از بسیاری که مجبور به زندگی در دنیای واقعی است، اما رویای یک دنیای ایده آل را در سر می پروراند. اصل دوگانگی، ویژگی های جهان بینی نوازندگان رمانتیک و از بسیاری جهات، زبان موسیقی آنها را تعیین می کند. در همان زمان، نوع دیگری از قهرمان در هنر موسیقی عاشقانه در حال شکل گیری است - شخصیتی استثنایی که عمیقاً و به طرز غم انگیزی جهان را درک می کند. آثار بسیاری از رمانتیک ها نیز بازتاب دهنده ایده های انقلابی دوران مرتبط با فرآیندهای جنبش آزادیبخش ملی در کشورهای اروپایی بود (آثار شوپن، لیست، برلیوز).

توجه استثنایی رمانتیک ها به اصل ذهنی، به تصویرسازی غنایی، به کامل بودن افشای فردیت انسان (در مقایسه با عینیت غالب کلاسیک) باعث تغییرات اساسی در تفسیر ژانرها، مضامین و زبان موسیقی شد. مؤلفه اساسی دنیای مجازی رمانتیک ها طبیعت بود - در تنوع و عظمت آن.

به عنوان نقطه مقابل موسیقی ناب دستگاهی در آثار رمانتیک ها، میل به سنتز هنرها وجود دارد. ژانرهای جدید موسیقی بر اساس نزدیک ترین ارتباط بین موسیقی و ادبیات در حال شکل گیری است. این یک شعر، یک تصنیف، یک برگ از یک آلبوم است. روش های ادبی ارائه و داستان سرایی در حوزه خلاقیت موسیقی نفوذ می کند.

نتیجه ترکیب موسیقی و شعر، ویژگی خاص رمانتیسیسم موسیقایی به عنوان برنامه‌ریزی بود که در برنامه‌های ادبی آثار موسیقی - زیرنویس‌ها و همچنین در خلق سناریوهای ادبی آثار توسط خود آهنگسازان منعکس شد. بنابراین، اغلب خلاقیت های موسیقی رمانتیک ها دارای جوهره ای دوگانه بودند - موسیقایی واقعی و کلامی، دو طرح برای عملکرد کار. چنین برنامه های ادبی اغلب برای توضیح چنین تصاویر موسیقی عاشقانه غیر معمول ضروری بود.

توجه رمانتیک ها به ژانرهای موسیقی آوازی نیز یکی از جلوه های پیوند ادبیات و موسیقی در هنر رمانتیک است. صدای آوازی کاملاً با جهت گیری ذهنی رمانتیسم مطابقت داشت. اساس آهنگی موسیقی رمانتیک ها آهنگ های عمیق ترانه ای است که ویژگی های اشعار آوازی را تعیین می کند و در موسیقی سمفونیک و پیانو نفوذ می کند. در همین راستا، به اصطلاح سمفونیسم آهنگ شوبرت، ژانر جدید پیانو در اثر ف. مندلسون-بارتولدی، آهنگی بدون کلام در حال شکل گیری است.

آهنگ و کیفیت آواز موسیقی رمانتیک نیز با علاقه عمیق رمانتیک ها به مضامین تاریخی - افسانه ای و افسانه ای و فولکلور، اما در یک انکسار ایده آل - مردسالارانه همراه بود. این را می توان تلاشی برای یافتن یک زندگی ایده آل در گذشته و نه یافتن آن در زمان حال در نظر گرفت. فولکلور در موسیقی رمانتیک اغلب نگاهی شاعرانه پیدا می کند. برای اولین بار در تاریخ هنر موسیقی جهان، رقص های عامیانه - پولونیز، کراکوویاک، مازورکا، کامارینسکایا - در آثار شوپن، گلینکا، همراه با آهنگ های آوازهای عامیانه، اساس آثار موسیقی می شود.

یکی از ویژگی های اساسی رمانتیسیسم موسیقی، فردی سازی استثنایی سبک های موسیقی است. این منجر به تعدد تفاسیر فردی از ژانرها شد، از جمله آنهایی که قبلا تقریباً متعارف بودند - سمفونی ها و سونات ها. چرخه سمفونیک 4 قسمتی که بر اساس ملودی آهنگ و بیان بداهه و ارائه تصاویر موسیقایی - غنایی - به صورت یک اثر سمفونیک در مقیاس بزرگ با تعداد قطعات بسته به قصد خاص نویسنده - از 2 قسمت در شوبرت - بازاندیشی شده است. سمفونی "ناتمام" به 5 -ti در سمفونی "فانتستیک" برلیوز. ژانر سونات مبتنی بر ارائه رایگان و فانتزی مضامین موسیقی است و به ژانر سونات فانتزی (در آثار F. List) تبدیل شده است. با این حال، نسخه کلاسیک هر دو ژانر سونات و سمفونیک در موسیقی رمانتیک حفظ شده است (آثار سمفونیک I. Brahms). یک ژانر کاملاً جدید از موسیقی سمفونیک نیز در حال شکل گیری است - یک شعر برنامه سمفونیک یک حرکت.

یک بینش فردی و شخصی از جهان منجر به ظهور ژانرهای موسیقی جدید شد. در پیوند با روند توسعه موسیقی خانگی، اجرای مجلسی، که برای مخاطبان انبوه طراحی نشده بود و تکنیک اجرای کامل، ژانر مینیاتورهای پیانو - بداهه، لحظات موسیقی، شب‌ها، پیش درآمدها، بسیاری از ژانرهای رقص را زنده کرد. قبلاً در موسیقی حرفه ای مطرح نشده بود. ویژگی زبان موسیقایی رمانتیسیسم، همراه با آهنگ، توجه زیادی به درخشندگی، رنگ بود (که منجر به تغییر در تفسیر آکورد و نسبت های آهنگ می شد).

فرانتس پیتر شوبرت (1797 - 1828، اتریش).

هنر رمانتیک موزیکال با بیشترین کمال خود را در خاک موسیقی اتریش و آلمان نشان داد.

یکی از نمایندگان برجسته رمانتیسیسم موسیقی اتریش فرانتس پیتر شوبرت است. شوبرت، معاصر بتهوون، با این حال، با آثار خود به عصر جدید و سبک موسیقی جدید تعلق داشت که در عین حال، تأثیر قابل توجهی از میراث کلاسیک داشت.

آثار شوبرت به طور ارگانیک با زندگی موسیقی وین، که در آن زمان واقعاً پایتخت موسیقی جهان بود، مرتبط است. تمام تازگی های ژانر اپرا در خانه اپرای دادگاه - آثار موتزارت، بتهوون، روسینی به نمایش گذاشته شد. کنسرت های باز که توسط انجمن دوستان موسیقی و انجمن موسیقی دانان آماتور سازماندهی شده بود در زندگی موسیقی وین اهمیت زیادی داشت.

نوازندگان معروف در وین تور کردند، کنسرت های خیریه زیادی برگزار شد. کنسرت های خانگی نوازندگان غیرحرفه ای نیز در میان وینی ها از عشق زیادی برخوردار بود. اما در همه این موارد شاهکارهای هنر موسیقی جهان همیشه مورد توجه شنوندگان قرار نمی گرفت که از بسیاری جهات با فضای ارتجاعی آن زمان مطابقت داشت.

اوج شکوفایی سیستم مترنیخ بود که به اوج استعداد شوبرت تبدیل شد. با این حال، آهنگساز آگاهی خود از اینرسی و ماهیت ارتجاعی رژیم را در تصاویر مبارزه - انقلابی، دگرگون کننده و در تصاویر یک خیزش مردمی مجسم نکرد. دنیای مجازی او دنیای روح یک انسان کوچک است، معمولی در زندگی روزمره، اما عمیقاً در این دنیای بی رحمانه و ناعادلانه با او احساس و رنج می برد. اما قهرمان غنایی شوبرت خود را در مقابل جامعه قرار نمی دهد. این نشان دهنده سنتز ارگانیک تمایلات رمانتیک و کلاسیک در آثار آهنگساز است. از بسیاری جهات، ارتباط او با هنر کلاسیک در توجه انحصاری شوبرت به میراث شعر کلاسیک بزرگ شعر آلمان، گوته، که اساس بسیاری از آهنگ‌های آوازی آهنگساز شد، منعکس شد.

جهت گیری دموکراتیک آثار شوبرت به دلیل تکیه سبک موسیقی او بر آواز و رقص محلی است. ریشه های عامیانه موسیقی او پایه و اساس ماهیت عینی اشعار است (در حالی که زیبایی شناسی بسیاری از موسیقی دانان رمانتیک رنگ بندی ذهنی روشنی دارد).

ژانر پیشرو در آثار شوبرت آهنگ است. در تاریخ فرهنگ موسیقی جهان، هرگز نمونه هایی از توجه دقیق به این سبک و ورود آن به حوزه موسیقی حرفه ای بالا، تبدیل آن به یک پدیده هنری مفهومی وجود نداشته است.

مقیاس کار آهنگساز قابل توجه است - بیش از 600 نمونه از این ژانر که بر اساس متون گوته، شیلر، مایرهوفر، مولر، هاینه ایجاد شده است. بیشتر از همه، آهنگساز جذب اشعار عاشقانه، نقوش تنهایی، تصاویر ژانر عامیانه و تصاویر طبیعت شد. ژانر آهنگ شوبرت با بسیاری از انواع آن نشان داده می شود - اینها مینیاتورهایی هستند که از نظر محتوا و زبان موسیقی بی تکلف هستند و مونولوگ های نمایشی در مقیاس بزرگ بر اساس ترکیب متضاد تصاویر متنوع هستند.

اوج خلاقیت آهنگ شوبرت - "مارگاریتا در چرخ چرخان" (1814)، تصنیف "پادشاه جنگل" به قول گوته (1815)، "سرگردان" به آیات اشمیت (1816)، "دوگانه" به آیات هاینه (1828 G.)

شوبرت خالق ژانر جدیدی شد - چرخه آهنگ داستان. اینها آثاری مانند «زن زیبای میلر» (1823) و «جاده زمستان» (1827) به ابیات دبلیو مولر، «آواز قو» (1828) به قول رلشتاب، سیدل، هاینه.

آثار سمفونیک شوبرت نمونه ای بارز از ترکیب ویژگی های کلاسیک و رمانتیک است.

در سمفونی های اولیه، چرخه کلاسیک 4 موومان پر از تصاویر غنایی عاشقانه است. اصالت سبک سمفونیک آهنگساز به طور کامل در سمفونی 8 در ب مینور - "ناتمام" (1822) منعکس شد.

شوبرت با تکیه قوی بر دستاوردهای مکتب سمفونی کلاسیک وین در این اثر خلق کرد. نوع جدیدسمفونیسم - غزل-آهنگ، روانی که یکی از جنبه های مهم آن، عاشقانه طبیعت است.

چرخه "ناتمام" از 2 قسمت تشکیل شده است (البته طبق برخی اطلاعات، شوبرت این اثر را 4 قسمتی تصور کرده است). اما قبلاً در چارچوب قسمت اول ، آهنگساز مشکل درام روانشناختی فرد را منعکس کرد که او را نگران می کرد ، موضوع معمولی عاشقانه تنهایی ، درگیری تراژیک فرد و جامعه.

تصاویر رمانتیک تمام پارامترهای بافت موسیقی را تعریف می کند - از موضوعی، لحن ها و ساختار بافت موسیقی گرفته تا شکل تم ها و بخش های موسیقی به عنوان یک کل.

بیان متمرکز ایده کار - موضوع مقدمه - یک سؤال غم انگیز، اشتیاق عاشقانه ابدی، کسالت، ناامیدی اولیه و از پیش تعیین غم انگیز سرنوشت انسان است. این مضمون که مکرراً در موومان اول ظاهر می شود، وضعیت هسته معنایی سمفونی را به دست می آورد.

دنیای غنایی تصاویر، ظاهر نامتعارف مضامین اثر را تعیین می کند. به جای اثربخشی فعال، که بسیار مشخصه برخی از مضامین قسمت های اول ژانر سمفونیک در نسخه کلاسیک است، آهنگ، آهنگ های آوازی وجود دارد که تصویری از جستجوی رمانتیک یک روح بی قرار را ایجاد می کند. در چارچوب جنبش اول، شوبرت آزادانه روش‌های رمانتیک برای توسعه مضامین موسیقی و کلاسیک را با هم ترکیب می‌کند (از بسیاری جهات وارث سنت‌های سمفونیزم بتهوون).

قسمت دوم سمفونی به نمایش تصاویر نورانی از طبیعت اختصاص دارد.

لازم به ذکر است که در نیمه اول قرن نوزدهم سمفونی "ناتمام" شناخته شده نبود، نسخه خطی آن تنها در سال 1865 کشف شد.

پنج نفره در ماژور (1819)

پنج نفره اصلی یکی از محبوب ترین آثار اف. شوبرت برای گروه مجلسی است. این پنج نفر تحت سلطه تصاویر شاعرانه طبیعت، اشعار ساده و روشن است.

اساس قسمت چهارم این پنج نفر آهنگ شوبرت "قزل آلا" بود - بسیار زیبا و بازیگوش. آهنگساز در پایان کار نیز از ریتم ها و آهنگ های فولکلور اتریشی، اسلاوی، مجارستانی و ایتالیایی استفاده می کند.

بداهه در فا مینور.

8 فی البداهه توسط شوبرت در سال 1827 ساخته شد. یک ژانر کاملاً جدید پیانو - فی البداهه - برای شوبرت یک مینیاتور فانتزی بود که از نظر فرم و محتوا فارغ از هرگونه کانن و مبتنی بر گسترده ترین دایره فیگوراتیو بود.

بداهه در فا مینور مبتنی بر تناوب و توسعه 3 تصویر اصلی است - تغزلی-دراماتیک، صلح آمیز سبک و متفکرانه، فلسفی عمیق.

زمین داران از چرخه عملیات. 67.

در میراث خلاق شوبرت تعابیر بسیار حرفه ای از ژانرهای محلی و روزمره موسیقی رقص وجود دارد. یکی از آنها لندلر، یک رقص سه ضربی روزمره آلمانی، پیشرو والس است.

روبرت شومان (1810 - 1856، آلمان)

آثار R. Schumann شکوفایی رمانتیسیسم موسیقی در آلمان را نشان داد. دهه 30-40 قرن 19 - زمان شکل گیری و تعریف سبک خلاق آهنگساز - به صفحه نسبتاً غیرمعمولی در تاریخ هنر رمانتیک تبدیل شد. از یک سو، آرمان های رمانتیک به طور فعال در آثار شومان، لیست و واگنر تأیید شد. از سوی دیگر، گرایش به پیروی از قوانین کلاسیک در هنر موسیقی - در آثار مندلسون و برامس - تقویت شد.

این دو سوی روند موسیقی-تاریخی در آلمان اساس کار شومان شد. این آهنگساز با واکنش بسیار حساس به فضای انقلابی کشور، در عاطفه بودن خاص آثارش، در آزادی بیان روحیه و اراده خلاق، حالات عصیانگر و عصیانگر زمانه را منعکس می کرد. رویدادهای انقلابی 1848-1849 به طور مستقیم بر خلق آثاری از شومان مانند "4 راهپیمایی برای پیانو"، گروه های کر مردانه "سه آهنگ آزادی"، اورتور "مانفرد" تأثیر گذاشت.

با این حال، تصاویر انقلابی در آثار شومان تنها جزئی از غنی ترین دنیای خلاقانه اوست. شومان خود بیان رمانتیسم موسیقی آلمانی است با احساسی بودن، تلاش برای آرمان دست نیافتنی معنویت و زیبایی، با کنایه دردناکش و در عین حال با صداقت، ملایمت و نفوذ. موسیقی شومان هم آتش بازی قطعات درخشان و هم صلح آمیزترین قسمت های غزلی است. چنین است کل دنیای هنری او - در ابتدا دوگانه، که در تصاویر قهرمانان ادبی آهنگساز منعکس شده است - فلورستان و اوسبیوس (از طرف آنها، شومان در مقالات انتقادی خود، سرنوشت موسیقی مدرن آلمان را منعکس می کند).

و بنابراین، قهرمان شومان - در مقایسه با قهرمانان شوبر - بسیار احساساتی تر است، زیرا او خود ویژگی های دو دنیای عاشقانه را در خود دارد. از این رو زبان موسیقایی بسیار تندتر و تکانشی تر - با فراوانی تضادها، ناهماهنگی مکرر و انفجاری واقعاً عاشقانه.

کار شومان از نظر اولویت های ژانر به همان اندازه دوگانه است. برای انعکاس حالات و حالات لحظه ای و لحظه ای جذب می شود و "غزلسرای لحظات کوتاه" است - به قول ب. آصافیف، او برای ژانر مینیاتور پیانو تلاش کرد. فرم های چرخه ای، متشکل از بخش های مینیاتوری و جدایی ناپذیر درون خود. ژانر. دسته چرخه پیانوهمچنین به آهنگساز این فرصت را داد تا روح خلاقیت آزاد را که همیشه برای او ایده آل بوده است به حداکثر برساند.

شاید در میان نوازندگان رمانتیک هیچ هنرمندی وجود نداشته باشد که ادبیات و موسیقی برای او قویتر از شومان با هم ترکیب شوند. پیش از این رمانتیسیسم مسیر موسیقایی شدن ادبیات را طی کرد که با آغاز فعالیت خلاقانه شومان، این روند در مسیر تعمیق سنتز آنها پیش رفت. اوج این مسیر ژانرهای کاملاً جدید بود - رمان های موسیقی ، چرخه های "داستان" موسیقی.

بیان طبیعی آرمان رمانتیک ترکیب هنرها برای شومان هم میل به برنامه نویسی و هم علاقه او به نقد ادبی و موسیقی بود. و در این جنبه از کار او (و همچنین در آهنگسازی) به وضوح می توان تحولی به سمت رئالیسم را مشاهده کرد.

در جوانی، بت شومان، نویسنده ژان پل بود. این آثار او بود که مبنای دوگانگی زیبایی‌شناختی شومان شد که در حضور دو تصویر-شخصیت متضاد در ادبیات و ادبیات خود را نشان می‌دهد. آثار موسیقیآهنگساز بیشتر از همه در نثر ژان پل شومان روح تغزل و طنز ، رویاپردازی عاشقانه ، مرز با احساسات گرایی ، اصل چرخه گرایی ، قطع کردن نقشه های داستان جذب شد.

کمی بعد، شومان جذب ایده آل های هافمن شد - تیز بودن درک واقعیت، برهنگی تضاد بین معنوی و واقعی، تیز بودن، غیرمعمول بودن، گاهی اوقات بدجنس بودن شخصیت ها، اصل طنز دردناک عاشقانه.

سال‌های بعد با نزدیکی زیبایی‌شناختی آرمان‌های شومان به دیدگاه‌های هاینریش هاینه، میل به عینیت‌سازی و دخالت اصل حماسی در مدار خلاق مشخص شد.

عبارت یکی از برجسته ترین زیبایی شناسی هنر موسیقی نوالیس: "معمولی بالاترین معنی را می دهد، آشنا - نگاه اسرارآمیز، آشنا - وقار ناآشنا، متناهی - ظاهر نامتناهی" - کاملاً درک هنر رمانتیک توسط R. Schumann را مشخص می کند. تغییرپذیری پدیده ها تمایل دارد که زندگی را با همه تطبیق پذیری آن منعکس کند. این امر در این واقعیت نیز منعکس شد که شومان با داشتن یک رمانتیک در بینش خلاق خود از جهان، در عین حال فعال ترین نماینده روشنفکر خلاق آلمان بود.

در سال 1834 او "ژورنال موسیقی جدید" را در لایپزیگ ایجاد کرد. تمرکز این نشریه که شومان نویسنده، سردبیر و ناشر آن بود (مجله هفتگی بود) به وضوح آموزشی بود. شومان در مقالات خود نوعی برادری معنوی Davidsbund ایجاد کرد که از روندهای نوآورانه در هنر موسیقی دفاع می کرد، از استعدادهای جوان حمایت می کرد و در عین حال به شدت کینه توزی و کینه توزی در هنر، روال جامعه آلمان را محکوم می کرد. در این میان شومان به کارگردانی «آلمان جوان» بسیار نزدیک بود، اما برخلاف او، آهنگساز و مجله اش برنامه سیاسی خاصی نداشتند.

یک آهنگساز درخشان، یک مبتکر جسور - شومان - همچنین پیانیست بزرگی بود. به طور طبیعی، او جستجوی خلاقانهدر درجه اول در ژانرهای موسیقی پیانو اسیر شدند.

یکی از کارهای اولیه شومان برای پیانوفورته، چرخه قطعات «پروانه‌ها» است. این نوعی پاسخ به رمان ژان پل «سال‌های پسرانه» است. در این چرخه - مجموعه ای از رقص ها و طرح های پرتره - ویژگی های مشخص چرخه های شومان از قبل به وضوح مشخص شده است - پرتره، وضوح، تصویرسازی از زبان موسیقی و تضاد درونی تصاویر نمایشنامه ها.

چرخه‌های پیانوی نرم‌افزار شومان شامل آثار فوق‌العاده‌ای مانند «قطعه‌های شگفت‌انگیز»، «صحنه‌های جنگل»، «صحنه‌های کودکان»، «کارناوال»، «دیویدسباندلر»، «کریسلریانا» است.

"کارناوال" - 1834 - یکی از قله های شومان در زمینه موسیقی پیانو. این تصویری در مقیاس بزرگ و رنگارنگ از جشن‌هاست که در آن داویدسباندلرها (اعضای حلقه ادبی و اجتماعی تخیلی "برادری دیوید" که توسط شومان در صفحات مجله‌اش ایجاد شده است) با طاغوت‌ها (شخصیت‌های فرهنگی ارتجاعی) مخالفت می‌کنند.

در واقع، این یک کارناوال از ماسک ها است - "پیرو"، "هارلکین"، "کلمبین"، "پانتالون"، شخصیت های خارق العاده، تصاویر قهرمانان مورد علاقه شومان - "فلورستان" و "ایوسبیوس"، پرتره های موسیقی از معاصران آهنگساز - «شوپن» و «پاگانینی».

تمام این سری تصاویر متمایز به لطف لایت موتیف 4 صدا به شدت مرتب شده است. نام لاتین این 4 نت، نام شهر آش در جمهوری چک (بوهمیا) را تشکیل می‌دهد، جایی که ارنستین فریکن در آن زندگی می‌کرد - موضوع مورد ستایش جوانی شومان. در املای نام خود آهنگساز نیز همین حروف آمده است. همه قطعات تغییراتی در این موضوع هستند.

(کاست شماره 9. سمت B)

"عرابسک" op. 18 برای پیانو.

Arabesque یک ژانر عاشقانه از هنر پیانو، یک مینیاتور با ملودی بدیع با تزئینات فراوان و ریتم عجیب و غریب است. این اثر توسط شومان در سال 1839 خلق شد و چرخه ای از قطعات نسبتاً جذاب از شخصیت های مختلف است.

اشعار آوازی یکی از زمینه های قابل توجه آثار شومان است. جذابیت صدای آوازی به دلیل ماهیت رمانتیک ماهیت خلاق آهنگساز، تمایل او به ترکیبی از هنر - موسیقی و ادبیات است.

شومان در ادامه سنت های شوبرت در زمینه موسیقی آوازی به ژانر آهنگ با همه تنوع و ژانر چرخه آوازی روی می آورد. اما در عین حال، شومان، برخلاف شوبرت، همواره به سمت تجسم موسیقایی شعر رمانتیک مدرن گرایش داشت.

پربارترین و شاخص ترین دوره در آثار آوازی شومان دهه 40 بود. قرن 19 در این زمان، آهنگساز شاهکارهایی از اشعار آوازی مانند چرخه های "Myrtle" (در ایستگاه گوته، روکرت، هاینه، بایرون، برنز، مور، موسن)، "دایره آوازها" (در ایستگاه آیچندورف) خلق کرد. ، "دایره ترانه ها" (در متن رنج های جوانی هاینه)، "عشق و زندگی یک زن" (در ایستگاه Chamisso).

اوج کار آوازی این آهنگساز چرخه "عشق شاعر" بر روی متن "Lyrical Intermezzo" هاینه بود که در سال 1840 ایجاد شد.

اساس داستان این چرخه داستان عشق شاعرانه است: از اولین احساس تا ناامیدی و از دست دادن یک معشوق. هر یک از آهنگ های این چرخه تصویری کامل و یکپارچه است که در آن احساسات صداقت عاشقانه، سادگی کلاسیک و وضوح تجسم پیدا می کند. دراماتورژی اثر منحصر به فرد است - حرکتی ثابت به سمت یک پایان تراژیک، افزایش غیرقابل توقف تراژدی. کار با یک اوج احساسی، تصاویری از شادی و لذت با زندگی شروع می شود، کار با تصاویری از اندوه عمیق و کنایه معمولی عاشقانه پایان می یابد - ناله روح.

سمفونی شماره 4 در د مینور op. 120 ساعت 1، 3، 4.

شوبرت 4 سمفونی و چندین اورتور سمفونیک خلق کرد.

قدمت آثار سمفونیک این آهنگساز به دهه 1940 برمی گردد، زمانی که اصول و تصویرسازی جدید و رمانتیک در زمینه ژانر سمفونیک پایه گذاری شده بود. اما از بسیاری جهات، سمفونی‌های شومان با نمونه‌های کلاسیک، به‌ویژه، سمفونی‌های ژانر بتهوون هدایت می‌شوند. از اهمیت ویژه ای در آثار سمفونیک شومان، طعم لطیف ملی است.

این آهنگساز مدت زیادی روی سمفونی چهارم کار کرد. در سال 1841 در مدت زمان بسیار کوتاهی ایجاد شد، 10 سال بعد به طور اساسی دوباره کار شد. خود نویسنده این اثر را «فانتزی سمفونیک برای ارکستر» نامیده است. برخلاف دیگر سمفونی‌های شومان، تصاویر رمانتیک در 4 برجستگی دارد.

کنسرتو برای پیانو و ارکستر در A-minor، op. 54، قسمت 2، 3.

کار آهنگساز روی این اثر از نظر زمانی "شکسته" بود. قسمت 1 در سال 1841، 2 و 3 - در سال 1845 ایجاد شد.

بخش اول کنسرتو مجموعه ای از تصاویر غنایی با الهام از شاعرانه است که از نظر مهارت و تکنیک درخشان است. خود نویسنده از این قسمت به عنوان یک فانتزی یاد کرده است.

بخش‌های کنسرتو با رابطه‌ی درون‌شناختی مضمون‌ها به هم مرتبط هستند.

قسمت 2 یک مینیاتور ظریف است که در آن دمدمی مزاجی، ملودی غریب و ریتم توجه را به خود جلب می کند.

بخش سوم از بسیاری جهات به تصاویر کارناوال شومان با درخشش، وقار و جشن نزدیک است.

(کاست شماره 10. ضلع A)

فریدریک شوپن (1810 - 1849، لهستان).

اواسط قرن 19 - زمان شکل گیری فعال ترین مدارس آهنگسازی ملی. شکل گیری موسیقی حرفه ای لهستان به طور جدایی ناپذیری با نام پیانیست و آهنگساز بزرگ فرایدریک شوپن پیوند خورده است. تمام آثار او با ارتباط قوی با موسیقی محلی لهستان مشخص شده است. جهت گیری میهن پرستانه زیبایی شناسی و سبک آهنگساز، بر خلاف بسیاری از نوازندگان رمانتیک دیگر، به طور مسالمت آمیزی قابل تأمل نبود. میهن پرستی شوپن انقلابی و مؤثر بود و عمدتاً توسط فضای متشنج مبارزات آزادیبخش ملی لهستان در اواسط قرن نوزدهم تعیین شد. و علیرغم این واقعیت که شوپن زودتر از موطن خود را ترک کرد و عمدتاً در فرانسه زندگی کرد، تصاویر فولکلور و انقلابی اساس موسیقی او شد.

مشهورترین پیانیست، یک هنرپیشه باشکوه، شوپن، طبیعتاً در کار خود بر ژانرهای موسیقی پیانو تکیه داشت. شوپن با ادامه سنت های شوبرت از نظر توسعه ژانرهای رقص روزمره ، توجه زیادی به ژانرهای والس ، پولونیز ، کراکوویاک ، مازورکا کرد و موسیقی رقص واقعاً محلی را شاعرانه کرد.

یکی از ژانرهای کار این آهنگساز کنسرتو پیانو بود. کنسرتو پیانو شماره 2 در فا مینور یکی از کارهای اولیه شوپن است که با این حال برجسته ترین ویژگی های سبک او - روشنایی تصاویر، آهنگین بودن ملودی و نزدیکی به خاستگاه های رقص محلی- را در خود جای داده است. کنسرتی در ورشو در سال 1830 که شوپن این اثر را با موفقیت خیره کننده ای اجرا کرد، به نوعی خداحافظی آهنگساز با سرزمین مادری اش شد. شوپن دیگر هرگز در خاک لهستان نبوده است.

سونات پیانو در B-flat - مینور، op. 35، بخش 1 (1839 - 1840) برنامه ادبی ندارد، بنابراین مشخصه فرهنگ موسیقی رمانتیسم است. اما توسعه طبیعی تصاویر - برجسته، نمایشی درخشان - نوعی "طرح" موسیقی را ایجاد می کند - دراماتیک، که از نزدیک با ایده های میهنی مرتبط است. سونات در B-flat - مینور - درام غنایی که در آن تصویر قهرمان، سرنوشت غم انگیز او با سرنوشت مردم، میل آنها به آزادی یکی می شود.

Scherzo برای پیانو در سی شارپ - مینور، op. 39. ژانر scherzo قبلاً در موسیقی سمفونیک به عنوان پایه ژانر یکی از بخش های سمفونی استفاده می شد - به ویژه در سمفونی سوم بتهوون. در عصر رمانتیسم، اسکرزو به عنوان یک ژانر پیانو بر اساس کنار هم قرار دادن تصاویر متضاد استقلال پیدا می کند.

تصنیف برای پیانو در ف ماژور، op. 36. هنر رمانتیک، تلاش برای کنتراست و روشنایی تصاویر، احساسی بودن آنها، بسیاری از ژانرهای جدید را شکل داده است. یکی از آنها که از نظر ژنتیکی با ادبیات مرتبط است، تصنیف بود. برای اولین بار این ژانر در اثر آوازی شوبرت - تصنیف آوازی "پادشاه جنگل" در خیابان خ. گوته در موسیقی شوپن، نسخه پیانویی از این ژانر ظاهر می شود که توسعه آن در آثار لیست، گریگ، برامس ادامه یافت.

تصنیف های شوپن اغلب - هم از نظر طرح و هم به صورت مجازی - با تصنیف های A. Mickiewicz مرتبط است. آنها بر اساس تصاویری عمیقا واقع گرایانه و عامیانه هستند که در مورد سرنوشت دراماتیک وطن آهنگساز صحبت می کنند. تصنیف های شوپن مجموعه ای از تصاویر متضاد هستند - تراژیک، سوگوار، غنایی، صلح آمیز، شبانی. فرم تصنیف ها در چارچوب ژانرهای شناخته شده نمی گنجد و ترکیبی آزاد و بداهه از سونات ها، واریاسیون ها، فرم های روندو و غیره است.

پیش درآمد شماره 22 در گی مینور، شماره 23 در فا ماژور.

ژانر باستانی پیش درآمد در آثار اف شوپن جان تازه ای می یابد. پیش درآمد با بداهه نوازی، آزادی، نداشتن چارچوب هنجاری ژانر و گستردگی دامنه فیگوراتیو توجه آهنگساز را به خود جلب کرد. این به طور کامل با میل هنر رمانتیک برای فردی کردن ژانرها و ناهنجاری زبان موسیقی مطابقت داشت.

سلف بلافصل 24 پیش درآمد شوپن، چرخه خوش خلق و خوی Clavier اثر جی اس باخ بود که در آن پیش درآمدها و فوگ ها در هر یک از کلیدهای شناخته شده نوشته می شد. اصل اصلی توالی پیش درآمدها در چرخه شوپن تضاد تصاویر است، اما در برخی موارد چندین پیش درآمد توسط یک هسته فیگوراتیو به هم متصل می شوند. اغلب در پیش درآمدها "لغزش" و ویژگی های ژانرهای دیگر - پولونیز، مازورکا، شبانه.

مازورکا برای پیانو در لا مینور، op. 59، شماره 1.

اصالت ملی خلاقیت شوپن به وضوح در تجسم پیانوی او از رقص های محلی - پولونیز، کراکویاک، مازورکا منعکس شد. رقص محلی لهستانی برای آهنگساز اساس غنی ترین دنیای تصاویر شد. اینها مازورکاهای غنایی و نمایشی هستند که اغلب ظاهر طرح های منظره را به خود می گیرند.

در قلب مازورکا یک ریتم تند، یک شخصیت متحیر وجود دارد. اما شوپن، به عنوان یک قاعده، تقریباً هرگز از ملودی های عامیانه اصیل در مازورکاهای خود استفاده نمی کرد، و تفسیرهای نویسنده از معمولی ترین لحن ها و ریتم ها را بر اساس فولکلور ایجاد می کرد.

(کاست شماره 10. سمت B)

Nocturne in C minor op. 48، شماره 1.

Nocturne (شب) محبوب ترین سبک موسیقی رمانتیک است. در آثار شوپن، این ژانر ظاهر یک اثر کوچک پیانویی را به خود می گیرد، در فرم آزاد، که در آن تصاویر غنایی اغلب در امتداد خط افزایش تنش دراماتیک ایجاد می شوند.

برخی از نوتورن ها از چارچوب یک مینیاتور غنایی "بیشتر" می شوند و به شعرهای کوچک پیانو تبدیل می شوند. یکی از این قطعات شبانه در سی مینور است.

پولونز در ماژور A-flat شماره 6. در مقایسه با سایر ژانرهای رقص در آثار شوپن، پولونز جاه طلبانه تر و تاریخی تر است. محتوای اصلی آنها تصاویر قهرمانانه و جشن است.

والس در عملیات ماژور مسطح. 69، شماره 1. والس سبک مورد علاقه موسیقی روزمره قرن نوزدهم است. در آثار شوبرت به یک ژانر مستقل از موسیقی پیانو سولو تبدیل می شود و هدف رقص خود را از دست می دهد. این روند بیشتر در موسیقی شوپن توسعه می‌یابد، جایی که والس به یک قطعه کنسرت در مقیاس بزرگ با ماهیت ویرتوز تبدیل می‌شود.

اتود برای پیانو در سی مینور اپ. 25، شماره 12. قبلاً ژانر اتود معنایی کاملاً فنی و کمکی داشت. از اتودها برای توسعه مهارت های فنی اجراکننده استفاده شد. شوپن اتود را یک ژانر موسیقی مستقل و بسیار هنری می دانست. اما در عین حال اتودهای شوپن همیشه - به عنوان یکی از ویژگی های ضروری ژانر - بالاترین سطح فنی و تکیه بر تکرار برخی تکنیک های فنی پیچیده نوازندگی پیانو را حفظ کردند.

چندین مجموعه اتود ایجاد شده توسط آهنگساز، اجرای هنری متنوعی از این ژانر هستند که بر اساس اصل تضاد فیگوراتیو تکنیک های پیانیستی مرتب شده اند. اتود سی مینور «انقلابی» نامیده می شد. تحت تأثیر ایجاد شده است رویدادهای انقلابیدر لهستان، این یک مونولوگ پرشور، آشفته، پر از ترحم میهن پرستانه، خیزش قهرمانانه احساسات است.

آنتونین دووراک (1841 - 1904، جمهوری چک).

توسعه مکتب موسیقی رمانتیک ملی چک در درجه اول با نام های آنتونین دووراک و بدریچ اسمتانا مرتبط است. کار آنتونین دووراک تا حد زیادی ناشی از ظهور جنبش میهن پرستانه، رشد آگاهی ملی در شرایط ستم ملی و اجتماعی در جمهوری چک بود که تحت حاکمیت هابسبورگ ها بود.

دهه 80-90 قرن نوزدهم، که گاه به اوج استعداد خلاق دووراک تبدیل شد، دوره ای از زندگی هنری بسیار غنی در پراگ بود. با افتتاح تعدادی از مؤسسات موسیقی و آموزشی و دسترسی گسترده نویسندگان چک به صحنه نمایش و موسیقی، نقش مهمی در شکل گیری مدرسه هنر ملی ایفا کرد.

میهن پرستی، دموکراسی، همراه با غزل و بینش ذهنی از جهان از ویژگی های بارز زیبایی شناسی دووراک است. برخلاف بسیاری از معاصرانش، او از موهبت آهنگساز جهانی برخوردار بود که به او اجازه می‌داد تقریباً در تمام ژانرها - اپرا، اوراتوریو، سمفونی، کنسرتو، آواز و موسیقی تک‌نوازی استفاده کند.

دووراک با ادامه سنت‌های بنیان‌گذار کلاسیک موسیقی چک - B. Smetana، هویت ملی ژانر اپرا را توسعه می‌دهد. از جمله اپراهای او می توان به کمدی های موزیکال محلی خانگی "سرسخت"، "دهقان حیله گر"، "ژاکوبن"، تاریخی و عاشقانه "آلفرد"، "دیمیتری"، "آرمیدا" و افسانه های عامیانه - "شاه و معدنچی زغال سنگ" اشاره کرد. ، "دیوار شیطان" ، "شیطان و کاچا" و همچنین معروف ترین و محبوب ترین اپرای دووراک - "پری دریایی".

از جمله آثار مهم دوورژاک چرخه رقص اسلاوی برای ارکستر است که تمام غنای تصاویر، ملودی ها و ریتم های نه تنها چک، بلکه همچنین رقص های اوکراینی، اسلواکی و لهستانی را به تصویر می کشد.

دووراک توجه زیادی به ژانر سونات-سمفونی داشت و از سال 1865 تا 1893 9 سمفونی خلق کرد.

سمفونی شماره 9 (در چاپ اول شماره 5) عنوان برنامه "از دنیای جدید" را دارد. در سال 1892 تحت تأثیر اقامت آهنگساز در نیویورک ایجاد شد، جایی که او به عنوان رهبر ارکستر و رئیس کنسرواتوار دعوت شد. هسته ایدئولوژیک و معنادار اثر، شعر هنری لانگفلو «آواز هیوااتا» بود که بر اساس افسانه‌ها و سنت‌های قبایل هندی ساخته شده بود. این شعر حتی قبل از ورود به ایالات متحده برای آهنگساز آشنا بود. اما علیرغم انعکاس غیرمستقیم در سمفونی آهنگ های معمولی ترانه های معنوی معنوی سیاهپوستان، این سمفونی اساساً یک اثر عمیقاً ملی و اصیل است که تمام غنای فولکلور چک را منعکس می کند.

در پایان سمفونی، روح مردمی دموکراتیک خود را با کمال خاصی نشان داد، زیرا مضامین اصلی موسیقی این جنبش، چرخش های ملودیک معمولی موسیقی محلی چک - راهپیمایی Hussite، رقص گرد، اشعار آهنگ و رقص را بازسازی می کند.

Bedrich Smetana (1824 - 1884، جمهوری چک).

B. Smetana موسس مدرسه موسیقی کلاسیک چک است. Smetana با ایجاد یک هنر موسیقی واقعاً ملی به محبوب ترین و مرتبط ترین ژانرهای آن دوران - سمفونی ها و اپراها روی آورد. میراث خلاق او شامل آثاری برای گروه کر، پیانو، ارکستر زهی است. اما در آثار هر ژانری در آثار سمتانا، ملیت و دموکراسی به منصه ظهور می رسد کیفیت های ضروریسبک او

Smetana با دیدن بالاترین نمونه ترکیب موسیقی و ادبیات در ژانر اپرا، مساعدترین زمینه برای انعکاس ایده ها، مضامین، تصاویر ملی، دو حوزه از این ژانر را توسعه داد - قهرمانی (اپراهای دالیبور، آتش نشانان در جمهوری چک، لیبوشه) و کمیک ("عروس مبادله شده"، "دو بیوه").

آثار سمفونیک دووراک از محبوبیت فوق العاده ای برخوردار است، به ویژه چرخه 6 شعر سمفونیک اصلی "سرزمین من". هر یک از شعرها یک عنوان فرعی برنامه ای دارد و تفسیری متنوع از ایده میهن پرستانه است. اینها مناظر موسیقی، و خاطرات دوران باستان، افسانه هایی در مورد قهرمانان افسانه ای، خاطرات مبارزه مردم برای رهایی هستند.

چرخه پیانو "اسکیس" (1858) نمونه ای از چرخه پیانو از مینیاتورها، یک ژانر معمولی رمانتیک است. در قلب این اثر، موضوع ملی است که Smetana را تعریف می کند. ویژگی های فولکلور چک به وضوح در مینیاتورهای این چرخه آشکار می شود.

(کاست شماره 11. سمت A)

فلیکس مندلسون بارتولدی (1809 - 1847، آلمان).

آثار مندلسون جایگاه ویژه ای در تاریخ فرهنگ موسیقی رمانتیک آلمانی دارد. در عصر تسلط آرمان های رمانتیک، مندلسون آرمان های کلاسیک را - بر مبنایی جدید و رمانتیک- اعلام می کند. در آثار آهنگساز، تصاویر عاشقانه غنایی تعادل کلاسیک، خویشتن داری و عینیت، حماسی به دست آوردند.

احترام صمیمانه به میراث باخ، هندل و بتهوون، آثار آهنگساز را با تکنیک های خاص نوشتاری، کامل بودن و دقت اندیشه موسیقی، یکپارچگی و سازگاری فرم موسیقی غنی کرد.

کلاسیک و رمانتیک در آثار مندلسون در یک کل جدایی ناپذیر ادغام شدند. ثمربخشی این مسیر بعدها با آثار سمفونیک یوهانس برامس ثابت شد.

در زمینه ادبیات، نوعی ایده آل برای ف. مندلسون، آثار رمانتیک ها و کلاسیک ها بود - ژان پل و هاینه، گوته و شکسپیر.

ترکیب ویژگی های کلاسیک و رمانتیک منجر به ظهور ژانرهای جدیدی در کار مندلسون شد - سمفونی "غزل-منظره" (ادامه سنت های سمفونی ششم "پستورال" بتهوون و سمفونی "ناتمام" شوبرت) ، کنسرت ساز غنایی بر اساس دستاوردهای موتزارت و بتهوون)، اوراتوریو رمانتیک.

بر اساس دستاوردهای شوبرت و شومان در زمینه مینیاتورهای پیانو نرم افزاری، مندلسون یک ژانر جدید پیانو ایجاد می کند - "آهنگ بدون کلام".

این نوع جدید از مینیاتور پیانو به وضوح تسلط اصل آهنگ را در آثار آهنگساز به عنوان یک هنرمند رمانتیک ثابت می کند. در آثار او چنین نگرش های واقعاً عاشقانه ای نیز آشکار می شود - مانند میل به بداهه پردازی شاعرانه در ارائه اندیشه موسیقایی، گسترش حوزه غنایی در چرخه سونات-سمفونی - و در نتیجه آن - ظهور آثار خاص. روش هایی برای توسعه مضامین موسیقی

دنیای خلاق آهنگساز، بر خلاف بسیاری از معاصران عاشقانه اش، به طرز مسالمت آمیزی تغزلی، کلاسیک سختگیرانه و خالص و از نظر عینی متعادل بود. از بسیاری جهات، شکل‌گیری جهان‌بینی و زیبایی‌شناسی آهنگساز ناشی از زندگی عاری از برخورد و ناامیدی غم‌انگیز بود. مندلسون که از یک خانواده بانکداری ثروتمند آمده بود، تحصیلات عالی دریافت کرد. نخبگان روشنفکر آلمان در آن زمان در خانه پدر و مادرش جمع می شدند. مندلسون از کودکی با هگل، هومبولت، هاینه، وبر، اسپور، پاگانینی آشنا بود. از سن 12 سالگی، مندلسون با هاینه ارتباط برقرار کرد، که البته نمی توانست بر شکل گیری جهان بینی آهنگساز آینده، رد او از افراط های ذهنی رمانتیسم تأثیر بگذارد.

مندلسون تحصیلات عالی داشت، زبان ها را خیلی خوب می دانست، دوستان زیادی در کشورهای مختلف داشت، اما با تمام وجودش همیشه به آلمان تعلق داشت. او در عین حال به تمام کاستی ها و ناقصی های فرهنگ داخلی زمان خود به ویژه موسیقایی به طرز دردناکی آگاه بود. این امر اهمیت استثنایی فعالیت های موسیقی و آموزشی را برای او مشخص کرد.

بزرگترین شایستگی او به عنوان یک مربی، بازگشت به زندگی موسیقی جی اس باخ است. تحت مدیریت مندلسون بود که نمازخانه آواز برلین در سال 1829 - 100 سال پس از ایجاد آن - مصائب متی باخ را اجرا کرد.

مندلسون که در سن 10 سالگی شروع به نوشتن موسیقی کرد، خیلی زود - در اکتت (1825) و در اورتور "رویای یک شب نیمه تابستان" (1826) - سبک خود را به کمال رساند که یکپارچگی آن در طول زندگی اش حفظ شده است. مندلسون که در دوسلدورف و لایپزیگ کار می کند، تمام توان خود را صرف ترویج هنر موسیقی کلاسیک، بهترین نمونه های موسیقی مدرن می کند. ارکسترهای تحت رهبری او پیچیده ترین آثار کروبینی، پالسترینا، هندل، کمند، پرگولسی، موتسارت، بتهوون را اجرا کردند.

در سال 1843، مندلسون اولین هنرستان آلمانی را در لایپزیگ ترتیب داد. او حدود 12 سال ارکستر معروف Gewandhaus را در لایپزیگ رهبری کرد.

مندلسون همراه با پیانو "آهنگ های بدون کلام" خالق (ادامه سنت های بتهوون) یک ژانر جدید دیگر - اورتور سمفونیک رمانتیک بود که به آن استقلال و اهمیت داد. شکل گیری یک ژانر جدید تا حد زیادی با این واقعیت تسهیل شد که تصاویر واقعاً عاشقانه - غنایی و خارق العاده - در یک فرم کلاسیک هماهنگ و منظم تجسم یافتند.

استقلال ژانر اورتور در آثار مندلسون با این واقعیت تسهیل شد که آنها نه به عنوان مقدمه ای برای اجرای نمایشی یا موزیکال-تئاتری، بلکه به عنوان آثار موسیقی کامل ایجاد شدند.

این اورتور "رویای یک شب نیمه تابستان" (1826) است.در نمایشنامه شکسپیر، مندلسون قبل از هر چیز با طنز درخشان، فانتزی، روشنایی و سرزندگی تصاویر جذب شد. اورتور در زمان حیات بتهوون خلق شد و در مقایسه با عظمت و مقیاس بوم های سمفونیک او، اورتور کوچک آهنگساز جوان برای هم عصرانش شاهکاری به نظر نمی رسید. اما در راه خلق نسخه رمانتیک جدید این ژانر، مندلسون اولین بود. پس از آن، این اورتور سمفونیک است که به یک ژانر خاص عاشقانه تبدیل خواهد شد. بنابراین، "رویای یک شب نیمه تابستان" مهم ترین اثر نه تنها در میراث خلاق آهنگساز، بلکه در تاریخ رمانتیسیسم موسیقی است.

"Magnificat" شماره 6 "Gloria" ("جلال خدا در بالاترین").

بخش قابل توجهی از کار مندلسون آثار آوازی و کرال است - اواتوریوهای "پل" و "الیاس" و همچنین "Magnificat" - یک ستایش بزرگ در مقیاس بزرگ. کار معنویبه متن سنتی لاتین

کارل ماریا فون وبر (1786 - 1826، آلمان).

کارل ماریا وبر یکی از بنیانگذاران رمانتیسیسم موسیقی آلمانی است. وبر همراه با خالق اولین اپرای رمانتیک آلمانی Ondine، E. T. A. Hoffmann، پایه های تئاتر اپرای رمانتیک ملی آلمان را با آثار خود بنا نهاد. وبر با حمایت از احیای اپرای آلمانی، اپرا را واقعاً غنی کرد سنت های ملیتئاتر موزیکال و دراماتیک با تصاویر جدید و معمولاً عاشقانه و لحن های موسیقی.

اپراهای او - "تیرانداز جادویی" (گاهی اوقات از نام دیگری برای کار استفاده می کنند - "تیرانداز آزاد")، "Evryant"، "Oberon" تا حد زیادی مشابه هستند. اول از همه، به لطف طرح افسانه ای افسانه ای، فردی روشن، ویژگی های عمیق روانشناختی شخصیت ها، اهمیت استثنایی آغاز غنایی و تصاویر طبیعت، ایجاد دو دنیای موسیقی برای تجسم دو حوزه تصویر - واقعی و خارق العاده. مهمترین ویژگی اپرای آلمانی که در آثار وبر شکل گرفت، وحدت موسیقی، اکشن و صحنه نگاری است.

کارل ماریا وبر نیز یک چهره عمومی فعال بود. او در سال 1811 "انجمن هارمونیک" را تشکیل داد که هدف آن ترویج هنر ملی بود.

اپرا "اوبرون"، اورتور.

اپرای اوبرون در سال 1826 بر اساس طرح ویلند ساخته شد. این اثر به سفارش تئاتر انگلیسی "کاونت گاردن" و به عنوان یک لیبرتو به آهنگساز یک شعر نسبتا ضعیف توسط شاعر انگلیسی جیمز رابینسون پلانچت پیشنهاد شد. علیرغم محاسبات نادرست دراماتیک آشکار در لیبرتو، وبر یک اثر شگفت انگیز خلق کرد - یک دنیای کامل از فانتزی افسانه ای - نایادها، گنوم ها، الف ها.

این اپرا بر اساس ژانر موسیقی و تئاتر ملی آلمان Singspiel است که در آن اعداد موسیقی و گفتاری متناوب هستند.

یکی از درخشان‌ترین قسمت‌های اپرا، اورتور در دراماتیک‌ترین مضامین اپرا است. دستاوردهای وبر در زمینه ژانر اورتور سمفونیک تا حد زیادی به استقلال او در کار رمانتیک ها (به ویژه در آثار مندلسون) کمک کرد.

یوهانس برامس (1833 - 1897، آلمان).

نیمه دوم قرن نوزدهم مرحله نسبتاً دشواری برای هنر موسیقی آلمان بود. از یک سو، تمایلات رمانتیک عمیق تر شد و روحیه یک ذهنیت گرایی فزاینده تشدید شده و ناهنجاری زبان موسیقی را به همراه داشت. از سوی دیگر، گرایش های مترقی بیشتر و بیشتر فعال شدند.

در فضای بحران ایدئولوژیک و هنری، سنت های رئالیستی کلاسیک اهمیت جدیدی پیدا کردند، فعالیت کنسرت شدت گرفت، سنت های موسیقی مجلسی خانگی تقویت شد، انجمن های فیلارمونیک و سایر موسیقی ها شکل گرفتند - باخ، هندل، جشنواره های مختلف موسیقی و جشن ها برگزار شد.

در این پالت متنوع و رنگارنگ، نام یوهانس برامس به لطف جهت ترکیبی سبک او، جایگاه بسیار ویژه ای را به خود اختصاص داده است. برامس در آثار خود سنت های کلاسیک و رمانتیک، سنت هایی را که از فلسفه عمیق باخ سرچشمه می گیرد و سنت هایی که از موسیقی فولکلور سرچشمه می گیرند، با هم ترکیب کرد. ترکیب این جهت‌ها آنقدر عمیق و ارگانیک است که بر تمام سطوح بافت موسیقی - هم فرم و هم محتوا - تأثیر می‌گذارد.

با این حال، حوزه های نفوذ این سنت ها هنوز قابل تشخیص است. زیبایی شناسی برامس، جهان بینی او قطعاً در مبانی خود کلاسیک است - متعادل، عقلانی. اما اشکال انعکاس آن - زبان موسیقایی، دراماتورژی - مبنایی آشکارا عاشقانه دارند. همه اینها به طور طبیعی با عمیق ترین نفوذ در پایه های ملودی فولکلور اسلاو، آلمانی، مجارستانی ترکیب شده است.

پیوندها با فرهنگ ملیمحدود به تکیه بر لحن ها و ژانرهای عامیانه نیست. همراه با چندین مجموعه از آهنگ های محلی - بیش از صد - در آثار آهنگساز نیز آثار آوازی به کلمات کلاسیک های شعر آلمانی - گوته، شیلر، هولدرلینگ وجود دارد.

جهت گیری دموکراتیک کار برامس نیز در توجه دقیق به فرهنگ های سنتی روزمره آلمانی و اتریشی منعکس شد - این بسیاری از والس ها، مینیاتورهای پیانو، "رقص های مجارستانی" معروف است.

لازم به ذکر است که برامس با تکیه بر روندهای موسیقی رمانتیک متاخر، به طور متناقضی آنها را با تمام کارهای خود رد کرد. در طول دوره سنتز اعلام شده موسیقی و کلمات (از یک سو، اینها درام های موسیقی واگنر هستند، از سوی دیگر، سمفونیزم برنامه لیست)، برامس استقلال کلاسیک موسیقی را به عنوان یک شکل هنری، توانایی آن در تجسم زیبایی شناسی را تأیید کرد. تنظیمات عصر با ابزار خاص خود.

میراث خلاق برامس بسیار زیاد است - بیش از 200 آهنگ و رمانس، بسیاری از آثار کرال و آوازی-سمفونیک، سونات برای پیانو، ویولن، ویولن سل، کلارینت، گروه های ساز - تریو، کوارتت، پنج نفره، سکست، 4 سمفونی، 2 کنسرتو پیانو.

یکی از آثار بزرگ و قابل توجه آوازی و سمفونیک این آهنگساز، رکوئیم آلمانی است که در سال های 1861-1868 خلق شد. در نسخه اصلی قرار بود کار یک کانتاتا 3 قسمتی باشد اما بعد تعداد قسمت ها به 7 قسمت رسید.

به عنوان یک ژانر از موسیقی مقدس، رکوئیم بر اساس یک متن سنتی لاتین است. اما برامس از این محیط ژانر فاصله می گیرد و از متن به زبان آلمانی استفاده می کند. حوزه اصلی تصاویر مرثیه، اشعار و حماسه است. این تنها نمونه از ژانر آن زمان است که نه بر اساس مضمون قیامت و مجازات گناهان، بلکه با موضوع تسلی، آرامش، تطهیر است. از بسیاری جهات، این ویژگی های مفهوم ایدئولوژیک اثر دقیقاً ناشی از جهت گیری غزلی- تأملی متن غیرسنتی است.

بخش دوم مرثیه کانون تمرکز غم انگیزترین و غم انگیزترین تصاویر اثر است. در راهپیمایی شوم تشییع جنازه، به نظر می رسد تصاویر روشن امید و شادی "درخشنده" می شوند و در زیر ریتم بی وقفه تشییع جنازه محو می شوند.

کار سمفونیک برامس به وضوح ماهیت ترکیبی سبک آهنگساز را منعکس می کرد. سمفونی‌های برامس سنت‌های کلاسیک را در دوره تسلط بی‌قید و شرط ژانر برنامه عاشقانه شعر تک حرکتی تأیید کردند.

اساس ایدئولوژیک سمفونی اول مفهوم بتهوون بود - با ماهیت مؤثر موومان اول، با نقش لایتموتیف مضامین اساسی، با استناد تقریباً دقیق موضوع "شادی" از سمفونی نهم بتهوون.

سمفونی دوم قوی ترین ارتباط بین سبک برامس و سنت های هایدن و شوبرت را نشان داد. I. I. Sollertinsky، موسیقی شناس مشهور شوروی، سمفونی سوم را "قصیده رقت انگیز" نامید. ب. آسافیف، موسیقی شناس، ویژگی این اثر را در این می دید که هر یک از چهار قسمت سمفونی به کمال آرام و غنایی می رسد.

سمفونی چهارم (1885) به اوج کار سمفونیک برامس تبدیل شد. اساس زیبایی‌شناختی چرخه، به گفته سولرتینسکی، «حرکت از مرثیه به تراژدی» است.

در بخش اول کار، تصاویر غنایی عاشقانه غالب است - ساده، صمیمانه، تجسم یافته در موسیقی با سادگی و وضوح واقعاً کلاسیک.

کنسرتو برای پیانو و ارکستر در ماژور B-flat، قسمت 2.

ژانر کنسرت جایگاه مهمی در آثار برامس دارد. با وجود محبوبیت شدید ژانر کنسرت در میان رمانتیک ها، آهنگساز بیشتر از سنت های کلاسیک این ژانر (به ویژه سنت های بتهوون) تا سنت های رمانتیک هدایت می شد.

اصالت کنسرتوهای پیانوی برامس در حداکثر نزدیکی آنها به ژانر سمفونیک، اهمیت تصاویر حماسی، و در ترکیب جدایی ناپذیر غزل و درام نهفته است.

کنسرتو در دو ماژور در سال 1881 تحت تأثیر سفر به ایتالیا نوشته شد. در این کنسرتو به دلیل ساختار 4 قسمتی (برخلاف 3 قسمتی سنتی) تمایل آهنگساز برای نزدیک کردن ژانرهای کنسرتو و سمفونیک به وضوح آشکار شد.

قسمت دوم اثر، دنیای بیان، تصاویر سرکش، دراماتیک است.

موسیقی آوازی برامس گسترده ترین حوزه کار اوست. او حدود 200 آهنگ و عاشقانه، تنظیم های بسیاری از ترانه های فولکلور، 20 دوئت، 60 کوارتت، تعداد زیادی کار کرال خلق کرد.

در حوزه موسیقی آوازی انفرادی بود که اساس فولک سبک او بیشتر آشکار شد. در فرهنگ عامه، برامس نه یک هنر منجمد و باستانی، بلکه هنری همیشه زنده، جدید و دائماً در حال تجدید. حاصل تلاش چندین ساله او در جمع آوری و پردازش فولکلور موسیقی، مجموعه ای از 49 آهنگ محلی آلمانی (1984) بود.

برامس آثار آوازی خود را هم بر روی متون عامیانه و هم از متون نویسنده خلق کرد. از جمله شاهکارهای متن ترانه برامس می توان به آثاری مانند "4 ملودی سخت" (نوعی کانتاتا سولو)، ترانه هایی بر روی اشعار کلاوس گروت و گئورگ فردریش دامر، "15 عاشقانه از ماگلونا" در هنر اشاره کرد. تیکا.

«سرناد» یکی از نمونه‌های خلاقیت آوازی این آهنگساز است که ویژگی خاصی چون غزلیات نافذ و پایه‌های عامیانه ملودی او را به نمایش می‌گذارد.

(کاست شماره 11. سمت B)

فرانتس لیست (1811 - 1886، مجارستان).

روند شکل گیری ملی آموزشگاه های موسیقیدر دوران رمانتیک، آن را با کار F. لیست ادامه داد، که نام او به طور جدایی ناپذیری با شکل گیری مدرسه موسیقی مجارستان پیوند خورده است.

اف. لیست بزرگترین آهنگساز رمانتیک، رهبر ارکستر، پیانیست فاضل، موسیقی و چهره عمومی است. این آهنگساز خیلی زود وطن خود را ترک کرد و تنها در پایان عمر خود به مجارستان بازگشت. اما علیرغم اینکه سالهای زیادی را در فرانسه و آلمان گذرانده بود، احساس غرور ملی، خودآگاهی ملی همیشه در او وجود داشت.

مضمون مجارستانی در آثار لیست جایگاه قدرتمندی را به خود اختصاص داده است: کانتاتا "مجارستان"، چندین دفترچه یادداشت "ملودی ها و راپسودی های ملی مجارستان" (21 قطعه)، 3 شعر سمفونیک - "مرثیه برای قهرمانان"، "مجارستان"، "نبرد از" هون ها»، 19 راپسودی مجارستانی و غیره.

ملودی های ملودی های محلی مجارستانی، تکنیک های مشخصه اجرای سازهای گروه فولک به سایر آثار آهنگساز نفوذ کرد و سبک ملودیک جدیدی را شکل داد که به طور خلاقانه ملودی های محلی را دگرگون می کند و با بهترین دستاوردهای هنر موسیقی رمانتیک و کلاسیک ترکیب می شود. از بسیاری جهات، این ترکیب به این دلیل بود که هنرمند لیست وظیفه خود را نه تنها در فعالیت های خلاقانه، بلکه در فعالیت های تبلیغات اجتماعی فعال می دید. او به عنوان یک پیانیست درخشان درخشان، هم آثار خود و هم آثار کلاسیک را اجرا می کرد، او به هر طریق ممکن از دموکراتیزه کردن هنر موسیقی و نزدیک کردن آن به مخاطبان گسترده حمایت می کرد.

تمایل به دموکراتیزه کردن هنر، میل به در دسترس قرار دادن آن برای هر شنونده، و ایده‌آل نوعاً رمانتیک ترکیب هنرها دلایل نزدیک‌ترین ارتباط بین ادبیات و آغاز موسیقیدر کار لیست، شکل گیری یک درک جدید از برنامه نویسی - یک درک روانشناختی تعمیم یافته. و دقیقاً در برنامه های آثار لیست است که جهت تکامل آثار او، زیبایی شناسی او، بسیار ملموس است و اغلب به فلسفه پردازی و عرفان انتزاعی منجر می شود.

اهمیت دستاوردهای خلاقانه آهنگساز بی اندازه است.

او ژانرهای جدیدی از موسیقی سمفونیک را ایجاد کرد - برنامه شعر مونوتیک عاشقانه سمفونیک، برنامه سمفونی عاشقانه تک موضوعی، شعر پیانو.

در آثار او، اصول جدید توسعه موسیقی ثابت شد - تک موضوعی، اصل ژانر و تبدیل فیگوراتیو مضامین.

او هنر پیانو را متحول کرد - در امتداد خطوط سمفونیزه و سونوگرافی ارکستر.

کار آوازی لیست کاملاً در مقیاس بزرگ است. اینها ترانه هایی هستند به آیات گوته، هاینه، هوگو، به کلمات آهنگ های مجارستانی. آهنگساز همچنین به آثار شاعرانه نویسندگان قرن 18 و رنسانس (به ویژه به غزل های پترارک) روی آورد. لیست علاوه بر موسیقی آوازی سکولار، دارای آثار معنوی نیز هست - توده گرانسکایا (که به افتخار تقدیس کلیسای جامع در گران در سال 1856 نوشته شده است) و مراسم تاجگذاری مجارستان (که به افتخار تاجگذاری امپراتور اتریش توسط آن ایجاد شد. پادشاه مجارستان).

اراتوریو "افسانه سنت الیزابت" یکی از بهترین آثار آوازی و سازهای لیست (1857-1862) است.در مرکز اوراتوریو تصویر الیزابت، دختر فداکار مردم مجارستان قرار دارد.

آخرین بخش اواتوریو - "دفن رسمی الیزابت" - از خودگذشتگی و فروتنی را تجلیل می کند. شخصیت اصلی.

موسیقی سمفونیک و پیانو لیست دو حوزه وسیع کار آهنگساز هستند، حوزه هایی که او در درجه اول خود را به عنوان یک مبتکر درخشان نشان داد.

اواسط قرن نوزدهم زمان تجدید فعال ترین موسیقی سمفونیک - ژانر، ساختاری، فیگوراتیو و معنادار است. بسیاری از انواع جدید ژانر سمفونیک به وجود می آیند - یک برنامه سمفونی ژانر غنایی (در کار شوبرت)، یک اورتور کنسرت برنامه (در کار مندلسون) ... در کار لیست، دو نسخه کاملاً جدید از موسیقی سمفونیک تشکیل می شود - یک برنامه سمفونیک شعر عاشقانه یک حرکت و یک برنامه سمفونی عاشقانه تک موضوعی.

لیست 13 شعر سمفونیک برنامه ای خلق کرد. این آثار با یک فرم مشترک متحد شده اند - تک قسمتی رایگان فانتزی، اجرای رایگان اصول سونات برای توسعه تم های موسیقی، استفاده از اصول متنوع برای توسعه مواد موسیقی، و پایبندی مکرر به اصول یک 4 قسمتی. چرخه سمفونیک

لیست با تمام تنوع مضامین و طرح‌های شعرها، ترجیح واضحی به مضمون قهرمانانه می‌دهد - "پرومته"، "مازپا"، "هملت"، "مرثیه برای قهرمانان".

تقریباً همیشه، آهنگساز شعرهای سمفونیک را با برنامه های ادبی مفصل پیش می برد، که تجسم آن در موسیقی، به طور معمول، یک شخصیت روانشناختی کلی داشت.

لیست با تمرکز بر افشای همه جانبه یک تصویر پیشرو، به خلق اصول جدید شکل گیری فرم، به مضامین موسیقی خاص می رسد، که در فرآیند دگرگونی های مختلف ژانر، همه امکانات بالقوه فیگوراتیو و محتوایی خود را آشکار می کند. در این صورت، دو مؤلفه مهم در تفکر موسیقایی آهنگساز به وجود می آید - یک موضوعی و اصل ژانر و دگرگونی فیگوراتیو مضامین.

لیست با تمام آزادی ارائه اندیشه موسیقی و غیر متعارف بودن توسعه آن، اغلب به قوانین فرم سونات اشاره می کند - به عنوان فلسفی ترین و از نظر محتوا.

شعر سمفونیک "Mazepa" در سال 1851 ساخته شد. همانطور که در بسیاری از شعرهای سمفونیک قهرمانانه لیست - "Taso"، "Preludes"، در "Mazepa" هسته اصلی اثر - اعم از ایدئولوژیک و فیگوراتیو - یک نمونه اصلی قهرمانانه-دراماتیک است. تصویر یک فرد - یک مبارز، یک تیتان، یک شخصیت منحصر به فرد که رنج زیادی کشید و بسیار متحمل شد. تقریباً همه اشعار قهرمانانه از جمله مازپا بر اساس یک اصل تک موضوعی ساخته شده اند که ژانر و دگرگونی فیگوراتیو مضمون اصلی را تعیین می کند.

شعر «پرلودها» در اولین نسخه خود مقدمه ای بود بر 4 گروه کر مرد بر ابیات شاعر فرانسوی ژوزف اوترانس «4 عنصر - زمین، بادها، امواج و ستاره ها» (1844)

فقط خیلی بعد لیست برنامه این اثر را بر اساس شعر مذهبی-عرفانی لامارتین ("از بازتاب های شاعرانه جدید") ساخت که از بیهودگی و بیهودگی زندگی انسان می گوید. اما، با وجود برنامه مبهم فلسفی، لیست اثر موسیقی را با محتوای بسیار خاص و مؤثر، که عملاً با منبع ادبی مطابقت نداشت، اشباع کرد. کار لامارتین برای لیست تنها انگیزه ای برای بازتاب های خود او شد که در مرکز آن تصاویر قهرمانانه و خوش بینانه قرار دارد. در شعر، تصاویر تأملات فلسفی جایگزین یکدیگر می شوند (معمولاً مضمون عاشقانه یک "پرسش" که در ابتدا پاسخی ندارد)، قهرمانانه، رویایی-غنایی، که به سرودی پیروزمندانه و پیروز تبدیل می شود.

لیست یکی از بزرگترین پیانیست هازمان خود و بزرگترین آهنگساز موسیقی پیانو. در زمینه خلاقیت پیانو، نوآوری لیست به وضوح منعکس شد - هارمونیک، ملودیک، نوآوری در تفسیر ژانرهای سنتی و ایجاد ژانرهای جدید، تشکیل یک صدای ارکسترال، سمفونیک پیانو.

در میراث پیانوی لیست، در کنار ژانرهای رمانتیک، ژانرهای کلاسیک نیز وجود دارد. اینها 2 سونات هستند - "فانتزی-سونات پس از خواندن دانته" و سونات در B-minor که منحصراً آزادانه ژانر سنتی را تفسیر می کنند.

لیست خالق یک ژانر جدید پیانو - راپسودی ها بود. پیش از این، این ژانر در تمرین آهنگساز وجود داشت، اما این جملاتی بود بر مضامینی از اپراهای مختلف، بدون ادعای استقلال و اهمیت. از سوی دیگر، لیست راپسودی های خود را به عنوان آثاری بدیع بر اساس آهنگ های محلی و موسیقی رقص خلق می کند. لازم به ذکر است که علاقه لیست به فولکلور نه تنها به خاطر آرزوهای میهن پرستانه خود آهنگساز، بلکه به دلیل فضای بحث فعال در مورد مشکلات فولکلور در فرهنگ فرانسوی آن زمان بود. از بسیاری جهات، علاقه لیست به هنر عامیانه نیز با شور و شوق معلمش آنتونیو ریشا برانگیخته شد. این نوازنده اهل چک معتقد بود که بدون تکیه بر هنر عامیانه، خلق یک اثر معنادار دشوار است.

برای لیست، فولکلور به یکی از ارکان کار او تبدیل می شود: موسیقی فولکلور در درک او یک هنر باستانی منجمد نیست، بلکه یک هنر مؤثر، زنده و پیشرو است. بنابراین، مضامین راپسودی های آهنگساز عمدتاً بر اساس منابع فولکلور (به استثنای تعداد کمی) است. لیست اغلب مضامین وربونکوهای قدیمی (سبک ملی اجرا و موسیقی فولکلور مجارستان)، szardas و آهنگ‌های مدرن روزمره شهری را در یک اثر ترکیب می‌کرد.

جالب است که تقریباً تمام مضامین راپسودی‌های مجارستانی و «ملودی‌ها و راپسودی‌های ملی مجارستان» توسط لیست برگرفته از فولکلور کولی‌های مجارستانی است. خود لیست راپسودی های خود را دقیقاً حماسه کولی نامید. آرمانی که لیست به دنبال دستیابی به آن بود، سهولت، آزادی ارائه - از آزادی روح و اجرای ارکسترهای مجارستانی- کولی بود. توالی مضامین در راپسودی های لیست - با تمام آزادی اش - هنوز نقاط پیوند خود را دارد: اصل تضاد در تناوب قسمت ها و اصل رشد - سرعت، پویا و غیره.

ژانرهای اساسی در میراث پیانوی لیست نیز مینیاتورهای برنامه ای، نقل قول ها، اتودها و کنسرتوها بودند.

کنسرتوهای لیست صفحه جدیدی در تاریخ این ژانر هستند. کنسرتوها که ارتباط نزدیکی با اشعار سمفونیک دارند، بر اصل تک موضوعی نیز بنا شده اند.

اولین کنسرتو برای پیانو و ارکستر در سال 1856 به پایان رسید. این اثر تحت سلطه تصاویر قهرمانانه، شجاعانه و غنایی (و رویایی و رسا) است.

مانند بسیاری از نوازندگان رمانتیک، لیست در کار پیانوی خود به ژانرهایی روی آورد که ساختار کاملاً ثابت و محتوای فیگوراتیو نداشتند. یکی از این ژانرها اتود است. لیست با پیروی از سنت های شوپن، ژانر اتود را نه تنها به عنوان یک ژانر آموزشی و فنی، کمکی، بلکه در درجه اول به عنوان یک ژانر بسیار هنری توسعه می دهد. در آثار لیست، اتود به یک اثر پیانویی در مقیاس بزرگ با ماهیت ویرتوز تبدیل می شود که حاوی تصاویر متنوعی است - قهرمانانه، رویایی-غزلی، افسانه ای-فانتزی، دراماتیک. لیست در ابتدا قصد داشت چرخه ای از 48 مطالعه را در همه کلیدها ایجاد کند. اما او تنها 12 طرح (1826) نوشت که به وضوح دارای جهت گیری فنی و آموزشی بود. پس از ویرایش ها و تجدید نظرهای متعدد در سال 1851، ویرایش پنجم چرخه ظاهر شد که "اتودهای بالاترین مهارت اجرایی" نام داشت. در این نسخه، 10 مورد از 12 مطالعه نام برنامه را به دست آوردند: شماره 1 - "پیش درآمد"، شماره 3 - "منظره"، شماره 4 - "Mazeppa" (مضمون این مطالعه بعدها اساس شعر سمفونیک شد. به همین نام)، شماره 5 - "چراغ های سرگردان" ، شماره 6 - "دیدگاه"، شماره 7 - "قهرمانانه"، شماره 8 - "شکار وحشی"، شماره 9 - "خاطرات"، شماره. 11 - "هارمونی های عصرانه"، شماره 12 - "طوفان برف".

هکتور برلیوز (1803 - 1869، فرانسه).

نام برلیوز و آثار او همیشه باعث ایجاد جنجال های شدید در بین هم عصرانش شده است. آثار او بیش از حد جدید، بیش از حد غیر معمول به نظر می رسید، که در آن آهنگساز، اول از همه، مرزهای مفهوم موسیقی را جابجا کرد (به لطف ایجاد نوع جدیدی از ملودی، جذب به سمت ساز و تجسم اصل توده). خاستگاه این امر در ویژگی های خود رمانتیسیسم فرانسوی است که میل به اشعار صمیمی، تصاویر خارق العاده و طنز و مضامین مدنی و انقلابی را در هم آمیخت.

با ظهور آثار سمفونیک برلیوز، می توان از شکل گیری سمفونیسم رمانتیک ملی فرانسه صحبت کرد. خاستگاه موسیقی سمفونیک فرانسوی در فواصل ابزاری اپراهای رامو، گلوک، اورتورهای کروبینی است. برلیوز با ادامه این سنت ها، موسیقی سمفونیک را با نمایشی بودن، قابل مشاهده بودن و عینی بودن تصاویر غنی کرد.

فرهنگ موسیقی فرانسه همیشه برای وضوح، واقعیت تصاویر تلاش کرده است. لازم به ذکر است که این سنت ها در نیمه هفدهم - نیمه اول شکل گرفت. قرن 18 در آثار آهنگسازان مکتب هارپسیکورد فرانسوی. و این امر تا حد زیادی با ماهیت برنامه ای آثار نوازندگان هارپسیکورد تسهیل شد. برلیوز را اغلب «مخترع برنامه» آثار سمفونیک می نامند. نوآوری و «حساسیت» هنری آهنگساز در این واقعیت آشکار شد که او به طور شهودی ضرورت زیبایی شناختی ادغام ادبیات و موسیقی سمفونیک را پیش بینی کرد.

برلیوز و لیست بنیانگذاران دو حوزه برنامه نویسی در هنر موسیقی شدند. لیست تمایل داشت که محتوای ایدئولوژیک و روانشناختی کلی اثر را منعکس کند. برلیوز تلاش کرد تا طرح و روایت را در کار خود بازتولید کند.

با این حال، نوآوری برلیوز تنها در ماهیت برنامه ای آثار سمفونیک او نیست. از لحاظ تاریخی جدید در سمفونی او مدرن بودن محتوا، خلق یک تصویر است هنرمند معاصر. همه اینها اصول جدید شکل دهی، ماهیت تماتیسم و ​​اصول توسعه آن را زنده کرد. این به ویژه در زبان ملودیک آهنگساز به وضوح منعکس شده است. ملودی برلیوز دارای یک شخصیت بسیار خاص - ساز - بود (برخلاف سبک آوازی سبک ملودیک که بر رمانتیک ها تسلط داشت)، غزلیات واقعاً عاشقانه، صداقت، دلهره و رقت ترانه های انقلابی فرانسه را با هم ترکیب می کرد (برلیوز صاحب نسخه ارکسترال " لا مارسی"). میل به انعکاس موسیقی خیابان فرانسه در صحنه بزرگ حرفه ای به دلیل اعتراض برلیوز به بورژوائی بورژوازی، متوسط ​​بودن، تمایل او به احیای تصاویر قهرمانانه در موسیقی رمانتیک، رویای مخاطبان توده ای و یک هنر واقعاً مردمی و دموکراتیک بود.

به همین دلیل اساس کار برلیوز ژانر سمفونیک بود که مخاطبان زیادی را درگیر می کرد. سمفونی های برنامه این آهنگساز - "فانتستیک"، "هارولد در ایتالیا"، "رومئو و ژولیت" - به طور جدایی ناپذیری با فرهنگ ملی فرانسه پیوند خورده است، در درجه اول به دلیل تئاتری استثنایی آنها (آنها همچنین تجسم صحنه ای را ارائه می دهند). برلیوز که خود را جانشین سنت‌های بتهوون می‌داند، دنیای تصویری بسیار خاصی را خلق می‌کند - رنگارنگ، مبهم، آغشته به اثربخشی. نوآوری این آهنگساز بر حوزه تفسیر چرخه سونات-سمفونی نیز تأثیر گذاشت و گاه به 5 قسمت و گاه بر اساس اصول یکپارچگی افزایش یافت.

در زمینه نویسندگی ارکستر، برلیوز بر دستاوردهای آهنگسازان عصر انقلاب فرانسه تکیه می کند که برای ارکسترهای بسیار بزرگ با گروه گسترده ای از سازهای بادی و کوبه ای می نوشتند. ارکستر برلیوز از نظر رنگ‌ها غنی است، آهنگساز اغلب دراماتورژی تندری خاصی ایجاد می‌کند، از تکنیک‌های نوازندگی جدید و نامتعارف استفاده می‌کند و سازهای غیرمعمول و بدون استفاده قبلی را در ارکستر شامل می‌شود.

میراث آوازی و کرال برلیوز بسیار گسترده است و بسیاری از آثار برای گروه کر ظاهری کاملاً جدید از آهنگساز پیدا می کنند. این یک صحنه غنایی است - طبق نام خود آهنگساز - "مرگ اورفئوس"، "محکومیت فاوست" توسط برلیوز به عنوان یک افسانه دراماتیک تعریف شد.

"Requiem" (1837) به افتخار یاد و خاطره قهرمانان انقلاب ژوئیه ساخته شد. برلیوز بر اساس اعتقادات خود یک آتئیست بود و ژانر سنتی معنوی مرثیه صدای جدیدی در آثار او پیدا کرد. این بالاترین نمونه اشعار مدنی است. برلیوز با استفاده از متن لاتین متعارف مرثیه، در درجه اول تلاش می کند تا محتوای عاطفی و نمایشی آن را تجسم بخشد. "رکوئیم" استثنایی اصیل است. ملودی جدید او رقت‌انگیز است، از نظر سخنوری رفیع شده است، که رقت‌انگیز و غزلی نافذ را ترکیب می‌کند. در عظمت خود غیرمعمول کارکنان اجرا هستند - 200 خواننده خوانندگی، 140 عضو ارکستر، اضافی سازهای بادیو یک گروه کوبه ای بسیار گسترده.

قسمت 2 "روز خشم"، بخش "شیپور ابدی".

"سمفونی خارق العاده" (قسمت از زندگی این هنرمند).

قسمت 5 - "سبت جادوگران."

"سمفونی شگفت انگیز" در سال های 1830-1831 ساخته شد. و بیانیه ای از آرمان های رمانتیک فرهنگ فرانسه در ژانر سمفونیک بود.

خود نویسنده با یک برنامه فیلمنامه مفصل مقدمه سمفونی را ارائه کرد و در آن به تفصیل طرح کار را بیان کرد. این فیلمنامه تا حد زیادی اتوبیوگرافیک است. از این منظر، برلیوز سنت‌های خاطرات صمیمی موسیقایی غنایی شوبرت و شومان را ادامه می‌دهد و مضمون ابدی - اما به ویژه مرتبط با هنر رمانتیک - تنهایی هنرمند و ناسازگاری او با واقعیت را تجسم می‌دهد.

داستان کار بر اساس فانتزی ها و رویاهای یک نوازنده جوان است که توسط عشق ناامیدانه به سوی خودکشی سوق داده می شود. تلاش برای مسموم کردن خود با تریاک ناموفق است و عاشق بدبخت در دنیایی غیرواقعی فرو می رود که در آن چهره معشوق را همه جا می بیند. این تصویر با مضمونی بی‌آرام و رسا تجسم یافته است که به لایت موتیف اثر تبدیل می‌شود و در هر قسمت جلوه‌ای جدید به خود می‌گیرد و دستخوش دگرگونی‌های گوناگون می‌شود.

هر قسمت از سمفونی نام برنامه خود را دارد. قسمت اول - "رویاها ، احساسات" ، قسمت دوم - "توپ" ، قسمت 3 - "صحنه در مزارع" ، قسمت 4 - "صحبت به سوی اعدام" ، قسمت پنجم - "رویایی در شب سبت جادوگران "

بخش آخر کار یک صحنه ارکسترال- تئاتری در مقیاس بزرگ است که در آن قسمت های متضاد متناوب می شوند. برلیوز با تجسم اصل اهریمنی در موسیقی - در سطحی جدید - به سنت های فانتزی تاریک در آثار K. M. Weber اشاره می کند. لایت موتیف اثر - مضمون معشوق - در پایان دستخوش بازاندیشی بنیادی می شود. از رویای یک ایده آل دور، به یک کاریکاتور، مبتذل، رقص تند تبدیل می شود و تصویر را "کاهش" می دهد.

بنابراین، در پایان است که ایده کلی سمفونی تأیید می شود - ایده ناامیدی یک هنرمند رمانتیک در زندگی.

کمی بعد، برلیوز، در تلاش برای بازنگری در سمفونی و ایجاد مفهوم ایدئولوژیک جدید آن، نوعی "ادامه" می نویسد - جنبش جدیدی به نام "للیو، یا بازگشت به زندگی". از نظر ژانر، یک مونودرام غنایی برای صدا، گروه کر و ارکستر است. اما موسیقی این قسمت بازسازی آثار اولیه آهنگساز بود، نسبتا ضعیف بود و نسخه اصلی و 5 موومان سمفونی در تمرین اجرا جا افتاده بود.

(کاست شماره 12. ضلع A)

جواکینو روسینی (1792 - 1868، ایتالیا).

رمانتیسیسم موسیقی ایتالیایی - در مقایسه با آلمانی و اتریشی - جلوه خاصی داشت. غیرمعمول بودن آن تا حد زیادی با ارتباط ایده های مدنی و میهن پرستانه، ارتباط آن با جنبش آزادیبخش مردم ایتالیا، با فعالیت های کاربوناری ها، اعتراض به ظلم و ستم فرانسه و با قیام های دهه 1820 تعیین شد. اهمیت زیادی در دهه 1830. فعالیت های سازمان "ایتالیای جوان" را با هدف بالا بردن جنبش آزادی خواهی داشت. دهه 1840 تولد دوباره دولت ایتالیا را با خود به ارمغان آورد. این دوره - Risorgimento - با شکل گیری یک مکتب ادبی جدید بر اساس ایده های مبارزات آزادیبخش مردم مشخص شد. آثار هوگو فوسکولو، مانزونی، روزتی مضامین و توطئه های تاریخی را با هدف احیای علاقه به تاریخ ملی، تجسم مضامین میهن پرستانه و قهرمانانه منعکس می کند. در موسیقی، ایده‌آل‌های عاشقانه یک ایتالیای آزادی‌بخش و مبارز بیان کمی متفاوت پیدا کرد.

اول از همه، ژانر اپرا در موقعیت بسیار دشوار و مبهم قرار می گیرد. اپرا در این زمان مملو از کلیشه‌ها، موقعیت‌های کلیشه‌ای و سنت‌های آواز خواندنی بود. علاوه بر این، اپرا به عنوان یک ژانر سرگرمی درک می شود. دموکراتیک ترین، توده ای ترین و ژانر محبوبدر فرهنگ موسیقی ایتالیا، اپرا در همان زمان مناسب ترین برای اجرای نصب های پیشرفته و مبتکرانه بود. اما مانع بعدی در این مسیر، ظلم سانسوری بود.

افتخار دگرگونی تصویر سنتی خانه اپرای ایتالیا و خلق یک اپرای رمانتیک ایتالیایی جدید متعلق به جواکینو روسینی است.

پرو روسینی صاحب 38 اپرا از جمله شاهکارهای ژانر اپرا مانند "زاغی دزد"، "موسی در مصر"، "آرایشگر سویا"، "ویلیام تل" است.

آرایشگر سویل و ویلیام تل اوج تکامل اپرای ایتالیایی بودند. ویلیام تل در واقع اولین اپرای تاریخی-قهرمانی قرن نوزدهم است. آرایشگر سویل نتیجه ای درخشان از پیشرفت چند صد ساله اپرای کمیک ایتالیایی است. روسینی ترجیح خاصی به این ژانر داد. این اپرا در سال 1816 بر اساس لیبرتوی استربینی (بر اساس نمایشنامه ای از بومارشه) خلق شد. تفاوت‌ها با منبع ادبی در رد تقریباً کامل وضوح اجتماعی، در تأکید بر اصل کمیک و در گرایش‌های دموکراتیزه‌سازی بود. با وجود اساس فرانسوی طرح، شخصیت های اپرا تصاویری معمولی از تئاتر ایتالیایی هستند - ژانر کمدیا دل آرته.

علیرغم اهمیت اجرای انفرادی، این اپرا فاقد مهارت و رنگارنگی بیش از حد آوازی است که مورد علاقه مردم ایتالیا است. سبک ملودیک اثر در طبیعی بودن و لطافتش نفیس است و مملو از ریتم ها و لحن های موسیقی روزمره شهری و محلی مدرن است. این اورتور معروف اپرا است.

چارلز گونو (1818 - 1893، فرانسه).

اپرای "فاوست"، پرده 2، صحنه 3 - سرناد مفیستوفل.

در اواسط قرن نوزدهم، یک ژانر اپرای جدید در هنر موسیقی فرانسه شکل گرفت - اپرا غنایی، که تغییرات قابل توجهی را در زیبایی شناسی موسیقی اپرای فرانسه ایجاد کرد. علاقه عاشقانه به اغراق آمیز احساسات و تصویر یک شخصیت استثنایی در حال از دست دادن ارتباط است. این روندها با علاقه به زندگی یک فرد ساده در زندگی روزمره او، تمایل به تجسم احساسات صمیمانه و ساده غنایی جایگزین می شوند. این تغییرات به ظهور ویژگی های جدید زبان موسیقی منجر شد - دموکراسی، سادگی لحن، تکیه بر ملودی آهنگ ها و رقص های مدرن شهری و محلی.

ژانر اپرای غنایی سرانجام در آثار Ch. Gounod شکل گرفت که میراث او شامل 12 اپرا از جمله دکتر ناخواسته، رومئو و ژولیت و فاوست است.

اپرای "فاوست" در سال 1859 ساخته شد. اساس کار اثر عمیقا فلسفی گوته بود، اما فقط در جنبه غنایی آن. هسته ایدئولوژیک اپرا درام شخصی شخصیت اصلی مارگاریتا است، تصاویر فاوست و مفیستوفل بیشتر نقش کمکی را بازی می کنند. "فاوست" یک سری درخشان از روشن، فردی است ویژگی های موسیقیقهرمانان - نوعی "پرتره" موسیقی. تصویر مفیستوفلس تفسیر بسیار مشخص قرن نوزدهم را به دست می آورد: تصاویر شر در هنر موسیقی به صورت تئاتری و مشروط تجسم می یابد. سرناد مفیستوفلس یک تمسخر شیطانی است ، نوعی آهنگ عاشقانه "وارونه" که تصویر را اول از همه شیطانی و طعنه آمیز توصیف می کند.

جوزپه وردی (1813 - 1901، ایتالیا).

اپرا همیشه ژانر غالب در زندگی موسیقی ایتالیایی بوده است. اما در دهه 40 و 50 قرن 19 - پس از پایان کار خلاقانه روسینی، این ژانر دوباره در شرایط سخت و بحرانی قرار می گیرد. فضای انفجاری انقلابی، ملودی اپراها را با آهنگ های ترانه های انقلابی و میهنی اشباع کرد. اما این تمایلات مترقی با شدیدترین سانسور از بین رفت. یکی از دموکراتیک ترین ژانرها، اپرا، خواستار مضامین و طرح های جدید و موضوعی بود که به نوبه خود توسط بسیاری از قوانین قدیمی این ژانر مانع شد. نوعی راه برون رفت از این بحران، فعلیت بخشیدن به توطئه های تاریخی است که مبدل و «هموار» تجسم مدرنیته است.

علاوه بر این، سیستم موجود فصول برای گروه‌های اپرا عملاً بر تولید آثار جدید متکی بود که باعث شد آهنگسازان به سرعت کار کنند. البته این نمی تواند بر مهارت هنرمندان و خوانندگان، ارزش خود آثار اپرا تأثیر بگذارد. اپرای ایتالیایی به تدریج با مهارت، روتین و متوسط ​​روبه رو شد.

کار اپرایی G. Verdi صفحه ای جدید و درخشان را در تاریخ اپرای ایتالیا رقم زد، روی آوردن آن به مضامین و طرح های واقع گرایانه، دموکراتیزه کردن زبان اپرا، و شکل گیری مفاهیم دراماتیک عمیقا فلسفی.

اپرای نبوکدنزار (نابوکو، 1840) درخشان ترین بازتاب اندیشه های انقلابی و میهنی در موسیقی اپرا بود. بر اساس یک داستان کتاب مقدس، معلوم شد که با میل به تجسم رنج مردم با مدرنیته همخوانی دارد. زبان موسیقایی اپرا عمدتاً مبتنی بر آهنگ‌های آهنگ‌های انقلابی بود. گرایش به تجسم یک اصل توده ای و عامیانه، اهمیت استثنایی دراماتورژیک قسمت های کرال را تعیین کرد. یکی از آنها کر شماره 13 از پرده سوم است.

در دهه 40. قرن 19 وردی همچنین نمونه های شگفت انگیزی از ژانر اپرایی مانند "لمباردها در اولین جنگ صلیبی"، "ارنانی"، "مکبث"، "نبرد لگنانو" را خلق کرد.

اپرای "تروبادور". قانون 2، شماره 4.

اپرای Il trovatore متعلق به سه گانه معروف اپراهای وردی در دهه 1950 است. ("Rigoletto"، "La Traviata"). تغییرات قابل توجهی در کار آهنگساز این دوره در حال رخ دادن است - ایدئولوژیک، فیگوراتیو، معنادار. شکست های جنبش انقلابی در ایتالیا منجر به تفسیر جدیدی از مضامین میهن پرستانه و قهرمانانه می شود که آهنگساز آن را در یک "بخش اجتماعی" حل می کند و اصل شخصی را در درام های قهرمانان خود تقویت می کند. برای اولین بار در آثار وردی (و در هنر موسیقی نیمه اول قرن نوزدهم) موضوع نابرابری اجتماعی مطرح می شود. وردی در درجه اول به سرنوشت مردم عادی علاقه مند است که تیزبینی روانشناختی خاصی را در آثار آهنگساز این دوره شکل می دهد.

اپرای Il trovatore در 1850-1851 نوشته شد. بر اساس نمایشنامه نمایشنامه نویس اسپانیایی A. Gutierrez. خالقان لیبرتو سالواتوره کاممارانو و لئون امانوئل باردار هستند. لیبرتوی اپرا، مانند منبع ادبی آن، یک درام عاشقانه با طرح تراژیک بسیار پیچیده و صحنه های ملودراماتیک بسیاری بود. وردی در این اثر نسبتاً غیرمنطقی با دراماتورژی ضعیف و دور از ذهن، در درجه اول جذب روحیه عصیانگری، آزادیخواهی و ظاهر قهرمانانه قهرمان اثر شد.

اپرای "آیدا" در سال 1871 به دستور دولت مصر به افتخار افتتاح کانال سوئز نوشته شد. این طرح توسط مصر شناس معروف فرانسوی آگوست ماریت و کامیل دو لوکل توسعه داده شده است، لیبرتو توسط آنتونیو گیسلانزونی نوشته شده است. طرح تاریخی صدایی منحصراً مدرن از وردی به دست می آورد ، تصاویر شخصیت ها واقعی و روانشناختی قابل اعتماد هستند ، ایده مرکزی اپرا کمتر مدرن نبود - ایده جنبش آزادیبخش ملی ، فسق و زیان آور بودن جنگ هایی که نابود می کنند سرنوشت انسان. آیدا نمونه شگفت انگیزی از ژانر اپرا است که در آن مسائل اخلاقی، نمایش شخصی و درام وظیفه اخلاقی در هم تنیده شده است.

یکی از مشکلات اصلی که محققان آثار وردی را نگران کرده بود، مشکل تجسم فولکلور در آیدا بود. وردی در حین کار بر روی این اثر، بارها برای مشاوره به آگوست ماریت مراجعه کرد، او خود تاریخ و هنر مصر را مطالعه کرد. اما در موسیقی اپرا عملاً هیچ اشاره ای به منابع فولکلور وجود ندارد. طعم شرقیتجسم در یک بسیار "شفاف" - در هارمونی های عاشقانه، رنگارنگ، در ارکستراسیون خوب.

پرده 4، صحنه 2. دوئت رادامس و آیدا. یکی از همرزمان وردی این قسمت از خداحافظی قهرمانان اثر با زندگی را اینگونه توصیف کرد: «نه آنقدر صدا که اشک». در این دوئت، سبک ملودیک اپرا - روشن، فردی، غزلی گویا - به اوج خود رسید.

ریچارد واگنر (1813 - 1883، آلمان).

در اواسط قرن نوزدهم. تغییرات قابل توجهی در فرهنگ موسیقی آلمان در حال رخ دادن است. در دهه 50. قرن 19 دو مکتب اصلی موسیقی در این کشور شکل می گیرد: وایمار یا آلمانی جدید (لیست، واگنر) و لایپزیگ (نمایندگان رمانتیسم "معتدل" - کارل راینکه، فرانتس ابت). به مرور زمان تقابل این مکاتب شکلی متفاوت به خود می گیرد، برامس و واگنر در تقابل با یکدیگر قرار می گیرند. مکتب آلمان نو، تبلیغ همه جانبه آثار واگنر، یعنی «موسیقی آینده» او را وظیفه خود می دید. در دهه 70. "جامعه واگنری" نیز به وجود می آید.

واگنر عملا آخرین نماینده رمانتیسیسم در موسیقی آلمان شد. و مانند بسیاری از هنرمندان رمانتیک، او اغلب اظهارات زیبایی‌شناختی خود را با آثارش در تناقض قرار می‌داد.

او که در اعتقادات خود ایده آلیستی ذهنی بود، تصاویر روانشناختی کاملاً واقعی را در موسیقی مجسم کرد (اگرچه غالباً با خیال و عرفان رنگ آمیزی می شد) اعتراضی به واقعیت موجود که با روتین و بی دینی خود ، درام احساسات انسانی ، خالق را مورد تجاوز قرار می دهد. ماهیت متناقض زندگی و اغلب خصومت آن با انسان. مانند بسیاری از رمانتیک ها، واگنر یک هنرمند جهانی بود - نه تنها یک آهنگساز، بلکه یک رهبر ارکستر عالی، یک منتقد تیزبین و روشنگر، یک موسیقی شناس با استعداد و یک آهنگساز.

مسیر واگنر به اپرا از طریق فعالیت های رهبری فشرده در ماگدبورگ و ریگا انجام شد.

از اهمیت زیادی در شکل دادن به زیبایی شناسی و سبک آهنگساز دوره کار او در درسدن به عنوان رهبر ارکستر خانه اپرا (از سال 1842) بود. در این زمان، پایه های دیدگاه های زیبایی شناختی او گذاشته شد، که ترکیبی مبهم از آرمان های "آلمان جوان" - تجدید هنر، فلسفه متفکرانه لودویگ فویرباخ، ایده های سوسیالیسم اتوپیایی، ایده های آنارشیسم است. علاوه بر این، همه آثار آهنگساز از آن زمان نشان دهنده رد نظام سرمایه داری، سفیه گرایی و تنگ نظری است.

اپرای هلندی پرنده، که در این دوره به وجود آمد، شکل گیری نهایی سبک نوآورانه آهنگساز را نشان داد، که در آن از این پس جذابیت به مضامین، طرح ها و تصاویر ملی، میل به ایجاد دراماتورژی کل نگر از اثر به میان می آید. پیشرو - و برای این منظور کار مستقل به عنوان یک لیبرتیست. مهمترین چیز برای آهنگساز جذابیت به حوزه افسانه ای افسانه ای، به حوزه اسطوره بود - یک کل هنری جهانی که خلاقیت هنری، اخلاق، تاریخ، اشعار، درام و حماسه را با هم ترکیب می کند. اسطوره با تمثیلی بودن، جهان شمول بودن خود، به توطئه های تاریخی می آموزد و دستور می دهد. توسل به اسطوره به عنوان کانون تجارب دیرینه تاریخی، اخلاقی و هنری بشر، به عنوان تمرکز معنویت، درک ویژه واگنر از هنر را به عنوان یک نیروی تطهیر کننده همه چیز فاتح و عالی تأیید می کند.

هلندی پرنده به شدت از سنت های اپرای رمانتیک آلمانی استفاده می کند، در درجه اول به دلیل ادغام دنیای غنایی و خارق العاده، واقعی و غیر واقعی. در همان زمان، این اثر به یکی از اولین مراحل شکل گیری مفهومی عمیقاً فلسفی از اثر اپرایی واگنر و تبدیل ژانر اپرا به ژانر درام موسیقی فلسفی تبدیل شد. در مرکز مفهوم ایدئولوژیک اپرا یکی از ویژگی‌های اخلاقی و زیبایی‌شناختی اساسی دنیای خلاق واگنر قرار دارد - توسل به ایده کفاره گناه با عشق، که به تنهایی می‌تواند به فرد کمک کند بر مادیت و تجاری‌گرایی غلبه کند. او را مقید می کند. در هلندی پرنده، برای اولین بار، یک شخصیت زن که مشخصه اپراهای واگنر است ظاهر می شود - نیمه خارق العاده، نیمه واقعی، مرتبط با قدرت های بالاتر و دارای استعداد بزرگی از آینده نگری.

هلندی پرنده از منظر زبان موسیقی و دراماتورژی اثری بدیع بود که اصول سیستم لایت موتیف آهنگساز در آن شکل گرفت. واگنر با اشباع کردن کل اثر با معرفی مداوم مضامین-نمادهای بنیادی کوتاه و بسیار معنادار، اپرا و سمفونی را تا حد امکان به هم نزدیک می کند.

واگنر ساختار اعداد سنتی اپرا را رد می کند (تقسیم آن به قسمت های بسته در درون خود). واگنر در تلاش برای فعال کردن کنش موسیقایی و توسعه مداوم آن، واحد ساختاری اصلی اپرا را نه یک آریا، بلکه صحنه ای در مقیاس بزرگ می سازد که از چندین قسمت آوازی تشکیل شده است که به یکدیگر تبدیل می شوند.

اپرا "لوهنگرین"، مقدمه.

لیبرتو این اثر در سال 1845 ایجاد شد، متن موسیقی - در 1846-1848. لیبرتو «لوهنگرین» - مانند بسیاری دیگر از آثار واگنر - ترکیبی از چندین است خطوط داستانیافسانه هایی در مورد شوالیه های جام - مبارزان برای عدالت. ایده اصلی کار دارای تمرکز اخلاقی است، در مرکز مسئله مبارزه ابدی بین خیر و شر است. اهمیت زیادی در اپرا نمادین و نقوش اساطیری.

لوهنگرین غنایی ترین اپرای این آهنگساز است. مانند هلندی پرنده، دو دنیای موسیقایی در اپرا با یکدیگر روبرو می شوند که ویژگی خوب (لوهنگرین) و شر (اورترود) را نشان می دهد. به عنوان یک قاعده، مضامین شر بر اساس یک حرکت رو به پایین، لحن های تیز و رسا است. هرچه محتوای اخلاقی و زیبایی‌شناختی موضوعاتی که اصل منفی را توصیف می‌کنند پیچیده‌تر باشد، تجسم ملودیک، هارمونیک و ارکسترال آنها پیچیده‌تر است. حوزه خوبی در اپرا با کمک آهنگ های کرال بازسازی می شود (به یاد می آوریم که گروه کر نوعی تجسم معنویت فرهنگ آلمانی، نماد آن بود)، هارمونی های ساده، نوشته های ارکستری واضح و شفاف.

در لوهنگرین، ساختار ژانر اپرایی واگنر در نهایت بر اساس تناوب آزاد صحنه های از طریق توسعه شکل می گیرد.

واگنر در این اثر در کنار لایتموتیف‌ها از لایتیمبرها (تداعی تصویر با صدای ساز یا گروهی از سازها) استفاده می‌کند که به نوعی سمفونی‌سازی اپرا منجر می‌شود.

با وجود درخشش و صحت صحنه های جمعی، در لوهنگرین یک ویژگی خاص از تئاتر اپرای واگنری مشخص شده است - غلبه اصل روانشناختی بر طرح، احساسات بر عمل.

اپرای "Meistersingers of Nurnberg". قانون 3 "رواج مغازه ها".

اپرای Die Meistersingers of Nuremberg یکی از بهترین آثار واگنر است. این یک اثر نسبتاً غیرمعمول برای آهنگساز است - در مبانی آن واقع گرایانه است که به ژانر اپرای کمیک نزدیک می شود. در طرح، جایگاه اصلی را سرود آرمان های فولکلور-ملی و هنر خوانندگان برگر قرون وسطایی - استادخوان ها اشغال می کند. اما با وجود روشنایی و فردیت شخصیت ها، اپرا تا حدودی با بحث های نسبتا طولانی در مورد هنر "سربار" است. این اثر در سال 1867 ساخته شد.

Opera Tannhäuser. عمل 1، صحنه 2. غار زهره. سرود Tannhäuser.

این اپرا در سال های 1843-1845 ساخته شد. واگنر خود لیبرتو را بر اساس چندین افسانه جوانمردی قرون وسطایی نوشت. اما تصویر قهرمان داستان، به گفته آهنگساز، فوق العاده مدرن بود: مانند بسیاری از خالقان رمانتیک، تانهاوزر نمی توانست رضایت و شادی را در این دنیا پیدا کند.

هسته ایدئولوژیک و زیبایی شناختی اثر، مضمون کفاره گناه با شاهکار است. تانهاوزر به دنبال معنای زندگی در دنیای نفسانی - در آغوش زهره، و در دنیای معنوی - در حلقه زائران است. دو دنیای عواطف و احساسات باعث پیدایش دو دنیای موسیقایی می شود. موسیقی غار ناهید ملودی حسی، غریب و رسا، هارمونی های ظریف و رنگارنگ است. جهان معنوی (زائران و تیگنزر الیزابت عاشق) با ملودی کرال، همخوانی هارمونیک ساده و واضح مشخص می شود.

در «تانهاوزر» نظام لایت موتیف آهنگساز شکل می گیرد که در آن تصاویر نمادین، مفاهیم اخلاقی، نقوش اساطیری اهمیت اساسی دارند. ویژگی های بارز سبک آوازی مشخص شده است - "بی نهایت" ملودی ، "سیال بودن" لحن ها. علاوه بر این، واگنر دیگر بین آواز و خوانندگی، تلاوت و کنتیلنا ​​فرقی نمی گذارد. فرم‌های سنتی اپرا - آریا، دوئت - در اپرا با مونولوگ‌ها و دیالوگ‌های بسیار آزاد جایگزین می‌شوند.

در ارتباط با تکیه بر لایت موتیف - به عنوان مهم ترین وسیله نمایشی - اهمیت اصل ارکستر بی اندازه افزایش می یابد، بنابراین لایت موتیف ها عمدتاً توسط ارکستر اجرا می شوند.

واگنر همچنین یک اپرای چهارگانه بی نظیر "حلقه نیبلونگ ها"، "طلای راین"، "والکری"، "زیگفرید"، "مرگ خدایان" (یا "گرگ و میش خدایان") و همچنین یک اثر درخشان خلق کرد. اپرایی که به طور کامل تمام اصالت رمانتیسم آلمانی متاخر را منعکس می کرد - تریستان و ایزولد.

واگنر یکی از موسیقی شناسان اصیل طبقه دوم است. قرن 19 دیدگاه های موسیقیایی و زیبایی شناختی او تا حد زیادی با فلسفه نیچه و شوپنهاور مرتبط است. از مهمترین آثار موسیقی شناسی او می توان به «زیارت بتهوون»، «هنر و انقلاب»، «اثر هنری آینده»، «اپرا و درام»، «زندگی من» اشاره کرد.

(کاست شماره 12. سمت B)

ژرژ بیزه (1838 - 1875، فرانسه).

در نیمه دوم قرن نوزدهم، دو گرایش بیش از پیش به وضوح خود را در فرهنگ اپرا نشان دادند. یکی از آنها، واقع گرایانه در زیبایی شناسی خود، با کار G. Verdi همراه بود. دیگری که با کار آر. واگنر مرتبط بود، اساساً رمانتیک دیررس بود که منجر به شکل گیری ژانر درام موزیکال شد.

در موسیقی فرانسوی، سنت های رئالیسم اپرا درخشان ترین تجسم خود را در آثار ژرژ بیزه یافتند. با عطف به ژانرهای مختلف هنر موسیقی، آهنگساز اول از همه به دنبال ایجاد تصاویر واقعی و شبیه به زندگی بود (از این نظر آرزوهای او شبیه موقعیت اجتماعی فعال و زیبایی شناسی مشت قدرتمند در روسیه بود).

بیزه پیانیست بسیار خوبی بود و به موسیقی پیانو توجه زیادی داشت. اما نام او در درجه اول در ارتباط با موسیقی او برای تئاتر وارد تاریخ فرهنگ موسیقی جهان شد. اینها اپراهای جویندگان مروارید، جمیل، زیبایی پرث، موسیقی درام A. Daudet The Arlesian و شاهکار آهنگساز، اپرای Carmen (1874) هستند.

منبع اصلی ادبی «کارمن» - داستان کوتاهی با همین نام از P. Mérimée - به‌طور بنیادی با تلاش لیبرت‌نویسان - ملیاک، هالوی و خود بیزه بازاندیشی شد. اول از همه، این به ظاهر شخصیت های اصلی مربوط می شود که در قالبی شاعرانه ظاهر می شوند، عاری از تمام لحظات "کاهش کننده". و بنابراین ایده آزادی انسان، آزادی انتخاب، خلوص و طبیعی بودن احساسات در اپرا غالب است. نوآوری بیزه همچنین در این واقعیت بود که قهرمانان اپرا، برخلاف سنت های این ژانر، افراد مدرن بودند.

علاوه بر این، صحنه های عامیانه نیز در لیبرتو گنجانده شد که عاشقانه غم انگیز و غم انگیز منبع ادبی را به یک درام انسانی با حل و فصل مثبت تبدیل کرد. اصل عامیانه مهمترین جنبه زیبایی شناسی کارمن است که هم مفهوم خوش بینانه تراژدی و هم تفسیر تصاویر و هم ویژگی های زبان موسیقایی اثر را شکل می دهد.

فقط چند آهنگ فولکلور معتبر در اپرا استفاده شده است. اما تمام تار و پود اپرا با مشخصه‌ترین لحن‌ها و ریتم‌های موسیقی محلی اسپانیا آغشته است. بسیاری از قسمت های اپرا بر اساس ژانرهای عامیانه - habanera، seguidilla، tarantella هستند.

در کارمن، بیزه، با تکیه بر تمام غنای ملوهای فولکلور، آزادانه از سنت های ساختار کلاسیک و شماره ای اپرا و روندهای نوآورانه در ایجاد صحنه هایی در مقیاس بزرگ و به طور چشمگیری هدفمند استفاده کرد که با وحدت توسعه یونیشن نفوذ کرد.

تم کل اثر، لایت موتیف کارمن (در دو نسخه) است که به نماد آزادی روح تبدیل می شود.

عمل 4. دونوازی خوزه و کارمن آخرین دونوازی از شخصیت های اصلی است. تراژدی احساسات خوزه، که توسط کارمن رد شده است، با تضاد جشن صحنه های عامیانه بسیار تقویت می شود. «عدم تطابق» طرح‌های شخصی و کلی روایت، موقعیتی دراماتیک پدید می‌آورد که از نظر تنش خارق‌العاده، در عین حال حیاتی و واقعی است که منحصراً با آرمان‌های واقع‌گرایانه آهنگساز مطابقت داشت.

(کاست شماره 13. ضلع الف)

ادوارد گریگ (1843 - 1907) - آهنگساز، رهبر ارکستر، پیانیست، چهره موسیقی نروژی. گریگ یکی از آن هنرمندانی است که نقش او برای توسعه فرهنگ ملی تعیین کننده بود. این آهنگساز با شروع زندگی خلاقانه خود در یک کشور کوچک "ولایتی"، موسیقی نروژی را با قدرت نبوغ خود به اوج کلاسیک های جهانی رساند. سبک گریگ با فردیت روشن و شخصیت ملی مشخص شده است. او از اولین گام های زندگی خلاقانه خود تلاش کرد تا بر "زبان مادری" موسیقی نروژی تسلط یابد. آهنگساز آزادانه ویژگی های مودال و آهنگین ملوس نروژی را اجرا می کند. گریگ با جذب تأثیر رمانتیسیسم آلمانی در جوانی، فردیت خود را بیش از پیش آشکارتر نشان داد. او که طبیعتاً دارای حس خاصی از رنگ بود، چیزهای جدید زیادی را در زمینه هارمونی و بافت معرفی کرد. ویژگی های ذاتی او در تصویرسازی ظریف تصویری با حس خاصی از نور، هوا و فضا در موسیقی او نفوذ می کند. درخشش هارمونی در آثار گریگ، آهنگساز را به هم عصر فرانسوی خود، کلود دبوسی، نماینده امپرسیونیسم نزدیک می کند. گریگ با غنای مداوم سبک خود ، هدف اصلی را دنبال کرد - ارتقاء هنر ملی به سطح پدیده های برجسته جهانی.

میراث گسترده گریگ شامل ژانرهای اصلی موسیقی است: موسیقی صحنه و کر، آثار سمفونیک، گروه های مجلسی، آهنگسازی پیانو و رمانس. گریگ که عمدتاً یک مینیاتوریست بود، به طور کامل خود را در زمینه خلاقیت پیانو و آواز مجلسی نشان داد. در این ژانرها بهترین جنبه های استعداد او، غزلیات لطیف و صمیمانه او را تحت تأثیر قرار می داد. کار پیانوی گریگ چند وجهی است. هم تصاویری از طبیعت و هم تصاویر شاعرانه زندگی عامیانه و هم حرکات پنهان روح انسان را منعکس می کرد. قطعات کوچک پیانوی او را می توان به اشعار غنایی تشبیه کرد که در آن تمام تأثیرات در چند کلمه بیان شده است.

آهنگ‌های پیانوی گریگ به گروه‌های مجلسی او نزدیک است. آهنگساز ماهیت سازهای آرشه ای را که سنت دیرینه خود را در نروژ دارد به طرز ماهرانه ای احساس کرد.

تفسیر گریگ از ژانرهای ارکسترال و سمفونیک عجیب است. تمام ساخته های ارکستری او، به استثنای سمفونی منتشر نشده اولیه، از نوع مینیاتور سوئیت یا برنامه است. بهترین ساخته های ارکستری گریگ با برنامه ادبی مرتبط است که از آثار جی. ایبسن و بی. بیورنسون الهام گرفته شده است. سوئیت‌هایی از موسیقی تا درام Peer Gynt (1888-1896) جی. ایبسن، که در آن گریگ تفسیر خود را از طرح ارائه کرد، ویژگی‌های شعری آن را تقویت کرد و لحظات منظره را معرفی کرد، شهرت جهانی دارند. در اینجا، سه خط اصلی که ماهیت موسیقی گریگ را برای "پیر گینت" تعریف می کنند - زندگی عامیانه، فانتزی، اشعار - در یک سنتز ارگانیک ظاهر می شوند. فانتزی "Peer Gynt" - دنیای ترول ها و ارواح کوهستانی - توسط گریگ با روحیه یک داستان عامیانه نروژی با خودانگیختگی بسیار درک شد. اصل آهنگ محلی نیز بر اشعار Peer Gynt غالب است - گرم، صمیمانه و لطیف به سبک Griegian. وجه مشترک همه تصاویر موزیکال که ترکیب «پیر گینت» را تشکیل می‌دهند، ویژگی برجسته ملی آنهاست.

در سوئیت اول، گریگ ترکیب "صبح" را به عنوان شماره اول قرار داد. این تصویر، به گفته خود گریگ، "حال و هوای طبیعت صبحگاهی است، جایی که ... در اولین قلعه" "خورشید از میان ابرها می شکند." موسیقی "Utra" با نغمات شبانی، بت‌آلود، با طراوت صبح شمالی نفس می‌کشد. جذابیت این موسیقی در نواختن لطیف صداها و رنگ های هارمونیک روشن و درخشان نهفته است. دوئت شبانی فلوت و ابوا، و سپس صدای گرم تارها، آواز بوق فرانسوی و جیک فلوت ها تصویری از طبیعت بیدار را ترسیم می کنند.

یان سیبلیوس (۱۸۶۵ - ۱۹۵۷) آهنگساز و رهبر ارکستر فنلاندی.

کار استاد در راستای سنت های کلاسیک و رمانتیک شکل گرفت. در میراث وسیع و متنوع موسیقایی سیبلیوس از نظر ژانرها و فرم‌ها، مهم‌ترین آثار ارکسترال بزرگی است که او را به عنوان یکی از نمایندگان برجسته سمفونی جهان مشهور کرد. آهنگساز از طعم خاص فولکلور موسیقی فنلاند، طبیعت خشن شمالی، تصاویر شاعرانه حماسه ملی کالوالا، گذشته تاریخی و مشکلات زندگی مدرن مردم فنلاند الهام گرفته است. سیبلیوس بدون نقل قول از ملودی‌های عامیانه، ویژگی‌های فولکلور موسیقی و شعر فنلاندی، چرخش‌های آهنگین، هارمونیک و ریتمیک آن، و همچنین سنت‌ها و تکنیک‌های اجرای خوانندگان فنلاندی را به‌طور ارگانیک اجرا کرد. آثار آوازی سیبلیوس عمدتاً با آثار شاعران ملی فنلاند مرتبط است.

جایگاه اصلی در میراث موسیقی سیبلیوس توسط 7 سمفونی متفاوت در ساختار عاطفی-تجسمی و روش های تجسم موسیقی آنها اشغال شده است. سیبلیوس سمفونی را به عنوان یک درام ابزاری تعبیر کرد و طیف گسترده ای از تصاویر را تعمیم داد - قهرمانانه-حماسی، دراماتیک، غنایی، شبانی، روانشناختی عمیق.

سیبلیوس در طول زندگی حرفه ای خود به سمت برنامه نویسی گرایش داشت. از جمله آثار متعدد سمفونیک برنامه ای او می توان به سمفونی کولروو اشاره کرد. شعرهای سمفونیک، اورتور، سوئیت.

یکی از بهترین آثارکنسرتو سیبلیوس برای ویولن و ارکستر (1905)، که با دانشی ظریف از ماهیت ساز، در مقیاسی واقعا سمفونیک نوشته شده و جایگاه برجسته ای در ادبیات ویولن جهان دارد. آهنگسازی کنسرتو از نظر عاشقانه آزاد و در عین حال سخت است، موسیقی با عمق، اصالت، وسعت تنفس ملودیک (به ویژه در قسمت ویولن)، فضیلت درخشان و رسا متمایز است.

در پایان (قسمت سوم) کنسرتو، به نظر می‌رسد که موسیقی از تضاد دراماتیک قسمت‌های قبلی دور می‌شود و به قولی، تصاویری را که مدت‌ها فراموش شده از آیین‌های آیینی بت پرستان جشن باستانی زنده می‌کند. دو ملودی از نظر لحن، حالت و ریتم نزدیک به ترانه های محلی بر این قسمت غالب است. اولی متحرک، موتوری است، مانند یک آهنگ جادوگر، دومی تقلید از یک رقص محلی خشن است که در توسعه آن به یک نیروی عنصری عظیم می رسد.

فینال توسط یک کودا اصلی تکمیل می شود که بر اساس انگیزه های قسمت اصلی موومان اول است. این رابطه نوعی قوس لحنی- معنایی ایجاد می کند که کل چرخه را با یک آپوتئوزی درخشان تاج می کند.

Charles Camille Saint-Saens (1835 - 1921) - آهنگساز فرانسوی، پیانیست، ارگ نواز، رهبر ارکستر، منتقد موسیقی و نویسنده، معلم، موسیقی و چهره عمومی.

اصول خلاقانه سنت سان تحت تأثیر سنت های ملی (نوازندگان هارپسیکورد، جی. برلیوز، اپرای بزرگ، اپرای غنایی)، و همچنین هنر J. S. باخ، G. F. Handel، کلاسیک های وینی، سمفونی برنامه F. List توسعه یافت. فعالیت آهنگساز سنت سان با شدت استثنایی متمایز شد: او آثار متعددی در بسیاری از ژانرهای موسیقی خلق کرد. او نویسنده یازده اپرا است (محبوب ترین آنها - "سامسون و دلیله" - در کارنامه خانه های اپرا در سراسر جهان جای گرفت). با این حال، چشمگیرترین زمینه کار او موسیقی دستگاهی است، در درجه اول هنرپیشه کنسرت. آثاری مانند سمفونی با ارگ (تقدیم به خاطره اف. لیست، 1886)، اشعار سمفونیک برنامه (به ویژه محبوب "رقص مرگ"، 1874)، پیانوی دوم، چهارم، پنجم (1868، 1875، 1896)، دومین ویولن سل (1902)، کنسرتوهای ویولن سوم (1880)، "مقدمه و روندو کاپریچیوزو" برای ویولن و ارکستر (1863) او را در میان بزرگترین آهنگسازان فرانسوی قرار داد.

در آثار سن سان، اشعار سبک شاعرانه، حالات شادی، نشاط، زاییده پویایی بیانی حرکت، طرح‌های ژانر شاداب، تأمل صلح‌آمیز، ترحم نجیب و درام محدود حاکم است. ترکیبی از خلق و خوی تکانشی پر جنب و جوش با متانت مشخص است. هنر سنت سان ذاتاً عینی، منطقی، روشن است، شروع فکری در آن غالباً بر احساس غالب است. سبک آهنگساز به ویژه با انبار آهنگ و دکلماسیون مضامین، استفاده گسترده از لحن ها و ژانرهای فولکلور مشخص می شود. ریتم های رقص. آثار سنت سان با اشباع ملودیک، بی‌نهایت تغییرپذیر، ریتم انعطاف‌پذیر، متحرک و الاستیک، لطف و تنوع بافت، هماهنگی منطقی و کامل بودن ترکیب، همراه با ساخت آزاد متمایز می‌شوند. همه این ویژگی‌ها تا حد زیادی در یکی از محبوب‌ترین آثار سنت سان - کنسرتو شماره 2 برای پیانو و ارکستر وجود دارد. این کتاب به ابتکار A.G. Rubinstein نوشته شده است، که سن سان در طول تور پاریس موسیقیدان روسی در سال 1868 با او نزدیک شد. در همان زمان، این اثر توسط نویسنده در کنسرتی به رهبری روبینشتاین اجرا شد. قسمت اول کنسرتو با بداهه نوازی آزاد و بی قید و بند، غنای ریتم مجذوب کننده است، قسمت دوم سرشار از شوخ طبعی و ظرافت است، پایان آن بر اساس حرکت مداوم در روح یک تارانتلاست که در پایان حرکت به یک افزایش دینامیکی بزرگ

سزار فرانک (1822 - 1890) - آهنگساز فرانسوی، ارگ نواز، معلم.

فرانک در کار خود تصاویر رمانتیک را با میل به وضوح سبک کلاسیک ترکیب کرد. در عین حال، موسیقی فرانک با ضد اشتیاق و سختگیری، آزادی بیان و سازماندهی ساختاری واضح (تک موضوعی)، ویسکوزیته ارگ ​​نوشته های ارکستری و رسیتیتیو مشخص می شود. فرانک با ترکیب تأثیرات J. S. Bach و L. Beethoven، رمانتیک‌های متأخر (R. Wagner، F. Listt) و ملودی‌های عامیانه فرانسوی، سبک فردی خود را توسعه داد.

معروف ترین آثار سمفونیک (سمفونی)، مجلسی-ساز (سونات برای ویولن و پیانو، کوارتت زهی)، ارگ (3 گروه کر) و پیانو (پیش درآمد، کرال و فوگ) فرانک متعلق به اواخر دوره خلاقیت (تا دهه 80) است. در این دوره او همچنین اپرا، آهنگ های کرال، رمانس نوشت). آنها با اشعار مستقیم تر، پر از احساس عشق به طبیعت مشخص می شوند.

فرانک به عنوان نماینده جنبش به اصطلاح نوسازی وارد تاریخ موسیقی شد. جایگاه اصلی در میراث فرانک توسط آهنگسازی های دستگاهی اشغال شده است. آنها با تعمیم، روشنفکری مشخص می شوند. فرانک یکی از بزرگترین آهنگسازان و متفکران فرانسوی که سنت های ملی موسیقی فرانسوی و بلژیکی را جذب کرد، در هنر خود عمق فلسفی را با وضوح، همبستگی احساس و عقل ترکیب کرد. او با ویژگی های ملی فرانسوی مانند ظرافت طعم، درخشندگی بیان متمایز بود.

در میان ساخته های ارکستر فرانک، سمفونی دی مینور برجسته است - یکی از بهترین آثار او. این بسیار ارگانیک ویژگی های رمانتیسم و ​​کلاسیک را ترکیب می کند. کانون توجه هنرمند، شخصیت انسان با دنیای درونی پیچیده اش است. از این رو - غزل غالب، افزایش بیان عاطفی موسیقی، عمق روانی آن، که مشخصه آثار رمانتیک های متاخر است. اما با همه اینها، فرانک قوانین عینی ساخت دقیق معماری فرم کلاسیک را از بین نمی برد، بلکه ژانر سمفونی را گسترش می دهد و غنی می کند، همانطور که برای معاصرانش نیز مشخص بود.

در تصاویر موسیقایی اثر تا حدی هم قهرمانی بتهوون و هم فلسفه لیست «ذوب شده است». اما فرانک با بی‌واسطگی استثنایی بیان، گرمای عاطفی، نفوذ، تمایل به انضمام فیگوراتیو مشخص می‌شود که به موسیقی او رنگ‌آمیزی خاص و منحصر به فرد می‌دهد.

در موومان اول و پایانی، فرانک از یک ارکستر غنی و متراکم استفاده می‌کند که بیشتر نمونه‌های اپرا بود تا سمفونیک آن زمان. شاید در «تراکم» برخی از صفحات موسیقی، در تعهد گاهاً «ضخیم» و باس های کم، عادت آهنگساز به سونوریتی اندام تحت تأثیر قرار گیرد.

کلود دبوسی (۱۸۶۲ - ۱۹۱۸) آهنگساز فرانسوی.

اهمیت دبوسی برای فرهنگ موسیقی جهان عمدتاً توسط آهنگسازی های دوره میانی خلاقیت تعیین می شود ، زمانی که استعداد او به عنوان بزرگترین نماینده امپرسیونیسم در موسیقی شکوفا شد. دبوسی سبک فردی بسیار اصیل را توسعه می دهد که تقریباً در همه ژانرهای آهنگساز از جمله ژانرهای مصنوعی (مثلاً اپرای Pelléas et Mélisande، موسیقی برای راز G. D'Annunzio "شهادت سنت سباستین" ظاهر می شود. "و غیره). با این حال، موسیقی عمدتاً دستگاهی، برجسته ترین نتایج جستجوی خلاقانه او را نشان می دهد. دبوسی ملودی امپرسیونیستی خلق کرد که با ظرافت و انعطاف پذیری ظرافت ها متمایز بود، اما در عین حال با ابهام و عدم قطعیت خاصی متمایز شد. مهمترین ویژگی های آن شکنندگی، هوسبازی، خطوط مبهم است. جوهر چند صدایی امپرسیونیستی دبوسی تحمیل و در هم تنیدگی ضربات رنگی است. از سوی دیگر، ریتم، جزئیات مختلف، بی شماری از کوچکترین سایه ها را با انحراف از تعمیم های ریتمیک واضح و گسترده ترکیب می کند. دبوسی دائماً در تلاش است تا جلوه "سوسو زدن" رنگ های هارمونیک را ایجاد کند و به ترکیب های مختلف هارمونی متوسل شود. در عین حال، موسیقی دبوسی شکنندگی تصاویر موسیقی را با وضوح و سادگی فرم ترکیب می کند.

دبوسی دائماً موسیقی برنامه می نوشت، اما این یک برنامه نوعاً امپرسیونیستی است که تصویری پنهان، پر از کنایه های مبهم، قادر به فانتزی هیجان انگیز را اعلام می کند. برنامه نویسی دبوسی معمولاً از خطوط طرح پرهیز می کند، در جایی که این طرح ترسیم شده است، پنهان است.

دبوسی توانایی موسیقی را برای انعکاس بسیار دقیق و مبهم هیجان انگیز و تجسم سایه های احساسات انسانی و پدیده های طبیعی متنوع کرد.

اثر برجسته دبوسی سه‌گانه ارکستری "شب‌گردی" (1897-1899) است که در آن او به انتقال مستقیم و صادقانه تأثیرات، نقاشی‌های صوتی شاعرانه آزاد دست یافت. دبوسی ماهیت غیرعادی آثار او را درک کرد و برنامه اولین کنسرت را با نظرات نویسنده ارائه کرد:

عنوان - "Nocturnes" - در اینجا معنای کلی تر و حتی تزئینی تر به دست می آورد. ما در مورد شکل معمول شبانه صحبت نمی کنیم، بلکه در مورد هر چیزی که این کلمه را با برداشت های خاص و احساسات نور مرتبط می کند صحبت می کنیم.

"ابرها" تصویری از یک آسمان ساکن با ابرهای آرام و غمگینی است که در عذابی خاکستری شناورند و به آرامی با نور سفید رنگ آمیزی شده اند.

"جشن ها" - حرکت، ریتم رقص جو با انفجار نور ناگهانی، و همچنین یک قسمت از راهپیمایی (دید خیره کننده و کایمریک)، عبور از تعطیلات و ادغام با آن؛ اما پس زمینه باقی می ماند - این یک جشن است، مخلوطی از موسیقی با غبار نورانی، که بخشی از ریتم کلی است.

"آژیرها" - دریا و ریتم بی نهایت متنوع آن؛ سپس، در میان امواج نقره ای زیر ماه، آواز اسرارآمیز آژیرها بلند می شود، از خنده فرو می ریزد و فروکش می کند.

خلق «شب‌های شبانه» گواه گسترش دایره تصاویر آثار دبوسی بود.

روند مشابهی به کارهای پیانویی او نیز کشیده شد. این امر به ویژه در مورد دو دفتر پیش درآمد او (1910، 1913)، دستاورد برجسته دبوسی در زمینه موسیقی پیانو صادق است. پیش درآمدها حاوی جوهره پیانیسم او هستند؛ آن‌ها، گویی، دایره‌المعارفی از روش‌های خلاقانه آهنگساز هستند، جایی که می‌توان ویژگی‌هایی را یافت که یادآور متنوع‌ترین آثار اوست. هر یک از پیش درآمدها تصویری تمام شده از کمال هنری عالی است که تا کوچکترین جزئیات جلا داده شده است. کل چرخه 24 پیش درآمد، تنوع وظایف خلاقانه حل شده در آنها را نشان می دهد.

به عنوان مثال، سومین پیش درآمد «باد در دشت» جالب است: موسیقی نه تنها حس فضا، نه تنها حرکت، بلکه یک احساس اضطراب و بی قراری را نیز منتقل می کند، که مانند یک نخ قرمز در کل اثر می گذرد. باد در دشت یکی از شاهکارهای پیانیست نویسی دبوسی است. تمام جزئیات به دقت سنجیده شده و به موارد ضروری کاهش می یابد. در عین حال، اصالت بسیار زیادی در این خساست بافت وجود دارد - در گذرگاه های لرزان که ملودی ساده و اصیل را در میله های اول به راه می اندازد، در زنجیره های مورد علاقه آهنگساز از آکوردهای موازی که جلوه فضایی را ایجاد می کند. «باد در دشت» می‌تواند به عنوان نمونه‌ای واضح از تنوع نوشته‌های پیانیستی دبوسی باشد، که به یک اندازه دارای لاکونیسم شدید و ارائه کامل بود.

موریس راول (1875 - 1937) - آهنگساز فرانسوی، یکی از بزرگترین موسیقیدانان نیمه اول قرن بیستم.

آهنگساز در آثار خود از طبیعت، "آرمان های ابدی" هماهنگی و زیبایی، برگرفته از دوران باستان و رنسانس، از افسانه ها سرود. موسیقی خلقی راول با حس تناسب، محدودیت بیان و روشنفکری مشخص مشخص می شود.

آثار راول دستخوش تحول پیچیده‌ای از درک شادی‌بخش از جهان، سرمستی از زیبایی در آثار اولیه او - تا درام سال‌های اخیر شده است. راول با تجربه تأثیر زیبایی شناسی امپرسیونیسم، بسیار فراتر از محدوده آن رفت. در آثار او، گرایش های زیبایی شناختی و سبکی مختلفی در هم تنیده شدند: کلاسیک، رمانتیک-امپرسیونیست و نئوکلاسیک (در اواخر دوره). آنها به وضوح خود را در موسیقی دستگاهی او نشان دادند.

علاقه به فولکلور (فرانسوی، اسپانیایی و سایر کشورها) یکی از ویژگی‌های کار راول است که برای اولین بار در قطعه پیانوی Habanera (1895 که بعداً در راپسودی اسپانیایی گنجانده شد) ظاهر شد. انعطاف‌پذیری، انعطاف‌پذیری خطوط ملودیک از ویژگی‌های حماسه عامیانه فرانسوی ناشی می‌شود. نقش راول در نوسازی پیانیسم فرانسوی بسیار عالی است. او در قطعه پیانوی ویرتووز-امپرسیونیست «بازی آب» (1901)، با شروع از دستاوردهای پیانیستی لیست، نوع جدیدی از پیانو نویسی را ایجاد کرد که متعاقباً آن را توسعه داد. همزمان در کار پیانوی راول تداوم با کلاسیک فرانسوی قرن هجدهم تثبیت می شود. زبان موسیقایی بسیاری از آثار راول با فرهنگ اسپانیایی (اپرا ساعت اسپانیایی، راپسودی اسپانیایی، بولرو) مرتبط است. راول در راپسودی اسپانیایی (1907) به اوج مهارت ارکسترال می رسد که با اصالت مودال و ریتمیک ملودی ها مشخص شده است (به عنوان یک قاعده، کوتاه، اما بسیار برجسته). اساساً آهنگساز در اینجا از تم های موریتانی-اندلسی استفاده می کند (فقط تم مالاگوئنا منشأ باسکی دارد). موسیقی "راپسودی اسپانیایی" با ظرافت، درخشندگی رنگ های ارکستری مشخص می شود. ایده انتقال اثر صدای معمولی، تکنیک‌های متعدد پژواک‌های ارکستری، هجوم و انحلال انگیزه‌ها را دیکته می‌کند.

"راپسودی اسپانیایی" فقط مجموعه ای از نمایشنامه های ژانر نقاشی نیست. بخش‌های آن، با قرار گرفتن در یک سرعت خاص و رابطه فیگوراتیو با یکدیگر، نوعی چرخه را تشکیل می‌دهند: راز «پیش‌لود شب»، صحنه ژانر با طبیعت متحرک - «مالاژنا»، «هابانرا» بی‌حال، آتش زا "شب پری".

رقص جایگاه بزرگی در آثار راول دارد. این آهنگساز در ابتدا از طیف گسترده ای از ژانرهای رقص استفاده کرد: مینوئت، هابانرا، والس، بعدها - فاکستروت، بلوز (بخش دوم سونات برای ویولن و پیانو). ساختار عاطفی ارکسترال «والس» که در دوران جنگ جهانی اول نوشته شده است، نشان دهنده است. در اینجا، اصل تشدید مداوم درام به طور مداوم انجام می شود: جذبه رقص به یک دیوانگی تبدیل می شود، مضامین تبدیل می شوند، آنها به نظر عجیب می رسند. پایان "والس" به طرز غم انگیزی به عنوان یک فروپاشی در ورطه درک می شود.

یکی از قله های سمفونی فرانسوی قرن بیستم «بولرو» (1928) اثر ام راول است. این بهترین وضوح مفهوم را با استفاده از ارکستر ترکیب می کند. کل کار بر روی تکرار یک موضوع ساخته شده است که از دو بخش تشکیل شده است: اولی ریشه در فرهنگ عامه باسک دارد، دومی در موریتانی-اندلس. راول با مهارت زیاد، مطالب موضوعی را تغییر می دهد. این راز علاقه پایان ناپذیر به شنیدن ملودی گسترده (34 اندازه) و تنوع به ظاهر بی پایان آن است. توسعه مواد موسیقی در درجه اول از طریق تام صورت می گیرد. در "بولرو" (مانند "والس") رقص به عنوان وسیله ای برای "تعمیم از طریق ژانر" عمل می کند.

مانوئل د فالا (۱۸۷۶ - ۱۹۴۶) آهنگساز و پیانیست اسپانیایی بود.

در کار M. de Falla، خط توسعه مکتب ملی اسپانیایی در موسیقی، که توسط چهره های فرهنگ اسپانیایی اواخر قرن 19 و اوایل قرن 20 آغاز شد، ادامه یافت. آهنگساز در نوشته های خود شخصیت اسپانیایی را در محتوای ملی آن بیان می کند و فرم موسیقیعاری از محدودیت های محلی سبک فردی درخشان فالا با فشردگی فرم، ظرافت نفیس ارائه موسیقی، تمرکز افکار موسیقایی، بیان شدید و در عین حال مهار احساسات، غنا و تنوع ریتم ها، مضامین شاداب، تسکین دهنده، رنگارنگی مشخص می شود (در ترکیبات بعدی - سختگیری زاهدانه) ارکستراسیون.

آثار فالا از نظر ژانر بسیار متنوع است، اما ساخته های ارکسترال و موزیکال-تئاتری او بیشتر شناخته شده است. سوئیت سمفونیک پیانو و ارکستر «شب‌ها در باغ‌های اسپانیا» و باله تک‌پرده «عشق یک جادوگر است» (1915) ساخته‌های مرکزی فالا در اواسط دهه 1910 و همزمان با او هستند. باله دوم "کلاه سه گوشه" (1916) و کنسرتو مجلسی (1926)، محبوب ترین و پربازدیدترین آثار این آهنگساز است.

«شب‌هایی در باغ‌های اسپانیا» بهترین ویژگی‌های سبک پخته آهنگساز دوره‌ی میانی را متمرکز می‌کند. این امتیاز بسیار مجلل و در عین حال از نظر اقتصادی سخت است، که در آن تأثیرات چشمگیر با وسایل بسیار ساده به دست می آید. او فالا را با استادان برجسته ارکستر اروپایی - N. Rimsky-Korsakov، C. Debussy، M. Ravel برابر کرد.

در باله پانتومیم تک پرده عشق یک جادوگر است، فالا تصاویر واضحی از زندگی کولی های اسپانیایی ترسیم می کند. محتوای باله به شرح زیر است. کارملو کولی و کاندلاس کولی جوان عاشق یکدیگر هستند، اما شادی آنها با ظاهر شدن شبح کاندلاهای محبوب مرده مانع می شود. کارملو برای خلاص شدن از آزار و شکنجه خود، دوست کاندلاس، لوسیا بادخیز را متقاعد می کند که با روح معاشقه کند. ترفند موفق می شود، روح مجذوب لوسیا می شود و عاشقان را ترک می کند.

ملودی ها، در وحشی اصلی خود، خطوط هارمونیک تیز، زنگ های برهنه، تضادهای احساسی شدید، ریتم های عجیب و غریب - اینها ویژگی های غالب باله است. همه چیز در آن پر از خلق و خوی عنصری، قدرت است، همه چیز تازه و غیر معمول است. از محبوب ترین صفحات باله می توان به "رقص ترس" (شماره 5) و "رقص آیینی آتش" (شماره 8) اشاره کرد که ملوها، ریتم ها و رنگ کلی رقص های کولی اندلس را بازسازی می کند که اکنون تقریباً ناپدید شده است. . در نهایت، غیر معمول، و در زمان Falla - به طور مبتکرانه ای جسورانه، گنجاندن سه شماره آواز مستقل در باله است: اینها "آواز آرزوی عشق"، "آواز آتش سرگردان" و "رقص بازی عشق" هستند. ". چندین عبارات آوازی ("روز در حال طلوع است! بخوان، زنگ بزن، بخوان، شادی به من باز می گردد!") نیز در فینال (شماره 13) شنیده می شود - در پس زمینه زنگ رسمی زنگ ها که از سپیده دم استقبال می کنند.

بلا بارتوک (۱۸۸۱ - ۱۹۴۵) آهنگساز، پیانیست، فولکلور و معلم مجارستانی بود.

کار بارتوک تأثیر زیادی بر شکل‌گیری موسیقی مجارستانی با جهتی جدید در دهه‌های 1930-1950 و همچنین در توسعه مدارس آهنگساز ملی جوان در کشورهای اروپای شرقی و جنوب شرقی داشت.

آثار ساز جایگاهی مرکزی در میراث گسترده بارتوک دارند: قطعات پیانوفورته، 6 کوارتت زهی، سونات و راپسودی برای ویولن، کنسرتو برای پیانوفورته (3)، برای ویولن (2)، آثار چند قسمتی برای ارکستر. جذابیت‌های اپیزودیک‌تر او به ژانرهای صحنه‌های آوازی و موسیقی (باله‌های شاهزاده چوبی (1917)، ماندارین شگفت‌انگیز (1919)، اپرای قلعه دوک بلوریش (1918) بود.

فعالیت بارتوک به تجدید جسورانه ساختار فیگوراتیو و آهنگی موسیقی مدرن از طریق اجرای نوآورانه درخشان فولکلور موسیقی کمک کرد. او عمداً کمال زیبایی‌شناختی فولکلور قدیمی دهقانی را در مقابل فقر معنوی فرهنگ شهری قرار داد.

آوازهای دهقانی قدیمی نه تنها به عنوان نمونه ای از عالی ترین خرد و زیبایی، بلکه به عنوان منبعی برای تجدید زبان موسیقی مدرن در خدمت بارتوک بود. تجربه ساخت موسیقی فولکلور که به دقت توسط او در سفرهای فولکلور مورد مطالعه قرار گرفت، در ویژگی های خاص مدال، ریتمیک و تام سبک خود منعکس شد. ویژگی بارز تصویر خلاق او نیز این است که او توسعه عناصر فولکلور را با توسعه خلاق تجربه استادان برجسته اروپایی مانند آر. اشتراوس، سی. دبوسی، ای. استراوینسکی، آ. شوئنبرگ ترکیب می کند. آثار او در مرحله‌ای معین، گرایش‌های مشخصه موسیقی اروپایی قرن بیستم را منعکس می‌کرد: پویایی هیپرتروفیک، تمایل به صداهای خشن و شوک‌آمیز، و روشنفکری دقیق. بهترین خلاقیت‌های بارتوک با خودانگیختگی ریتم‌ها، درخشش پرشور، تضادهای دراماتیک حاد و وضوح بی‌نظیر مضمون‌ها مجذوب خود می‌شوند. برای آنها، مخالفت شدید با تصاویر بربریت خشمگین و دیدهای وحشتناک شبانه، عناصر روشن و سالم هنر عامیانه معمول است.

بارتوک کمک زیادی به رپرتوار جهانی ویولن کرد. او علاوه بر سونات برای ویولن و پیانو و دو کنسرتو ویولن، دو راپسودی برای ویولن و ارکستر، یک سونات برای ویولن سولو و 44 دوئت ویولن نوشت.

سونات های ویولن (1921-1922) اوج تأثیرات امپرسیونیستی در آثار بارتوک بود. این با عناصر سازنده گرایی ترکیب شده است که کمی بعد در وهله اول در سونات پیانو و در اولین کنسرتو برای پیانو و ارکستر ظاهر شد.

در اولین سونات برای ویولن و پیانو، لحن های فولکلور با لباس هارمونیک جدید ظاهر می شود. در هر سه قسمت سونات، آهنگساز به صورت چند صدایی می اندیشد، به دنبال هارمونی های رنگارنگ، صداها می گردد و سعی می کند با انرژی ریتم های برجسته بر ماهیت ایستا آنها غلبه کند که یادآور "آلگروی بربر" معروف او است. قسمت ویولن به صورت ویرتوز نوشته شده است، در آن آزادانه از تمام دامنه ساز استفاده می شود. فضیلت برای بارتوک به خودی خود یک هدف نبود، بلکه با ماهیت موسیقی، به ویژه خلق و خوی و فراگیر بودن موومان اول و سوم مرتبط است.